MAR DE CINE

"El Fantasma" (The Phantom, 1996) de Simon Wincer

2012-01-16T12:43:00.019-02:00

Xander Drax, un multimillonario que pretende dominar al mundo, envía una expedición a la selva de Bengala en busca de las míticas calaveras de Tugando posedoras de unos extraños poderes sobrnaturales. Sin embargo, esa jungla es el hogar de un legendario luchador de la justicia conocido como "El fantasma que camina" quien se interpondrá en los nefastos planes de Drax.

Creado por Lee Falk en 1936, "El Fantasma" ha sido uno de los héroes de historieta más populares durante varias décadas. Sus aventuras han sido publicadas una y otra vez en numerosas revistas y periódicos de todo el mundo hasta nuestros días.

Dada su popularidad era cuestión de tiempo hasta que alguien decidiese llevarlo a la pantalla, cosa que terminó sucediendo por primera vez en 1943 como un seriado cinematográfico y luego en 1961 como un film piloto titulado sencillamente "The Phantom" ideado para que funcionase como puntapié inicial para una serie televisiva. Lamentablemente, un presupuesto exiguo y un pésimo guión ayudaron bastante a que el proyecto fracasara y no pasara de ese primer y único episodio.

No es extraño que con la corriente noventera de traslaciones de héroes del comic al cine iniciada en 1989 por el "Batman" de Tim Burton, a algún estudio se le ocurriese volver intentarlo con el personaje de Falk. Y así ocurrió.

En 1996 los estudios Paramount lo llevan a la pantalla grande en una nueva versión dirigida por Simon Wincer y apoyada en un gran presupuesto.

El actor elegido para encarnarlo fue Billy Zane, un joven actor surgido del mundo del modelaje masculino. Contra todo pronóstico, la performance de Zane como el héroe enmascarado resultó ser todo un acierto, encajando perfectamente tanto en la personalidad como en las vestiduras del mismo.

Sin embargo, los motivos por los cuales "El Fantasma" de 1996 terminó por ser una de las mas grandes decepciones de aquel año no vinieron por el lado del protagónico de Zane, ni por las interpretaciones en general. Ni siquiera por el trabajo de Wincer tras las cámaras.
Donde el film falla rotundamente es en el planteamiento de la historia que nos propone el guión del desaparecido Jeffrey Boam -autor tambien del guión de las dos primeras "Arma Mortal" y de "Indiana Jones y la última cruzada"-. La aventura y los villanos que debe enfrentar el enmascarado lucen algo descafeinados y demasiado visto. Por ahí aparece un correcto Treat Williams personificando al malvado de turno, con un plan de dominación mundial que incluye unas calaveras mágicas que juntas son capaces de generar una especie de rayo de la muerte. La búsqueda de las mismas en plena jungla lo llevará a entrar en el territorio de el Fantasma, quien tras descubrir sus planes intentará detenerlo. Y eso es todo.

Aunque de a ratos evidencia que hubo bastante dinero apostado en ella -la fotografía es excelente, la reconstrucción de la década del 30 bastante cuidada y los efectos digitales, aunque pocos, son en general prolijos- la película se deriva por los derroteros más trillados del género de aventuras. La verdad es que no hay muchas secuencias de acción y las que hay no son demasiado elaboradas y están demasiado espaciadas entre sí. Quizás la mejor sea una de las finales, en la que hacen su aparición los piratas de la Hermandad Sheng, eternos rivales del héroe en la historieta pero que aquí son prácticamente relegados a ser villanos de segundo plano con muy poco peso en la historia.

Ni siquiera la aparición de una hermosa Catherine Zeta Jones, en uno de sus primeros papeles, flirteando románticamente con el héroe enmascarado ayudan a darle algo más de química al asunto. Zane es simpático y cae bien como el personaje, pero en el comic The Phantom estaba planteado como un ser misterioso y casi místico, experto conocedor de los secretos de la jungla. En esta versión de Wincer el mistisismo y el aura de misterio que el personaje debería irradiar brillan por su ausencia y es poco lo que el porte físico de Zane puede hacer para darle algo más sustancia al mismo.

"El Fantasma" es otra adaptación fallida de un héroe del comic al cine. Le faltaron más secuencias de acción y un mejor desarrollo del personaje que expandiera su aura de oscuro misterio. También hubiese sido bueno enfrentarlo a villanos más interesantes y no a unos tan rutinarios.
Si no fuera por el presupuesto que tuvo -42 millones de dólares!- perfectamente se podría decir que su calidad promedio no pasa de ser la de un telefim dominguero potable.
No es una película tremendamente mala, pero tampoco una memorable.

Puntaje: 5/10

"Muerte en el Nilo" (Death in the Nile, 1978) de John Guillermin

2011-11-17T11:45:00.027-02:00

A bordo de un lujoso barco fluvial, el Karnak, se dan cita diez personas que se ven implicadas en el misterioso asesinato de una rica heredera norteamericana. Mientras remontan las tranquilas aguas del Nilo van apareciendo pistas que indican que todos los pasajeros tenían un buen motivo para matar, aunque todos tienen una buena coartada. Haciendo gala de su particular talento, Hércules Poirot (Ustinov) un magistral investigador belga y también pasajero del barco, se propone descubrir al asesino.

Cuatro años después de la exitosa "Asesinato en el Orient Express", para muchos la mejor adaptación de una novela de Agatha Christie al cine, los estudios Paramount pretendieron aprovechar ese éxito adaptando otra novela de la famosa maestra del suspenso. La elegida fue "Muerte en el Nilo" una nueva aventura del investigador Hércules Poirot, personaje icónico y recurrente de la literatura de Christie.

Albert Finney, que ya había interpretado a Poirot en "Asesinato en el Orient Express", no aceptó la propuesta de volver a interpretar al mismo personaje lo que hizo que los productores tuvieran que buscar a otro intérprete. El elegido fue el británico Peter Ustinov, actor cuya imagen quedaría definitivamente asociada al personaje tras representarlo en numerosas adaptaciones posteriores. Aunque su efigie no coincidiera en lo físico demasiado con la descrita por Christie en sus obras, lo cierto es que la aceptación de Ustinov por parte del público fue tan buena que se convirtió rápidamente en uno de los mayores aciertos de la película.

En lo personal nunca fui demasiado seguidor de los libros de Christie.

Leí algunas de sus novelas en mi adolescencia a raíz de haber visto muchas de las películas basadas en su obra, pero en general nunca me ha parecido una autora tan genial como la pretenden posicionar sus más acérrimos seguidores. De todas formas tengo que admitir que hay cierto nivel de ingenio en la resolución de sus misterios que hace que se justifique la lectura de sus libros por más que algunos se hagan demasiado extensos al límite de lo pesado.

No estoy seguro de que tanta sea la fidelidad de "Muerte en el Nilo" con la novela en la que se basa -nunca la leí- pero no tengo duda alguna que es una de las mejores películas que he visto basada en sus libros.
Ustinov compone a un maravilloso Poirot, muy lejos de la perfomance de Finney en el 74 a la que siempre consideré algo densa y muy sobrevalorada. Me atrevo a afirmar que la labor protagónica de Ustinov es casi el 50% del valor del film y el resto se divide entre el buen trabajo de dirección de John Guillermin y un puñado de actuaciones correctas.

Y hablando de las actuaciones; el cúmulo de estrellas y/o caras conocidas era algo ya habitual en las adaptaciones de obras de Christie, y aunque no todas están a la altura de su nombre -David Niven hace de sí mismo como casi siempre, Bette Davis repite el papel de vieja insoportable en el que reicidió demasiadas veces en los años finales de su carrera- en general sirvieron para darle un toque de mayor calidad aparente y vender mejor la película en su momento.

Por su parte, Guillermin como director hace una labor de ambientación bastante buena apoyado por el marco natural en el que filmó -el verdadero Egipto y su rio Nilo- y logra una atmósfera de misterio atractiva hasta su resolución final, en una trama que sigue la mecánica de casi todas las obras de Agatha Christie; detallada descripción de los personajes, enigmático asesinato, investigación del mismo y revelación del asesino y sus motivaciones frente a todos los sobrevivientes del reparto.

"Muerte en el Nilo" es un film de misterio súmamente interesante y muy bien llevado. Para muchos -y me incluyo- es uno de los últimos grandes filmes de investigación detectivesca, que aunque le debe muchísimo al impecable trabajo protagónico de Ustinov igualmente posee valores propios que lo han mantenido en el tiempo como el gran clásico del género que es y seguirá siendo.

Puntaje: 7/10

"Sucker Punch" (2010) de Zack Snyder

2011-10-03T02:04:00.015-02:00

Tras la muerte de su madre, Baby Doll (Emily Browning) y su pequeña hermana quedan bajo la tutela de su siniestro padrastro, que solo desea apoderarse de la herencia que su difunta esposa ha dejado a sus hijas. Para obtenerla, envía Baby a un hospital psiquiátrico con la intención de que sea lobotomizada por sus doctores y así dejarla incapacitada legalmente para recibir la herencia de su madre. Para defenderse y mantener la cordura en la crueldad de su encierro, Baby crea mundos de fantasía donde ella y sus compañeras de prisión son heroínas dotadas de espectaculares habilidades, las cuales usarán para obtener los elementos que necesitan para escapar.

Zack Snyder adquirió popularidad como director hace pocos años gracias al estreno de sus muy buenas adaptaciones a la pantalla grande de las novelas gráficas "300" y "Watchmen". En ambos films dejaba constancia de un estilo muy propio para filmar las secuencias de acción mediante el uso de ralentis y aceleraciones de movimiento repentinas además de una aplicación bastante artística de los efectos digitales en función de la historia.

Snyder deseaba desde hacía años tener la oportunidad de plasmar en imágenes una idea propia y alejarse así de las adaptaciones de obras escritas por otros. La oportunidad se le presentó tras el éxito de "Watchmen" que hizo que los estudios Warner aceptaran financiar el guión de "Sucker Punch", escrito por el propio Snyder. Uno podía suponer que al tener libertad total en el proyecto y por los notables antecedentes de sus obras anteriores, el producto resultante sería soberbio. Lamentablemente no fue así.

"Sucker Punch" es notoriamente hija de la mente creativa de Snyder en lo que se refiere a lo visual y a lo estético, pero salvando eso lo demás solo puede calificarse como decepcionante.
La historia que nos propone es una mezcla de estilos y géneros hilvanados por una trama que combina lo real con lo imaginario de una forma demasiado ruidosa, que abusa bastante tanto de la paciencia como de la credulidad del espectador.
Por lo general no tengo problemas para asimilar tramas fantásticas por más rebuscadas que las planteen, siempre y cuando la historia se mantenga dentro de un cuadro de coherencia interna capaz de sostener el interés. El tema es que el drama vivido por Baby Doll y sus esfuerzos por evadirlo imaginando mundos de fantasía repletos de soldados mutantes, dragones y robots asesinos, huele por todos lados a pura excusa para que Snyder demuestre -otra vez- lo que sabemos desde hace rato que mejor sabe hacer; filmar cine de acción.El principal problema radica en el hecho de que una vez que empiezan las explosiones, los tiros y el aluvión de efectos especiales todo el drama real inicial queda reducido a casi nada, resintiendo el interés de la película que pasa a ser un muestrario de chicas sexys peleando con atuendos propios de una fantasía masculina contra enemigos imposibles en mundos imaginarios, en secuencias de acción muy bonitas pero tremendamente rutinarias, con mucho ritmo pero sin mucha coherencia. Y casi todo sigue en ese tren hasta los cinco minutos finales, donde una vuelta de tuerca del guión intenta compensar de forma fallida todos los excesos anteriores del mismo.

Lamentablemente para Snyder, su creación personal demuestra que sus capacidades como guionista y creador de universos propios están muy por debajo de sus habilidades para plasmar en imágenes la acción.
El sabor de boca que deja "Sucker Punch" al terminar no es mejor que el que dejaría una partida a cualquier videojuego de acción aunque, en este caso, seguramente la sensación de insatisfacción por haber perdido el tiempo con algo tan vacuo no sea tan molesta.

Puntaje: 4/10

"Destino Final" (Final destination) 2000 de James Wong

2011-09-04T06:01:00.021-03:00

Alex Browning (Devon Sawa) es un estudiante de secundaria que a punto de volar hacia París con sus compañeros de clase, tiene una espantosa premonición. En ella, ve a su avión explotar a los pocos segundos de despegar. En su desesperación, logra bajar antes del despegue junto con un puñado de compañeros, solo para ser testigos de como la enorme aeronave estalla en pedazos unos segundos despues de elevarse. Sin embargo, el haber sobrevivido al desastre fue solo el comienzo de la pesadilla, ya que uno por uno los sobrevivientes empiezan a morir de formas extrañas. Sucede que la muerte no perdona y a venido a reclamar las vidas de quienes no murieron en el fatal accidente aéreo.

A mediados de la década de los 90, Glen Morgan, guionista habitual de la popular serie "Expedientes X", escribió un guión que originalmente iba a estar destinado a ser un capítulo regular de la misma. Por temas presupuestales el episodio jamás se filmó, pero Morgan continuó desarrollando la idea base del mismo con la pretensión de convertirlo en un largometraje. El resultado fue "Destino final", largo dirigido por su compañero y también colaborador de la serie James Wong.

A fines de la década de los 90, el cine de terror adolescente aún vivía una feliz resurrección gracias al éxito de films como "Scream" (1996) o "Sé lo que hicieron el verano pasado" (1998). Sin embargo, y al igual que ocurriese a fines de los 80, este subgénero empezó a sufrir la misma sobreexplotación de ideas; los jóvenes o adolescentes de siempre, perseguidos y masacrados por algún enmascarado de rutina con las mismas cualidades de omnipresencia e indestructibilidad de siempre.

En ese panorama "Destino final" marcó cierta diferencia con respecto a la mayoría de los slashers de su época, diferencia basada en la sustitución del asesino de turno por la presencia invisible de la mismísima Parca que mediante accidentes de toda clase, va recolectando las vidas de quienes antes lograron evadirla.El resultado es comparable a un cruce entre "La profecía" y "Martes 13" que en líneas generales funciona bastante bien durante casi todo su desarrollo, siendo para mi gusto excepcional la media hora inicial, plagada de detalles que le van augurando al protagonista la catástrofe que se avecina, que es realmente prodigiosa y de lo mejor que el cine de terror ha dado en la última década. Una vez que las muertes comienzan a producirse, todo se centra en intentar adivinar de que forma morirá el próximo personaje. Y aunque en este punto hay bastante de la rutina habitual del género, algunos segmentos están realmente logrados al punto de bordear lo antológico -toda la secuencia de hechos que llevan a la muerte de la maestra del protagonista en su propia casa es un buen ejemplo- por lo que el nivel del film se mantiene bastante en alto hasta el final.

"Destino final" es una de las mejores ideas que ha tenido Morgan como guionista en toda su carrera, si no la mejor. Curiosamente, a pesar de haber recaudado más del doble de su costo tras su estreno, no logró convertirse en un producto icónico dentro del género opacado por títulos mucho mas rutinarios como las secuelas de la saga "Scream" y similares. Aún así tuvo el suficiente éxito como para engendrar cuatro secuelas -la última de las cuales se está estrenando este año 2011- pero que apelan demasiado a la truculencia y poco a mejorar la idea base o, cuando menos, a agregarle algún condimento que la renueve aunque sea un poco.

Puntaje: 7/10

"El caníbal de Rotemburgo" (2006) de Martin Weisz

2011-08-29T01:25:00.016-03:00

Como reza el título en castellano, "El caníbal de Rotemburgo" se basa en una historia real acaecida en la ciudad de Rotemburgo, Alemania, a comienzos del año 2001, cuya crudeza e increíbles vericuetos de truculencia la convirtieron en una noticia de primera plana en diarios y noticieros de todo el mundo.
La historia de un tipo que avisa via web que desea terminar su vida siendo devorado por otro, cosa que termina sucediendo, es a priori una noticia que solo por su morbo cualquiera podría pensar que sería material atractivo desde el punto de vista fílmico.

Lamentablemente, el resultado es un producto absolutamente menor, un fallido estudio psicológico sobre la vida y destino de los dos involucrados en el aberrante crimen, que termina aburriendo por la lentitud de su desarrollo embutido en una sumatoria de flashbacks e imagenes pseudo-oníricas que por momentos confunden más de lo que despejan.

El papel de la psicóloga interpetada por Keri Russell, investigando las vidas del asesino y de su víctima en busca de los posibles motivos que los llevó a su bizarro destino, no logra funcionar como el nexo entre el espectador con los hechos reales, ni con las situaciones que tanto el director como el guionista pergeñaron para rellenar los huecos donde las dudas sobre el macabro caso imperan.
Cuesta entender el motivo por el cual el estreno de "El caníbal de Rotemburgo" estuvo prohibido en Alemania y otros países europeos. La truculencia sugerida recién aparece en los 10 minutos finales del relato, pero es muy tibia y no llega a resultar ni tan impactante como el hecho real debió ser ni tampoco logran salvar al film del más profundo de los aburrimientos.
En definitiva, una idea con enorme potencial para ser llevada al cine con verdadero nivel de impacto pero totalmente arruinada por un desarrollo cansino y un climax final que no funciona como debería.

Puntaje: 2/10

"SCREAM 4" (2011) de Wes Craven

2011-08-25T18:54:00.030-03:00

La primera entrega de la saga "Scream" estrenada en 1996, revitalizó el subgénero del terror slasher que muchos creían ya fallecido a fines de los años 80. Fue también el resurgir de Wes Craven como director, que no había tenido un éxito de tal magnitud desde "Pesadilla: En lo profundo de la noche" en 1984.

Las secuelas de 1998 y 2001 respectivamente, repitieron los mismos mecanismos de la primera entrega así como los personajes principales y aunque no tuvieron el mismo nivel de impacto de la primera, al menos resultaron bastante dignas. Lo cierto es que para "Scream 3" la idea base ya se notaba algo desgastada por lo que antes de hacerla sucumbir en forma definitiva con media docena de secuelas más, Craven decidió meterla en el refrigerador y esperar un tiempo prudencial para hacerla volver. Ese tiempo duró algo más de una década, hasta que en este año 2011 la cuarta entrega de la saga dirigida por Craven y escrita por Kevin Williamson -autor del guión de las anteriores- llegó a nuestras pantallas.
En lo personal siempre me consideré un buen seguidor de la trilogía "Scream" por lo que el saber de una cuarta entrega en preparación me generó ciertas expectativas. La cuestión es que, aunque reconozco que hay ciertos chispazos de ingenio propios de las primeras entregas en esta nueva secuela, no es menos cierto que no cumple con todo lo que desde su publicidad previa se prometía.

Para empezar; no hay realmente "nuevas reglas", al no ser que se consideren reglas nuevas el reemplazo de los llamados telefónicos del asesino por mensajes a celulares o posteados en redes sociales o que el asesino enmascarado filme sus asesinatos con la idea de publicarlos en la web, cosa que como motivación para cometer asesinatos me parece de las más pobres de toda la saga. O sea, que dejando de lado el tema de las innovaciones tecnológicas, el guión de "Scream 4" no proporciona algo realmente diferente a lo que ya conocemos.

Volvemos a ver a los protagonistas de siempre -una Neve Campbell ahora adulta y más linda que nunca, una Courtney Cox atractiva pero demasiado colagenada y un David Arquette convertido en comisario y mucho más serio que de costumbre- perseguidos por el Ghostface de siempre en las locaciones de Woodsboro de siempre.
También está el humor autorreferencial al cine de terror del que siempre se ha caracterizado la saga, muy típicos de los guiones de Williamson, al igual que algunos juegos de cine-dentro-del-cine que sirven para despistar al espectador por un rato.

Pero aún con todo "Scream 4" es rutina típica de saga de terror, con casi nulas innovaciones para los seguidores de la serie en lo que respecta a su desarrollo. Una rutina muy bien llevada y totalmente acorde con los parámetros planteados por las entregas anteriores sin dudas, pero que está muy lejos de establecer "reglas nuevas" como promete el póster de la película.

Es un producto que si se es un fan acérrimo de la saga y si no se exige algo realmente novedoso, seguramente no decepcionará. A mí en lo personal me gustó y se me hizo bastante llevadera, lo que no significa que no hubiese preferido alguna variante argumental más jugada y no un climax que, salvando la secuencia de los cinco minutos finales en el hospital, es casi un clónico de los films anteriores.
A pesar de todo y frente a una cartelera anémica de títulos de género potables, "Scream 4" me parece una opción recomendable que merece ser vista sea uno seguidor o no de la serie.

Puntaje: 6/10

"Star 80" (1983) de Bob Fosse

2011-05-28T06:17:00.008-03:00

"Star 80" fue el film despedida del talentoso Bob Fosse, quien dirigiera la mítica "All That Jazz" años antes. La crítica en su momento no trató nada bien su película, teniendole más consideración y respeto por ser el adiós de un talento reconocido que por sus valores cinematográficos en sí.

Sin embargo, el tiempo la ha revalorizado y aunque es probable que si mencionan el nombre de la película a alguien no muy ducho en el tema o el de la mujer en cuya vida se basa -la bella Dorothy Stratten- posiblemente se les quede mirando sin saber de qué rayos le hablan, "Star 80" en un film muy bien llevado y entretenido, más allá de que se conozcan o no los pormenores de la trágica historia real que nos cuenta.

Stratten -interpretada por una Mariel Hemingway prometedora en aquellos días- fue una chica Playboy que tuvo una relativa fama en los EE.UU. de comienzos de los años 80, fama que comenzó con fotos en la mítica revista para hombres pero que luego se extendió a la televisión gracias a apariciones estelares en series populares de la época como "La isla de la Fantasia" o "Buck Rogers" y en algunos productos cinematográficos absolutamente menores como "Galaxina" (1980) que solo pretendían explotar la belleza de su fisonomía. Su carrera al estrellato duró poco: su novio, desequilibrado y victima de unos celos enfermizos -interpretado en el film de forma impresionante por un jovensísimo Eric Roberts que sería nominado al Globo de Oro por su trabajo- acabaría con aquel sueño de fama y fortuna de una forma trágica.

Saber el final de la historia no le quita absolutamente nada al film de Fosse -de hecho, es algo que prácticamente se sabe al poco rato comenzar- ya que la verdadera fuerza del relato está en sus interpretaciones -especialmente y con diferencia en la de Roberts- y en el trabajo de cámara y fotografía de su director.
Dudo que "Star 80" alcance el aura mítica de "All that Jazz" o "Cabaret", los dos films más recordados de la carrera de Fosse, pero sin dudas que fue una despedida más que digna para un grande del cine.

Puntaje: 6/10

"El color de la noche" (Color of night, 1994) de Richard Rush

2011-05-25T22:09:00.014-03:00

Bill Capa (Bruce Willis) es un afamado psiquiatra que cae en una gran depresión tras presenciar el suicidio de uno de sus pacientes en su propio consultorio. Para intentar recuperarse, acepta la invitación de un viejo colega suyo a su casa en Los Ángeles. Una vez allí, su colega le confiesa que sospecha que uno de sus pacientes está intentando asesinarlo, cosa que finalmente sucede. Bill comenzará a tratar a cada uno de los pacientes de su amigo intentando averiguar quien es el asesino y, al mismo tiempo, iniciará una intensa relación con Rose (Jane March) una misteriosa mujer que parece saber mucho más de lo que aparenta.

Si hay un buen motivo por el cual recordar a un film como "El color de la noche" es por el engañoso modo con el cual intentó ofrecerse al público previo a su estreno allá por el lejano año de 1994. Vendido desde su publicidad como un thriller erótico de alto voltaje en la línea de "Bajos instintos"(1992) lo cierto es que lo único que tenía de similar al film de Verhoeven eran sus aspiraciones de calidad, a las cuales jamás llega siquiera a asomarse.

La promesa de ver a un Bruce Willis en cueros íntimos, incluido un desnudo frontal, manteniendo fogosos escarceos sexuales con Jane March, generó unas expectativas que el desarrollo del film en ningún momento colma.

Un guión con más agujeros que un queso Gruyere -los intentos de asesinato a Capa no tienen demasiado sentido y algunos, como el del estacionamiento, resultan exageradamente aparatosos-, una trama tramposa que casi nunca llega a sorprender -sobre todo el final, que si se es medianamente atento se adivina media hora antes- y todo un elenco de talentos totalmente desperdiciados -desde Leslie Ann Warren a Lance Henrikesen- conspiran bastante para que el proyecto, a pesar de tener unos prometedores minutos iniciales, se vaya desbarrancando durante sus larguísimas dos horas y pico de duración hasta su final.

Es probable que Bruce Willis pretendiera con este protagónico apartarse un poco de los habituales papeles de policía heroico en los cuales estaba encasillado desde la exitosa "Duro de matar" (1988). Evidentemente no lo logró -menos de un año después estaría protagonizando la tercera entrega de "Die Hard" y media docena de películas similares- pero como ya contaba con una aceptación pública bastante fuerte, tampoco representó un fallo demasiado grande en su carrera.
Todo lo contrario le ocurrió a su contraparte femenina, la británica Jane March, una joven actriz en alza en su momento gracias a su papel de lolita fatal en "El amante" (1992) de Jean-Jacques Annaud, y cuya participación en este film la terminaría relegando casi exclusivamente a papeles muy similares en los años siguientes.

"El color de la noche" es un producto que promete en lo previo mucho más de lo que termina dando y con el que no es demasiado difícil sentirse aburrido y hasta decepcionado a la mitad del mismo. Su nivel de erotismo es pobre -las escenas de sexo entre Willis y March son más sugeridas que sugerentes y salvando secuencias como la de la piscina, ninguna vale realmente la pena- y el desarrollo de su trama de misterio deja bastante que desear.

Puntaje: 4/10

Rincón de videoclub: "Rabia" (Rabid, 1977) de David Cronenberg

2011-05-19T04:06:00.037-03:00

A mediados de la década de 1980, el nombre de David Cronenberg como director especializado en el género terror comenzó a ser bastante popular gracias al éxito de "La mosca" (The fly, 1986) remake del clásico del mismo nombre de los años 50.
Pero lo cierto era que para ese entonces Cronenberg ya tenía una vasta filmografía de género que se remontaba a mediados de los años 70. "La mosca" fue su trabajo de mayor presupuesto hasta ese entonces y su éxito en cines hizo que muchas editoras aprovecharan el buen tirón comercial del mismo redescubriendo algunos de sus primeros trabajos y lanzándolos al mercado del video hogareño. Uno de ellos fue "Rabia", producción de terror de bajo presupuesto filmada por Cronenberg en su Canadá natal en 1977.

En "Rabid" la desaparecida Marilyn Chambers -por aquel entonces una famosa actriz porno que entraba en el mundo del cine comercial con este título- interpretaba a la blonda Rose, una joven que tras sufrir junto con su novio (Frank Moore) un accidente de carretera es sometida a un nuevo tratamiento experimental que incluye el transplante de piel humana. Todo parece ir bien al comienzo, hasta que por algún motivo, dicho tratamiento comienza generar en ella una incontrolable sed de sangre que la obliga a utilizar una especie de punzón orgánico debajo de su axila con el que aguijonea a sus víctimas, absorbiendo su sangre y transformándolas en criaturas asesinas capaces de transmitir el mal a otros con solo una mordida.

Cualquiera percibe que hay bastante de "La noche de los muertos vivientes" (1968) el clásico de terror zombie de George Romero en todo el asunto, una carga que Cronenberg parece que no estaba demasiado interesado en disimular en ningún momento más allá que el contenido sexual de algunos pasajes de su propuesta -la idea de que una mujer "penetre" a los hombres que pretenden intimar con ella convirtiéndose a sí misma en una especie de mal de transmisión sexual- intenta plantar cierta diferencia.

El problema es que si obviamos su componente sexual, "Rabia" no tiene mucho mayor interés que cualquier otra película de zombis o muertos vivientes que se hayan hecho antes o después. Muchos de sus problemas parten de su guión, que intenta abarcar demasiadas cosas en muy poco tiempo disparándose en cantidad de direcciones y proponiendo cantidad de ideas la mayoría de las cuales no siempre llegan a cuajar. Por ejemplo; en ningún momento queda claro por qué motivo un tratamiento que era básicamente estético produce esa sed de sangre, ni como fue capaz de generar ese aguijón debajo de la axila de la protagonista o si el mismo tiene algún tipo de control sobre su mente. Además, la sensación apocalíptica que debería generar la idea de un contagio masivo capaz de obligar a las autoridades a sitiar completamente una ciudad está muy mal desarrollada y deja la sensación de que todo se reduce a unas pocas situaciones de contagio aisladas.

Supongo que el exiguo presupuesto con el que contó Cronenberg debió tener mucho que ver con todas sus carencias, pero eso no lo exime de no haber pulido mejor muchas de sus ideas, empezando por no querer abarcar tanto en tan poco tiempo -toda el tema de contagio masivo perfectamente pudo haber sido sustituido por un relato sobre la destrucción de la vida de la protagonista tras haber adquirido el mal, por ejemplo-. Además, si la falta de medios fuera una excusa válida, no se explicaría como George Romero una década antes y con muchos menos recursos logró realizar un film similar pero mucho mas convincente.

El otro punto flaco es la elección de los protagónicos. Curiosamente, la primera opción para interpretar a Rose fue Sissy Spacek, actriz en esa época famosa gracias al éxito de otro film de terror; la adaptación de la novela de Stephen King "Carrie", dirigida por Brian De Palma. Sin embargo, los productores no estaban de acuerdo en contratar a una estadounidense para ese papel -supuestamente su "acento" netamente texano no haría creíble a su personaje- por lo que la elección final recayó en Chambers . Chambers era una mujer sensual por naturaleza propia y no hay dudas que desde ese aspecto era la elección ideal para el papel. Pero fuera de los momentos en los que debe seducir a sus víctimas para saciar su sed de sangre, su actuación desde lo dramático resulta realmente floja y nunca convence. Lo mismo se puede decir de su novio, interpretado de muy mala gana por Frank Moore, que parece en todo momento ajeno y poco interesado en todo lo que le sucede a su pareja hasta el momento del desenlace.

"Rabia" es un film muy irregular, al que hay que perdonarle demasiadas cosas para no dejarlo a la mitad de su visionado. Puede tener valor para aquellos interesados en conocer los primeros trabajos de su director dentro del género que le dio fama, pero es un producto intrascedente y completamente defasado aún para su época.

Puntaje: 4/10

"127 horas" (127 hours, 2010) de Danny Boyle

2011-05-05T03:11:00.010-03:00

Aron Raslton, un joven apasionado por el montañismo y las excursiones solitarias a lugares recónditos, decide investigar los desolados parajes del desierto de Utah. Todo va bien hasta que en un mal movimiento cae en una zanja rocosa junto con una enorme roca que termina aprisionando su brazo derecho y que lo mantiene atrapado en ese lugar. Sin posibilidad de liberarse, Aron intenta sobrevivir a la espera de que alguien lo encuentre. Pero los días pasan, su agua y sus alimentos se acaban y ante la desesperación su mente comienza a jugarle trampas que lo irán llevando lentamente al borde de la locura.

Danny Boyle es un director que ha demostrando no tener problemas incursionando en géneros tan diferentes entre sí como el terror con la impactante "Exterminio " (28 days, 2003), con la ciencia ficción en la inmerecidamente denostada "Alerta solar" (Sunshine, 2007) o con el drama en la sobrevalorada "¿Quien quiere ser millonario?" (Slumdog millionaire, 2009).

No quiero decir que la variedad temática de su cine por sí sola convierta a Boyle en algo fuera de lo común, pero si uno ve todo -o al menos la mayoría- de lo que ha hecho, es fácil notar que es un artesano personalísimo en su forma de plantear historias. Y si "127 horas" es un producto que sobresale en comparación con otros dramas de supervivencia es en buena medida por el talento narrativo de Boyle tras la cámara. Solo así es concebible que un film donde James Franco -de muy buena faena- está solo durante casi el 90% de su metraje, sea llevadero y mantenga al público atento a lo que sucede más allá de que bastante de la historia -extraída del libro autobiográfico del propio Ralston, "Between a Rock and a Hard Place"- incluido su final, se sepa a priori.

Hay quienes acusan a la filmografía de Boyle de ser excesivamente videoclipera en su puesta en escena recayendo en una poesía visual -para muchos fallida- basada en el bombardeo de imágenes. Bueno, a quienes piensen eso del trabajo de Boyle y les moleste por ello les recomiendo no ver "127 horas", porque se encontrarán con ese mismo estilo por el que el director británico hace años ha apostado a la hora de narrar historias.

A mi modo de ver, en el caso de "127 horas" esa aplicación de estilo funciona de maravilla por el hecho de que todo el peso de su desarrollo recae en los hombros de un solo actor interpretando un personaje en una situación límite, que totalmente aislado y en la más completa soledad busca mantener desesperadamente la cordura recurriendo a sus recuerdos más íntimos y a su profunda imaginación en aras de sostener la esperanza.
Este tour de force de supervivencia tendrá su clímax de salida en la secuencia más comentada de la película debido a su truculencia -que a mi modo de ver tampoco es tanta- pero que la mala prensa ha hecho sopesar más a la hora de vender el film que el interés intrínseco por su trama.

Sin intenciones de caer en el tema estéril sobre los merecimientos o no a los premios a los cuales estuvo nominada, creo que el trabajo de Boyle es estupendo, mucho mejor que el de la sobrevalorada "Slumdog millonaire" film que sin ser malo, lo considero de lo más flojito de su carrera.

"127 horas" no es un film perfecto y posiblemente sea de los trabajos menos ambiciosos de su director. Aún así lo que narra está bien contado, su fotografía y su música son excelentes, y aunque de a ratos pueda divagarse un poco intentando trasladar la sensación de aislamiento de su protagonista al espectador de una forma que por momentos puede resultar pretensiosa, estamos ante un producto muy valorable y bien llevado por lo que me parece netamente recomendable.

Puntaje: 7/10

"Stargate: Puerta a las estrellas" (1994) de Roland Emmerich

2011-04-16T02:09:00.032-03:00

El arqueólogo Samuel Jackson (James Spader) es reclutado por el ejército estadounidense para descifrar unos misteriosos símbolos inscriptos en un extraño artefacto de miles de años de antigüedad. Al descifrarlos activa el artefacto, que resulta ser un portal diseñado por extraterrestres que permite el viaje instantáneo a lugares distantes del universo. Para investigar su procedencia, Jackson se une a un grupo de comandos liderados por el coronel Jack O´Neil (Kurt Russell) y juntos son enviados a un planeta distante fuera de nuestra galaxia, un mundo regido por un cruel ser alienigena y su séquito de guerreros que mantienen esclava a su población.

"Stargate" fue el segundo film del alemán Roland Emmerich en Hollywood tras la exitosa "Soldado universal" (1992). Originalmente pensada para ser la primera entrega de una nueva saga de ciencia ficción -una tendencia que cobraría fuerza particularmente en este género en los años siguientes- "Stargate" fue la confirmación de Emmerich como un nuevo valor dentro del cine fantástico, algo de lo que ya había dado señas en su país de origen con títulos como "Joey" (1988) o "Moon 44" (1991). Aunque tanto Emmerich como su habitual socio, el productor Dean Devlin, abandonaron el proyecto original de crear una trilogía, la buena aceptación por parte del público del film hizo que la idea base sirviera para la realización de una serie de televisión unos años más tarde.
La historia de "Stargate" en sí misma no pasa de ser una aventura típica de matineé que combina elementos de varias fuentes; las teorías de Von Daniken sobre la visita de alienigenas al antiguo Egipto con algo de aventuras en la onda de producciones como "Las minas del rey Salomón" o similares. El producto resultante es digno y funciona bien durante la mayor parte de su metraje, lo que no significa que algunas cosas pudieron y debieron mejorarse. Para empezar, la desacertada elección de casting que representa Jaye Davidson interpretando al villano extraterrestre de la historia. Davidson había tenido cierta repercusión mediática en su momento al interpretar el papel de la travesti Sil en la muy valorable "El juego de las lágrimas" (1992). Aunque cabe suponer que esa repercusión fue la motivante para que Emmerich lo eligiera para ese papel, lo cierto es que uno al verlo no puede dejar de pensar que había mucho mejores opciones para interpretarlo. Davidson jamás está a la altura de la amenaza que su papel debería representar. Sencillamente luce demasiado amanerado, falto de fuerza y poco creíble. Tampoco la forma e ideas de la historia son algo brillante o novedoso, mucho menos para el aficionado promedio a la ciencia ficción. Emmerich nunca ha sido un director demasiado interesado en realizar cine innovador más allá de las cuestiones meramente técnicas, sino que más bien se ha especializado en modernizar ideas antiguas reciclándolas, como hizo con las invasiones espaciales de los años 50 en "Dia de la Independencia" (1996) o con el cine catástrofe de los años 70 en "El día después de mañana" y "2012". Se puede decir que "Stargate" es su forma de actualizar el tema de los viajes espaciales y los encuentros con culturas galácticas, algo así como su Star Trek particular por decirlo de alguna manera.

Aún así deja la sensación de que toda la historia daba para mucho más, que las secuencias de acción debieron ser más numerosas y más trabajadas, que los enemigos a enfrentar -un puñado de tipos disfrazados de deides egipcias armados con pistolas de rayos- debieron tener mayor porte como tales y que, de paso, se pudo haber disminuido un poco el tufillo patriotero de algunos segmentos -cosas como la admiración de los niños alienigenas hacia el soldado interpretado por Russell y a toda la parafernalia militar, incluida una veña en el final, por ejemplo-.

Como puntos fuertes hay que mencionar la buena factura de sus efectos especiales, algo que no resulta nada raro viniendo de un producto de Roland Emmerich, y la excelente partitura compuesta por David Arnold que le da mucho mayor contundencia a la historia de la que realmente tiene.

"Stargate" no es un film aburrido pero si rutinario. Su buena factura técnica general y algunos pasajes puntuales, en especial toda la parte inicial dedicada al descubrimiento de la puerta así como las secuencias de acción finales, la convierten en un entretenimiento cuando menos llevadero. La serie televisiva a la que daría origen en 1997 (Stargate: SG1) tomaría muchas de las ideas originalmente pensadas para las secuelas cinematográficas y mejoraría exponencialmente la idea madre del film de Emmerich convirtiéndose en un producto notoriamente superior.

Puntaje: 6/10

Falleció Elizabeth Taylor, icono de una era del cine.

2011-03-24T13:05:00.023-03:00

El pasado día 23 de marzo nos dejó Liz Taylor, una de las mujeres más bellas de la historia del cine mundial. Nacida en Londres en 1932, viajó apenas iniciada la Segunda Guerra Mundial a los Estados Unidos junto con sus padres, lugar donde desde muy joven quedaron claras sus aptitudes para la actuación. El idilio de sus ojos violáceos con las cámaras no se hizo esperar convirtiéndose en una niña prodigio del cine en muy corto tiempo. De protagonizar junto a la perra Lassie un par de sus aventuras ("La cadena invisible" y "El coraje de Lassie" de 1944 y 1946 respectivamente) junto a algunos títulos menores como la adaptación de "Mujercitas" de 1949, saltó a papeles de mucha mayor exigencia y compromiso, esfuerzo que la llevaron a obtener sendos premios Oscar por sus interpretaciones en los dramas "Una mujer marcada" (1960) y muy especialmente por "¿Quien le teme a Virginia Wolf?" (1966) considerado el mejor trabajo de su carrera. Inolvidable también fue su protagónico en la malograda "Cleopatra" (1963), film que resultó un desastre financiero para los estudios Fox y que hoy es más recordado por la esplendorosa belleza de Taylor en su interpretación de la reina del Nilo que por la majestuosidad de su multimillonaria reconstrucción de época. En este film compartió cartel con el no menos legendario Richard Burton, actor británico del que se enamoraría durante su rodaje y con quien iniciaría uno de los mas largos y tórridos romances de la historia del cine que terminaría en dos frustrados matrimonios.

Para fines de la década de 1960 su fama artística sería eclipsada por las noticias referidas a su vida personal, plagada de tormentosos romances y separaciones así como de rumores -luego confirmados por ella misma- de abuso de alcohol y calmantes que comenzaron a minar seriamente su salud. Aunque sus papeles en la pantalla grande fueron escasos en sus últimas décadas de vida, tuvo algunas participaciones importantes en numerosos productos televisivos de las décadas de los 80 y 90. Sin embargo desde mediados de la década pasada su salud se volvió extremadamente frágil debiendo ser asistida numerosas veces en hospitales, al punto de pasar sus últimos cinco años de vida en una silla de ruedas.

Falleció a lo 79 años, rodeada de sus amigos y familia en el hospital Cedar Sinaí de Beverly Hills, donde permanecía internada desde febrero pasado debido a problemas cardíacos severos. Con su partida, muere también un icono representativo de una generación de actores que convirtió a Hollywood en la gran fábrica de sueños que aún es.

"La casa muda" (2010) de Gustavo Hernández

2011-03-13T20:29:00.029-03:00

"La casa muda" está inspirada -no basada- en un hecho de sangre real ocurrido en 1944 en el departamento de Tacuarembó, Uruguay. Según las crónicas policiales de la época, dos cuerpos mutilados fueron encontrados en una vieja casa de campo junto con un puñado de fotografías bastante perturbadoras. El misterio de todo lo concerniente al caso y la falta de resolución del mismo sirvieron de punto de partida para el guión de la película.

Una joven y su padre llegan a una casa en medio de la campiña con la finalidad de reconstruirla y hacerla más habitable para su dueño. Deciden entonces quedarse a pasar la noche para empezar los trabajos al otro día. Sin embargo, el sueño de la chica se ve perturbado por unos extraños sonidos que le hacen sospechar que no están solos en ese lugar.

"La casa muda" es una rareza dentro la filmografía uruguaya por varios motivos. El primero, y quizás el principal, es el género al cual pertenece. El terror no ha sido demasiado transitado por el cine nacional, salvando quizás algunas producciones del ya mítico Ricardo Islas de fines de los años 80 y comienzos de los 90 hechas con mas talento que medios y con una repercusión mediática prácticamente nula. El otro motivo que hace de "La casa muda" algo excepcional es la forma en la que fue filmada; un largo plano secuencia de casi 80 minutos realizado con una cámara fotográfica digital -una Canon 5D para ser más exactos-. Ciertamente no hay muchas películas en el mundo que se hayan realizado con este método -la única que me viene a la mente en este momento es la aburrida "El arca rusa" (2003)- y menos aún de género terrorífico, por lo que es lógico que buena parte de su promoción en el exterior se base en ese aspecto exclusivamente técnico.

El problema del film de Gustavo Hernández es que si obviamos los detalles ya mencionados, "La casa muda" no tiene mucho más que ofrecer de nuevo . La historia y la forma de ser contada resultan, en la mayoría de sus aspectos, bastante rutinarias. Tenemos aquí una casa en medio del bosque con una historia misteriosa de fondo y un personaje central al que la cámara acompaña en todo momento, que recorre el inmueble de arriba a abajo en un sin fin de idas y venidas durante casi toda la película intentando escapar de un asesino cuya identidad nos es ocultada hasta el final. Pero ese final reserva una vuelta de tuerca demasiado tramposa al punto tal que, lejos de sorprender, luce bastante traída de los pelos y no cierra demasiado bien con todo lo planteado hasta ese momento. En el ínterin, hay algunos sustos más resultones que efectivos, casi todos basados en golpes de sonido, pero que resultan demasiado breves y espaciados entre sí para la cantidad de tiempos muertos que hay que soportar entre ellos.

Como dije hace ya unos cuantos meses al saber de la producción de esta película, siempre es grato que el cine uruguayo apueste por temáticas que evadan los temas políticos, sociales o costumbristas a los cuales ha estado atado en los últimos veinte años por otras de pura evasión o fantasía. "La casa muda" intenta llenar a su modo ese espacio vacío en nuestra incipiente filmografía pero apostando a venderse más por sus aspectos técnicos que por su capacidad de sobresalto, una capacidad que está terriblemente limitada por la precariedad de su historia. Como experimento fílmico es indudable que tiene su valor y ojalá sea el punto de partida para producciones de género mejores. Pero su predecibilidad y falta de ritmo la hacen poco recomendable para la mayoría de los aficionados al terror, que verán en su argumento algo demasiado visto y hasta aburrido.

Puntaje: 5/10

"Desconocido" (Unknow, 2010) de Jaume Collet-Serra

2011-03-06T14:50:00.020-02:00

Martin Harris (Liam Neeson) es un afamado científico que llega junto a su esposa a Berlín para asistir a una importante conferencia de ciencias. Pero tras una accidente automovilístico, Harris queda en coma durante varios días. Al despertar, descubre que todo lo que recuerda de su vida parece ser falso; ni su esposa ni sus colegas lo reconocen y otro hombre ha ocupado su lugar. Harris empieza a investigar sobre su pasado, convencido de que todo lo que le sucede es parte de una conspiración contra él a pesar de no tener ninguna prueba de ello y del riesgo de que caer en la más profunda locura.

Liam Neeson vuelve a interpretar a un hombre desesperado en busca de la verdad, como ya lo hiciera hace unos años en la muy entretenida "Búsqueda implacable" (Taken). Evidentemente, su gran rendimiento como héroe de acción en aquel film lo convirtió en la opción más lógica para protagonizar "Desconocido" la última película dirigida por el español Jaume Collet-Serra ("La huérfana", 2007)

La mención de "Búsqueda implacable" resulta inevitable ya que además del mismo actor en el protagónico ambas comparten tramas similares desarrolladas en territorio europeo. La principal diferencia es el elemento de thriller sicológico que Serra combina hábilmente con la acción más desenfrenada en la que no faltan persecusiones automovilísticas, peleas a puño limpio y algún que otro tiroteo.
La otra diferencia, aunque menor, es el personaje que encarna Neeson, que en este caso es menos violento y expeditivo que el ex-agente de la CIA que interpretaba en "Taken".

Aunque no haya nada demasiado original en la historia la misma se desarrolla dinámicamente, manteniendo el interés del espectador casi hasta el final mismo, interés que solo se quiebra un poco cuando el guión mete un giro inesperado muy en el tono de las novelas cienciaficcionescas de Phillip K. Dick -aunque sin vueltas existencialistas- que explica medianamente bien el misterio propuesto aunque sin lograr atar por completo todos los cabos sueltos. Aún así la conclusión tiene su impacto, es aceptable y agradará a la mayoría de los espectadores aficionados a este tipo de tramas.

En el terreno de las actuaciones, la rudeza e impronta de Neeson como protagonista destaca con creces sobre el resto de un reparto integrado en buena medida por actores alemanes conocidos, entre ellos Bruno Ganz, inolvidable por su interpretación de un decadente Adolf Hitler en la excelente "La caída" (2006) y la rubia Diane Kruger, ya completamente amoldada a la idea de ser una hermosa secundaria.

"Desconocido" es un film que no innova mucho con respecto a otros thrillers de acción similares. A mi modo de ver y a pesar de sus muchos puntos en común, no es mejor que "Búsqueda implacable". Con todo, su ejecución está lo suficientemente lograda como para destacar por encima de otros productos del género recientes, convirtiéndose en uno de los mejores estrenos de su tipo en lo que va del año.

Puntaje: 6/10

Piraña 3D (Piranha 3D, 2010) de Alexandre Aja

2011-02-18T02:26:00.024-02:00

Una serie de temblores en el fondo de un lago de Arizona, ha liberado unos monstruosos peces prehistóricos capaces de devorar a un ser humano en cuestión de segundos. Pronto ese lago será visitado por unos 50.000 jóvenes ansiosos por divertirse en sus vacaciones de primavera. Solo un grupo de extraños está al tanto de la mortal amenaza y deberán unir sus fuerzas para sobrevivir a estas criaturas y detenerlas.

La versión original de "Piraña" dirigida por Joe Dante en 1978, fue un efectivo vehículo de terror en su época que explotaba a su manera el filón de los miedos submarinos descubierto por Steven Spielberg unos años antes en su mítica “Tiburón”.

El director francés Alexandre Aja, un consumado especialista en el cine de terror y admirador del film original de Dante, tenía desde hace años la idea de rehacerlo a su modo , o lo que es lo mismo, con la truculencia habitual de su forma de hacer cine de género. Aja entró de buena manera al mercado hollywoodense en el año 2006 gracias a su interesante reversionado de "El despertar del diablo" (The hills have eyes) un clásico del terror que dirigiera Wes Craven en 1977 y con la no tan interesante pero si aceptable "Espejos siniestros" (Mirrors, 2009).

Aunque no siempre un buen pie de entrada augura un buen futuro dentro del competitivo mercado del cine de terror norteamericano, lo cierto es que esta nueva remake de Aja supera con creces no solo a sus trabajos anteriores, sino también al promedio de remakes del género que han pululado en los últimos años.

La versión de 1978, si bien era potable para su momento, adolecía de severos problemas de ritmo así como de una evidente pobreza en el acabado de sus efectos visuales producto del acotado presupuesto con el que Dante contaba en su momento. Era, por tanto, un producto mejorable en muchos sentidos.

Los cambios argumentales con respecto al original están relacionados sobre todo al origen de los bichos asesinos -antes productos de un experimento militar fallido, ahora prehistóricos- y a cierto tono paródico inexistente en la versión del 78, cambios que no afectan demasiado el desarrollo de una trama que en sus primeros cuarenta minutos son solo rutina de presentación típica de este tipo de películas, con un par de muertes repartidas por ahí para ir generando clima y a modo de preámbulo de lo que vendrá. Pasado ese tiempo Aja se despacha de lo lindo con secuencias de su más pura faena, en un festín de terror que tiene de todo; humor negro, desnudos femeninos varios-algunos a cuento, otros no tanto-, muertes de exagerada truculencia y sangre, muchísima sangre. El resultado es un producto de terror sumamente entretenido y muy bien filmado, no apto para estómagos débiles, que desde la mitad hasta su climax final no quita el pie del acelerador en ningún momento.
Sorprende ver en el protagónico a la blonda Elisabeth Shue, nominada a un Oscar a mediados de la década de 1990 y desde hace tiempo metida de lleno en el mundo de producciones de clase B como esta. Cabe mencionar también algún que otro homenaje metido por ahí, como el cameo de Richard Dreyfuss rememorando su papel de Boyd en "Tiburón" y un Christopher Lloyd -algo maltratado por los años pero igual de eficiente- en otro papel de científico investigador, aunque menos frenético que el que le vimos en la inolvidable trilogía de "Volver al futuro".

En cuanto al tema del 3D, solo puedo decir que no tiene mayor incidencia en la calidad de lo que se muestra. Las escenas pensadas para explotar esta tecnología son mas bien pocas y el efecto no está del todo bien conseguido, por lo que me inclino a pensar -una vez más- que sigue utilizándose como un reclamo extra para vender mejor la película. Al menos en este caso el nivel del producto lo hace por si solo potable, sin necesidad de efectos tridimensionales.

En resumidas cuentas, "Piraña 3D" logra todo lo que se propone; mejora con creces al original y funciona de maravilla como un entretenimiento de terror pasajero y sin complicaciones, convirtiéndose es una de las pocas remakes de los últimos tiempos a la que no se le puede acusar de innecesaria.

Puntaje: 6/10

"La reunión del Diablo" (Devil, 2010) de John Erick Dowdle

2011-01-21T02:29:00.032-02:00

En un moderno rascacielos de la ciudad de Filadelfia cinco desconocidos quedan atrapados en uno de sus ascensores. Sin explicación alguna, uno por uno van siendo asesinados. En el exterior, un detective de la policía que investiga un misterioso suicidio cercano al edificio, monitoriza por medio de una cámara de video todo lo que sucede en el elevador tratando de encontrar una explicación racional a lo que está pasando. Pronto descubrirá que una siniestra fuerza sobrenatural está involucrada en todas esas muertes ya que una de esas cinco personas es el mismísimo Satanás.

El nombre de M. Night Shyamalan como autor intelectual de este film de ribetes terroríficos podría ser uno de los principales motivos para evitar verlo teniendo en cuenta los pésimos resultados de sus últimas obras, en especial la aburrida "La dama del agua" y la pretenciosa "El último Maestro del Aire".
De todas formas, es meritoria la persistencia del director indio por tratar de salir del pozo en el que él mismo se metió. Y aunque tengo dudas de que "La reunión del Diablo" lo haga salir definitivamente de ese pozo lo cierto es que funciona bastante mejor que sus películas anteriores.
En este caso Shyamalan pasa la batuta directriz a John Erick Dowdle, director de "Quarantine" la remake hollywoodense de la española "REC", para encargarse exclusivamente de la historia original. En base a dicha historia, el guionista Brian Nelson creó un guión cinematográfico que pretende ser el principio de una nueva trilogía de terror a la que Shaymalan ha titulado "Las crónicas nocturnas".

El resultado es un film de terror sobrenatural visualmente intachable y medianamente resultón, pero que carece de elementos suficientes para producir auténtica sorpresa en el espectador debido a que buena parte de su premisa ya viene enunciada en sus trailers promocionales. También conspira en ese aspecto la persistente voz en off que desde los primeros minutos de proyección revela buena parte del transfondo sobrenatural de lo que veremos en los minutos siguientes. Así, la única verdadera intriga para el espectador se centra en averiguar quien de los cinco ocupantes de ese elevador es la maldad encarnada.

La sensación de claustrofobia, elemento de capital importancia si tenemos en cuenta que el grueso de la trama se desarrolla dentro de un ascensor, tampoco está demasiado conseguida debido a los contínuos saltos que hace el guión a hechos que suceden en el exterior y a la enorme cantidad de personajes que allí aparecen, algunos realmente innecesarios y otros muy pobremente planteados con especial mención al guardia de seguridad latino, un estereotipo que de forma poco creíble se percata casi desde el comienzo de la sobrenaturalidad de lo que allí está sucediendo gracias a su conocimiento de una leyenda* que, muy casualmente, su madre le contaba de niño.

El cierre de la historia pretende funcionar como una moraleja relacionada a la recuperación de la fe humana como forma de vencer al mal, una inquietud bastante frecuentada por Shyamalan en sus historias y que emparenta la resolución de la película con la de episodios de series televisivas como "La Dimensión Desconocida" u otras similares. La efectividad o no de ese mensaje moralizante dependerá en buena medida del nivel de compenetración que haya tenido el espectador con la trama hasta ese momento.

"La reunión del Diablo" es un film de terror que se queda en un mero pasatiempo que pudo haber sido mucho mejor de no hacer tan evidente desde el comienzo el misterio central de su trama y de haber trabajado mejor la atmósfera de suspenso de la misma. Como primer episodio de una trilogía se puede decir que es aceptable, pero si Shyamalan pretende seguir adelante y tener éxito con ella sería aconsejable que piense en mejorar la calidad argumental de sus futuras entregas.

Puntaje: 5/10

(*) Hablando de leyendas; en el dvd de la película se incluye entre sus extras un documental en el que un supuesto experto en mitos sobrenaturales asegura que esa leyenda es muy popular en América Latina. Es una lástima que no aclare en que lugar de nuestro continente es tan "popular" una leyenda sobre personas atrapadas que vienen a ser asesinadas por el Diablo, porque les aseguro que siendo sudamericano jamás escuché de ella en mi vida. Me pareció una generalización ridícula de un mito extraído de alguna que otra región del continente con el único objeto de darle un sustento más real a la historia que narra la película, cosa que a mi modo de ver no le funciona demasiado bien.

"Relámpago Azul" (Blue Thunder,1983) de John Badham

2010-12-27T04:46:00.018-02:00

A comienzos de la década de 1980, el director John Badham vivía una racha de éxito. Sus películas de aquel entonces, sin ser en absoluto obras maestras, tenían un gran atractivo para el público en general por lo que resultaban bastante efectivas en taquillas. Posiblemente parte de esa rentabilidad se debiera a que sus films aunaban con bastante habilidad el concepto de cine-entretenimiento con algún mensaje o contenido referido a las realidades políticas y tecnológicas del momento. Ejemplos de ello fueron "Juegos de guerra" (Wargames, 1983) y "Cortocircuito" (Shortcircuit, 1985) dos películas que reflejaban su interés por los temas referidos a la aplicación de las innovaciones tecnologicas con propósitos militares.

Sin embargo entre esos dos títulos Badham dirigió "Relámpago Azul" film que al igual que los ya mencionados introducía elementos hi-tech de la época pero combinandolos con una trama policial que, si bien no era de lo más original, resultaba lo suficientemente atractivo como para enganchar al espectador.

En "Relámpago Azul" el gran Roy Scheider encarnaba al piloto de helicóptero de la policía Frank Murphy, que investigando la muerte de una conocida personalidad de la justicia de Los Ángeles descubre una conspiración política para obligar al gobierno a utilizar tecnología bélica en el combate contra el crimen en grandes ciudades. La clave de esa conspiración es el Relámpago Azul, un poderoso helicóptero blindado armado con un cañón ametrallador giratorio de alto poder, visión nocturna infrarroja, micrófonos capaces de escuchar conversaciones a kilómetros de distancia y toda una gama de gadgets enormemente avanzados para su época. Cuando Murphy descubre que los conspiradores planean utilizar el helicóptero con fines corruptos, decide robarlo para ganar tiempo y poder llevar ante la justicia las pruebas de su investigación. Pronto se ve perseguido tanto por sus propios compañeros de la policía así como por los mismos conspiradores.

Ni Badham ni el guionista Dan O´Bannon, recordado por su labor en el script original de "Alien: El octavo pasajero"(1979), tuvieron demasiados reparos en anotarse en la corriente de vehículos de alta tecnológica que en aquellos años comenzaban a invadir las pantallas gracias al éxito de películas como "Firefox" (1982) y series televisivas como "El auto fantástico" (Knight rider, 1983). Sin embargo, "Blue Thunder" resultó ser uno de los productos más serios y mejor encarados de su época. No hay excesos ni fantasías tales como computadoras parlanchinas ni armas activadas con la mente, respetando así ciertos márgenes de credibilidad ya establecidos al comienzo del film por un aviso en pantalla que explica que toda la tecnología que se ve a lo largo del relato ya estaba totalmente disponible en la época, cosa que es cierta.
Uno de los puntos fuertes de "Relámpago Azul" además de sus estupendas secuencias de acción aérea, radica en que a pesar de ser la máquina bélica del título la verdadera protagonista, la trama no se resiente en los momentos en que el arrasador helicóptero no aparece. De hecho recién hace su aparición a la mitad del relato, pero para ese entonces la trama ya tiene el suficiente gancho para mantener prendido a cualquier aficionado el cine de acción. Todo un mérito para la labor de Badham como director que supo mantener el ritmo del relato a pesar de que el guión de O´Bannon no sea de los más originales ni inspirados que le haya tocado escribir y al impactante duelo actoral entre Scheider y el villano de la historia -el casi siempre sobrio Malcom McDowell- que sube muchos enteros el valor del film.

Curiosamente, a pesar de que "Blue Thunder" estuvo siempre concebido como un film de acción, originalmente tenía bastante menos de la que se terminó viendo en pantalla. El primer guión escrito por el veterano Don Jakoby dedicaba buena parte de su tiempo a establecer una denuncia política claramente antimilitarista dirigida a la administración del presidente Ronald Reagan, quien por ese entonces sostenía la necesidad de un desarrollo exhaustivo de la tecnología militar que mantuviera a los Estados Unidos punteros en la carrera armamentista con la Unión Soviética. Los productores de la película no estuvieron muy de acuerdo con ese punto de vista al que consideraron demasiado reaccionario, por lo que le encargaron a O´Bannon que reescribiera buena parte de lo hecho por Jakoby. El resultado, sin ser algo exageradamente original, fue un argumento que equilibra cierto enfoque crítico sobre algunas políticas norteamericanas de la época referidas a la seguridad pública con la acción más vertiginosa, acción que ocupa casi totalmente la hora final de película. En éste último aspecto merece una mención especial la batalla final sobre la ciudad de Los Ángeles, una cacería aérea entre helicópteros trepidante e impecablemente filmada. Hoy en día y gracias a los consabidos efectos digitales mediante, escenas de acción de este tipo no serían demasiado difíciles de igualar. Pero estamos hablando de un producto filmado a comienzos de la década de 1980 y cualquier secuencia de ese tipo requería de un enorme trabajo de maquetería así como de filmación de acción real, lo que hace que sea todo un logro para su momento y un verdadero gozo de visionar casi treinta años después de realizada.

"Relámpago Azul" es un film altamente recomendable para cualquiera que disfrute del buen cine de acción. Es uno de esos productos que marcaron época, un claro exponente de ese cine ochentero que fue un patrón a seguir dentro de su género. Su éxito propició la producción de un serie televisiva de muy corta duración -apenas 11 episodios- protagonizada por James Farentino en la que el poderoso helicóptero combatía a algún enemigo aéreo nuevo al final de cada capítulo. Aún así resultó un producto demasiado rutinario, carente del atractivo que el film original tenía.

Puntaje: 7/10

"El último Maestro del Aire" (The last airbender, 2010) de M.Night Shyamalan

2010-12-22T03:42:00.031-02:00

En un mundo dividido en cuatro grandes naciones que se disputan el control, una pareja de hermanos encuentra en medio del hielo a un chico que ha permanecido congelado durante un siglo. El mismo resulta ser el avatar Aang, el único ser con el poder de comunicarse con el mundo de los espíritus, controlar los cuatro elementos y capaz de mantener el equilibrio del poder en el planeta. Al saber de su reaparición, la poderosa Nación del Fuego se propone capturarlo para controlar de forma definitiva al resto de las naciones.

Admito que no conozco mucho de "Avatar: La leyenda de Aang", la serie animada de Nickelodeon en la cual se basa "El último Maestro del Aire" por lo que me es imposible evaluar aquí el contenido de la película en función de la mucha o poca fidelidad que pueda tener con el producto televisivo. De hecho, es probable que el no saber mucho de la temática de la serie haya incidido, al menos en mi caso, en que tuviera una visión bastante imparcial del film de Shyamalan y que por ello que no me pareciera tan malo como a muchos -sobre todo a fanáticos del dibujo animado- al punto de mandarlo a la quema sin muchos miramientos.

Ciertamente, no es una película memorable en ningún sentido, pero no me pareció un film detestable ni que merezca el repudio que ha recibido de la crítica y del público en general. Su principal defecto, a mi modo de ver, es que como suele suceder con casi toda adaptación de un seriado televisivo al formato cinematográfico sus esfuerzos por condensar en dos horas lo que cualquier serie tarda meses en plasmar son insuficientes. Si bien al comienzo un título nos avisa que éste es el primer capítulo de lo que será una saga de películas, lo que hace que uno ya de por sentado que muchas ideas serán mejor desarrolladas a lo largo de los capítulos venideros, no sirve de excusa para que todo resulte tan esquemático y con tan poco esmero en el desarrollo de las ideas principales de la trama quedándose en lo más básico de lo que debió ser en aras de economizar tiempo de metraje.

Esto es particularmente visible a la hora de definir a los personajes centrales -sobre todo la pareja de hermanos y el mismo Aang (Noah Ringer)- que parecen escritos a las apuradas; sus decisiones y sus diálogos son de una simpleza que bordean lo infantil. Hay poca o nula introspección en los sentimientos y conflictos internos de Aang al saberse un ser tan poderoso sobre quien recae una responsabilidad tan grande como es la de utilizar sus poderes para mantener el equilibrio entre las naciones, detalle que según tengo entendido es piedra angular del seriado televisivo.

Lo mismo sucede a la hora de encarar a los villanos -los miembros de la Nación del Fuego- que resultan soberanamente arquetípicos. Sus maléficas motivaciones de dominación mundial son tan explícitamente básicas que no es para nada difícil emparentarlos con los villanos más infantiles de las películas de Disney. El guión dedica algunas secuencias a exponer algunas rivalidades personales entre ellos -el enfrentamiento del príncipe con su codicioso tío, el desprecio de su padre ante su fracaso en batalla, etc.- intentando establecer un tejido dramático que le dé algo más de dimensión de la que tienen, pero no se toma siquiera un minuto en explicar de que manera atrapar al avatar les ayudará a controlar al resto de las naciones.

Toda esta exagerada economía de la que hace abuso el guión de Shyamalan al desarrollar a sus personajes es a duras penas compensada por las secuencias de acción, que si bien resultan numerosas y en general bastante estéticas, no son nada del otro jueves. La más llamativa a mi gusto es la batalla final, que me resultó bastante espectacular mostrando de buena manera la maquinaria de guerra de la Nación del Fuego en acción en un alarde de efectos CGI destacable. De todas formas, llega tarde como para colmar todas las expectativas generadas por el resto de la trama.

Hay demasiados tiempos muertos y diálogos inútiles así como contenidos metafísicos incongruentes o mal explicados -lo de la muerte del pez que forma el "Yin Yang" y su devastador resultado, por ejemplo, que tal como está propuesto resulta algo ridículo- que hacen que la trama vaya perdiendo interés y fuerza al punto de desear que pase rápido o que llegue pronto la próxima secuencia de acción que revitalice un poco la cosa.

Aún así, con mas defectos que virtudes, debo insisitir en que no me pareció un desastre total. Me esperaba algo mucho peor. Sigue siendo una lástima que Shyamalan no levante la puntería con lo que elige llevar a la pantalla. Con "El último Maestro del Aire" parece haberse querido anotar en ésta desgastante moda hollywoodense de hacer sagas épicas de varias películas de duración. No sé si el relativo fracaso en taquillas de ésta primera entrega de la serie afecte negativamente su intención de seguir adelante con la misma, pero es indudable que tendrá que hacer un mucho mejor trabajo en la siguiente entrega si pretende vivir de ella los próximos años.

"La dama del agua" (2007), aquel soporífero cuento infantil escrito y dirigido también por Shyamalan que resultó un verdadero -y merecido- fracaso, representó un quiebre y un paso atrás en su carrera que hizo que más de uno nos preguntáramos a donde había ido a parar la calidad de sus primeras películas. "The last Airbender" me parece un producto bastante más potable que "La dama del agua" pero aún así está muy lejos de lo mejor que le hemos visto como guionista y director.

Puntaje: 4/10

"Los indestructibles" (The expendables, 2010) de Sylvester Stallone

2010-11-30T02:44:00.028-02:00

Creo que está más que claro desde hace unos cuantos años que las capacidades como comerciante de Sylvester Stallone han excedido desde siempre con creces las artísticas. Aunque su olfato empresarial no siempre le ha dado buenos resultados -recordar sus penosas incursiones en el terreno de la comedia con cosas como "Oscar" (1990) o "Para, o mi mamá dispara" (1992)- lo cierto es que cuando se trata de cine de acción puro por lo general siempre ha sabido con qué volver al terreno del éxito.

Ejemplo de ello fue su última entrega de la saga Rambo, escrita y dirigida por él mismo, que representó un dignísimo regreso con gloria al tipo de cine que le dió a Sly la fama que aún tiene.
Supongo que con "Los indestructibles" intentó hacer lo mismo aunque con un perfil diferente; empaquetar aquella vieja gloria de los años 80 y 90 en un envoltorio adornado por algunos de los nombres más conocidos del género acción de las dos últimas décadas.
El resultado se puede decir que es aceptable, aunque por las expectativas generadas tras casi un año de promesas, a mi modo de ver debió haber sido otra cosa.

No quiero decir que "Los indestructibles" sea una mala película, pero adolece de un ritmo bastante rutinario. No hay en su historia nada que siquiera mejore un poco todo lo que hemos visto en el género en los últimos años.
El guión, co-escrito por el propio Stallone, intenta apostar al encuentro de todas las caras conocidas de su elenco como su principal atractivo pero al precio de olvidar casi por completo darle algo de dimensión a los personajes que interpretan. Lo mismo sucede con la calidad de la historia en sí, que no es más que un rejunte de ideas y situaciones sacadas de una docena de películas parecidas. Así, volvemos a tener otro país sudamericano con una capital que se parece a un pueblito mexicano, gobernado por un dictador tercermundista al que los héroes de siempre, en este caso Sly y su equipo de mercenarios, deben derrocar.
Y eso es todo. No hay diálogos demasiado brillantes, ni personajes demasiado atractivos, ni secuencias de acción desbordantes de aquella ilógica tan popular que le dió al cine de género ochentero su particular carisma.
Para peor, a excepción de Stallone y Statham que son los verdaderos protagonistas, el resto del elenco se reparte entre cameos y papeles que se asemejan a apariciones especiales . Schwarzenegger está cinco minutos en pantalla y Bruce Willis como mucho seis. Mickey Rourke se despacha un monólogo a la mitad de la película que viene siendo lo más valioso de toda su participación y Jet Li tiene un par de secuencias de pelea -una de ellas contra un Dolph Lundgren que tampoco aparece mucho- y poco más. El resto del reparto -a excepción de Eric Roberts que aquí ejerce de villano de la función- son en su mayoría estrellas de la lucha profesional norteamericana, tipos que cronológicamente hablando son recién llegados al mundo del cine y que no dicen mas de una veintena de palabras durante todo el film.

Todo deja la sensación de ser demasiado breve y rápido, como si los 90 minutos que dura la película debieran haber sido al menos 120 o más para darle mayor peso a sus protagonistas así como más interés a la trama.
Al menos, las secuencias de acción, aunque no sean nada del otro jueves, están bastante bien filmadas demostrando que en eso Stallone no ha perdido el pulso y que lo que le vimos hacer en "John Rambo" no fue mera casualidad.

"Los indestructibles" no es ni por asomo aquella reunión memorable de viejas estrellas de acción que uno imaginaba tras ver los trailers promocionales, principalmente porque el guión es incapaz de generar la nostalgia necesaria para que lo sea. Es un producto que solo se deja ver y que funciona mejor si no se tiene pretensión alguna de visionar algo medianamente similar a lo que su publicidad previa prometía.

Puntaje: 5/10

Se ha ido un grande: Falleció Leslie Nielsen

2010-11-29T02:35:00.011-02:00

Hollywood nuevamente de luto.
El veterano Leslie Nielsen, uno de los últimos grandes exponentes del cine humorístico de las últimas tres décadas, nos ha dejado.
Aunque posiblemente será recordado por siempre por su faceta de comediante, lo cierto es que ese aspecto de su carrera recién tomó relevancia a comienzos de los años 1980. Mucho antes de eso, en 1956, protagonizó el clásico de ciencia ficción "Planeta prohibido" (Forbidden planet) junto a la bellísima Anne Francis. El éxito del film supuso para Nielsen una puerta de entrada a nuevos roles dramáticos que le otorgaron el reconocimiento del medio cinematográfico. Sin embargo, para 1970 su estrella de actor casi se había apagado, quedando relegado a papeles secundarios y a villanos de poca monta.

No sería hasta el arrollador éxito de "Y donde está el piloto?" (Airplaine!, 1980) que su carrera resurgiría lentamente. Más tarde encarnaría al disparatado y torpe teniente Frank Drebin en "Police Squad" (1982) serie televisiva que a pesar de haber sido cancelada en su sexto episodio logró alcanzar cierto status de culto que animaría a sus productores, David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker a llevar la misma idea al cine en la trilogía "La pistola desnuda" (The naked gun). El éxito de la saga convirtió a Nielsen en estrella y de ahí en más en una cara habitual en docenas de comedias a lo largo de las dos últimas décadas.

Aunque ya en algunas de sus últimas películas se notaba su deterioro físico, Nielsen solo dejó de trabajar cuando se vió obligado a seguir un estricto tratamiento médico.

Falleció internado en un hospital de Fort Lauderdale debido a complicaciones relacionadas con una neumonía. Tenía 84 años de edad y casi 60 de carrera actoral.

Hasta siempre Leslie.

"Machete" (2010) de Robert Rodriguez

2010-10-31T22:30:00.046-02:00

Machete (Danny Trejo) es el nombre clave de un ex agente de la policía de México, que tras ser traicionado por los suyos durante una misión de rescate y ver como es asesinada toda su familia logra escapar a los Estados Unidos. Allí vive en la clandestinidad trabajando en empleos jornaleros como un espalda mojada más hasta que es contactado por Michael Booth (Jeff Fahey). Booth le ofrece asesinar al racista senador McLaughlin (Robert De Niro) en medio de un acto público a cambio de una suculenta cantidad de dinero. Pero durante el atentado Machete vuelve a ser traicionado y dado por muerto. Una vez más logra escapar, pero esta vez no piensa ocultarse e irá por la cabeza de Booth, de McLaughlin y de todos quienes lo han engañado.

"Machete" es la expansión de la idea base planteda en el falso trailer que acompañaba al dueto de películas que conformaban "Grindhouse", aquel fracaso fílmico en clave de homenaje al cine explotation de los años 70 pergeniado por Quentin Tarantino y Robert Rodriguez en el 2007. Es en realidad la concreción de una vieja idea de Rodriguez como guionista; la creación de un héroe netamente mexicano que funcionara como un vengador ante la discriminación y el brutal tratamiento que sufren miles de sus compatriotas en la frontera que divide a su país de los Estados Unidos.

No debe ser coincidencia que Rodriguez haya decidido filmar esta película en momentos donde la cuestión del flujo de inmigrantes ilegales desde México es un tema candente debido al creciente apoyo que está recibiendo en territorio yanki la descabellada idea de construir un muro que separe ambos paises. Hay una buena cantidad de segmentos que funcionan como una crítica bastante directa a toda la política migratoria estadounidense a lo largo de la trama, la mayoría plasmadas mediante absurdos -los spots publicitarios para la re-elección del senador xenófobo que interpreta De Niro son un buen ejemplo- usando un tono paródico que aunque habitualmente le funciona, no quita que de a ratos pueda resultar exageradamente rebuscado, más aún cuando las humoradas van precedidas de momentos de extrema seriedad.

No es algo raro en Rodriguez, un tipo que nunca ha sido demasiado comedido al intercalar sus imaginativos excesos argumentales con su sentido crítico. Quienes hemos visto todo lo que ha filmado desde sus orígenes a comienzos de la década de 1990 hasta la fecha, sabemos que es un director tendiente a las exageraciones tanto en lo visual como en lo argumental. Ha sido desde siempre su marca de fábrica y ciertamente no creo que le interese demasiado equilibrar de forma equitativa ambas cosas. "Machete" no es la excepción.
Está repleta de secuencias de acción de principio a fin, la mayoría de ellas tan sangrientas y exageradas que bordean lo disparatado -la del héroe escapando por una ventana colgado de los intestinos de un rival es un ejemplo-. Pero como en casi todas las películas de Rodriguez, es su calidad para filmar la acción más descerebrada y hacerla verosímil dentro de su propio contexto la forma en la que disimula las carencias de sus guiones que suelen ser bastante lineales y repletos de elementos y situaciones que no tienen demasiada lógica.

Como también suele ser costumbre en sus últimas películas, Rodriguez vuelve a reunir a un elenco multiestelar con el que parece apostar a la curiosidad del público por ver a determinados actores conocidos en papeles en los que es poco habitual verlos. Así tenemos a un Robert De Niro como villano interpretando a un senador corrupto y racista, a Steven Seagal -cada vez más obeso y mucho menos ágil- muy lejos de sus cansinos papeles de héroe interpretando a un capo mexicano del narcotráfico y hablando un castellano espantoso y a un Don Johnson resucitado y sorprendentemente bien conservado a pesar de los años, utilizando anteojos de sol hasta en las secuencias nocturnas. También aparecen por ahí la polémica Lindsay Lohan con unos desnudos de dudosa autoría -no se ve casi nunca su rostro en esas secuencias- y una preciosa Jessica Alba en un rutinario y poco creíble papel de agente de migraciones.

Pero el punto más llamativo del reparto es sin dudas el protagónico de Danny Trejo, un actor habitualmente segundón y poco agraciado físicamente, muy acostumbrado a los papeles de villano y matón latino a quien le toca ser el héroe que le da nombre al film. No es un tipo demasiado expresivo al momento de los diálogos, motivo por el que seguramente tiene muy pocos, pero en el momento de la acción es absolutamente efectivo a pesar de sus 66 años de edad y unos cuantos quilitos extras. No hay dudas que era la elección correcta para ese papel.

Aunque su mezcla de denuncia sociopolítica en clave cómica con secuencias de acción repletas de sangre y tiros pueda resultar de a ratos un poco bizarra, "Machete" es sumamente entretenida. Sus defectos de continuidad y su falta de lógica al mezclar ideas son parte vital de su propuesta. Si nos ponemos a comparar, es muchísimo mejor que bodrios del mismo director como "Érase una vez en México" (Once upon a time in Mexico, 2003) donde Rodriguez pretendió en forma fallida y artificiosa reactivar la química entre Salma Hayek y Antonio Banderas que tan buenos réditos le había dado en 1996 en "Desperado" y ni que decir que mucho más divertida que la mayoría de las películas de acción que se han estrenado este año.

Puntaje: 7/10

"Batalla por Terra" (Battle for Terra, 2007) de Aristomenis Tsirbas

2010-10-26T01:35:00.032-02:00

Terra es un pacífico planeta ubicado en un punto distante de nuestra galaxia habitado por una pequeña raza de seres inteligentes que convive de forma armoniosa con la naturaleza de su mundo. Pero esa paz se ve amenazada cuando los últimos seres humanos sobrevivientes del extinto planeta Tierra llegan en una inmensa astronave con la intención de colonizar Terra, erradicando a los nativos terranos en el proceso. La amistad que se genera entre un piloto de combate terrestre y una joven terrana puede ser la única esperanza de detener el inminente conflicto entre ambas especies.

Basada en un cortometraje animado que el mismo director Aristomenis Tsirbas desarrollara en el año 2003, "Battle for Terra" es una versión expandida de la premisa de aquel corto. Tras conseguir el apoyo financiero necesario y la distribución de Lionsgate, Tsirbas logró tras varios años de trabajo que su film se estrenara en cines estadounidenses en el 2009. Pero su resultado en taquilla fue paupérrimo pasando prácticamente desapercibida para el público. Los motivos de su fracaso se reparten entre la pésima campaña publicitaria realizada en su momento por un lado y los numerosos defectos que de a ratos sobrepasan las virtudes del producto por otro.

Entre esos defectos el primero a destacar está relacionado con la ambigüedad de la historia, que por momentos parece no saber definirse en cuanto al público al cual va destinada. Tanto el diseño de los terranos -una especie de gusanitos voladores con rostro de teletubbie- y su sociedad -muy similar a una comunidad de criaturas mágicas- así como los primeros minutos de la historia, perfectamente podrían catalogarse como un compendio de elementos extraídos de un libro de cuentos para niños. Dicho de otro modo; hay una apresurada tendencia del guión por plantear la inocencia de lo terranos en términos que rozan lo infantil. Debe haber motivos evidentemente económicos para ello -cuanto mas simple luzca, menos tiempo y dinero cuesta- pero lo cierto es que comparado con lo que se nos muestra después toda esa puesta en escena chirría bastante.
Afortunadamente el diseño de todo lo relacionado con los humanos -salvo su aspecto físico, que aunque luce poco definido y algo geométrico resulta lo suficientemente expresivo- está bastante bien; desde sus naves de combate -que recuerdan mucho a algunos cazas de la Alianza Rebelde en "El retorno del Jedi"- a los interiores de la gigantesca y destartalada nave madre, lucen bastante creíbles. La situación de los humanos a bordo de la misma es desesperada; su oxígeno y sus reservas se están agotando rápidamente, lo que apresura la decisión de los militares de invadir y terraformar el planeta lo antes posible sin medir las consecuencias que ello tendría para las formas de vida nativas. Las valoraciones éticas y morales de esta situación no se profundizan demasiado ya que el guión prefiere diluirlas en función de lo meramente discursivo.

Tras el planteo de las facciones en disputa, la historia se desarrolla por los derroteros de lo previsible; un piloto terrestre se accidenta en el planeta y es rescatado por Mala, una niña terrana más fascinada que atemorizada por la presencia de los invasores. Ese encuentro hará que ambos conozcan más de sus respectivos mundos y sembrará la duda en el humano sobre las intenciones de sus superiores de tomar el planeta por la fuerza.

Todo este segmento de descubrimiento junto con la primera parte del film, son los puntos más chatos de una trama que levanta vuelo recién cuando se hace evidente que el plan de ataque terrestre es ya inevitable y ambos personajes se ven obligados a combatir en bandos opuestos.

Es aquí donde el argumento da un giro sorpredentemente adulto mostrándonos a unos terranos plenamente organizados y preparados para el combate, tripulando unas aerodinámicas naves equipadas con rayos destructores o unos ingeniosos vehículos cuadrúpedos armados con una especie de cañón de plasma, anulando toda aquella imagen de sociedad primitiva y casi mágica del comienzo. Es cierto que este cambio resulta un poco sacado de la galera y genera muchas dudas -¿cómo una raza pacífica que no ha sabido de guerras en siglos organiza una fuerza armada tan poderosa en tan poco tiempo?- pero no es menos cierto que este cambio de tono le hace subir varios puntos a la trama.

La batalla final es sorprendentemente dinámica. Tsirbas pone toda la carne en el asador demostrando su calidad como técnico de animación digital y su buen timing a la hora de dirigirla mostrándonos docenas de naves combatiendo en un enfrentamiento sin concesiones donde cualquiera puede caer, siendo esta una de las mas notorias diferencias con las aventuras animadas de estudios como Dream Works o Pixar en las que el concepto de muerte suele ser a veces exageradamente disimulado o directamente evitado.

"Batalla por Terra" es un film animado valorable pero irregular. Su ambigüedad a la hora de definirse como un producto destinado a una platea infantil o una adulta junto con algunas notorias incongruencias argumentales son sus principales deficiencias. Como alegato antimilitarista también se queda algo corta en la exposición de su mensaje ya que no se toma el tiempo necesario para desarrollarlo.

Aún con todo es una propuesta de animación humilde y aceptablemente buena a la que sería injusto exigirle algo que muchas veces los blockbusters animados de los estudios especializados en el campo ni siquiera ofrecen.

Puntaje: 6/10

"La carretera" (The road, 2009) de John Hellicoat

2010-10-17T18:31:00.023-02:00

Precedida del enorme éxito de la novela ganadora del Pulitzer de Cormac McCarthy en la que se basa, "La carretera" es probablemente uno de los mejores estrenos de este año.
En esta road movie de ribetes postapocalípticos, un padre y su hijo recorren el desolado paisaje de un mundo moribundo, en el que todas las fuentes de recursos han desaparecido y donde la especie humana está al borde de la extinción. En su periplo hacia el sur el padre -interpretado por Viggo Mortensen- hará lo que sea para mantener con vida a su pequeño, el cual se ha convertido en el único motivo por el cual aún no ha tomado la decisión de autoeliminarse, medida por la que han optado familias enteras ante la falta total de esperanza y el miedo a ser devorados por los grupos de caníbales que ahora pululan en busca de carne humana.

El mayor mérito del film de Hellicoat así como del libro en el que se basa, se encuentra en el encare de una historia que evade los cánones más rutinarios de éste género alejandose hábilmente de los modelos por los que habitualmente Hollywood a optado para plasmarlo -la acción estridente de la saga "Mad Max" o el misticismo exagerado de la reciente "El libro de los secretos" como ejemplos- prefiriendo centrarse en mostrar el aterrador nivel de degradación humana en el que pueden llegar a caer los hombres una vez eliminado el orden social y todo atisbo de civilización.

Las razones de la catástrofe global nunca son bien explicadas -¿una guerra nuclear?- pero tampoco importan. No hay concesiones en este nuevo mundo de caos; todo luce gris y sin vías de escapatoria posibles. Sin embargo, padre e hijo tratan de mantener en alto la dignidad y la moral de la que alguna vez se jactó nuestra especie y cuya decadencia se ve reflejada en numerosos flashbacks que además sirven para mostrar ciertas facetas del bienestar de la otrora luminosa vida familiar del protagonista.

La labor de Mortensen es sencillamente impecable, verdadero sosten de la historia, dando una impresionante verosimilitud al gradual deterioro físico que va sufriendo a lo largo de la película. La labor del pequeño Kodi Smit-McPhee como su hijo es igualmente encomiable, transmitiendo la carga de inocencia necesaria para comepensar la terrible desesperanza que por momentos gana a su progenitor y dándole un atisbo de fe al oscuro panorama general que se le ofrece al espectador.
Lamentablemente otros nombres talentosos del elenco como Robert Duvall o Guy Pierce, tienen unas muy breves participaciones siendo especialmente llamativa la del anciano interpretado por Duvall, que aunque impecable, tiene una incidencia casi nula en la historia y desaparece de la misma sin demasiadas explicaciones.

A pesar de lo desoladora al punto de lo bajoneante, "La carretera" resulta ser un film absolutamente absorbente, que atrapa desde sus primeros minutos y que solo decae algo cerca de su final, que intentando plasmar un mensaje un tanto sensiblero sobre el valor de la familia como sinónimo de futuro, quizás resulte un poco discordante con la tonalidad oscura que hasta ese momento venía llevando la historia.

Obviando ese detalle estamos ante una película imprescindible y totalmente recomendable, de lo mejor del año estrenado en cines, que debería ser considerada además como toda una advertencia sobre un futuro que, nos guste o no, puede estar a la vuelta de la esquina.

Puntaje: 7/10

"Depredadores" (Predators, 2010) de Nimrod Antal

2010-10-06T10:52:00.031-02:00

"Depredador" ha sido una de las sagas de ciencia ficción más vapuleadas de los últimos años. Tras el éxito del primer film en 1987, que a ciertos niveles marcaría un antes y un después dentro del género, le llegó su secuela cuatro años después, "Depredador 2", que aunque inferior en calidad y sin Schwarzenegger en el protagónico igualmente resultaba bastante entretenida. A pesar de que muchos auguraban una pronta tercera entrega, tuvieron que pasar casi 15 años hasta que los mortales asesinos espaciales y su universo fueran retomados en la irregular "Alien Vs. Depredador" y un par de años después en la aún más floja "Aliens Vs. Depredador: Requiem", ambas en principio basadas en una popular serie de comics pero que en realidad poco y nada tenían que ver desde lo argumental con ellos.

Ahora nos llega "Depredadores", el último intento hollywoodense por tratar de rescatar a uno de los monstruos ochenteros más famosos, esta vez bajo la dirección del húngaro Nimrod Antal y apadrinamiento del director mexicano Robert Rodriguez que en este caso auspicia de productor. Curiosamente, la idea original para "Depredadores" la tuvo el mismo Rodriguez hace unas dos décadas, tras el estreno de "Depredador 2", época en la que llegó a escribir un esbozo de guión a modo de secuela donde narraba como un grupo de humanos -incluídos los mismísimos Arnoldo y Danny Glover- eran raptados por los depredadores y llevados a su mundo.

De esa idea original quedó solo su base y poco más, por lo que la acción de "Depredadores" nos lleva a un lejano planeta selvático, donde un grupo de combatientes humanos abducidos ha sido abandonado allí con la idea de que sirvan de presa a un grupo de depredadores con ganas de cazarlos uno por uno. El variopinto grupo de humanos está encabezado por un experiente mercenario interpretado por Adrien Brody, un actor habituado al drama y la comedia y por el que la mayoría jamás hubiésemos apostado como héroe de acción, pero que sorprende con una performance bastante sólida y carismática. Lo secundan una merecenaria de la CIA interpretada por Alice Braga, un mexicano matón interpretado por el siempre feo Danny Trejo y una larga lista de asesinos que van desde un yakuza, pasando por un fiero soldado ruso a un psicópata condenado a muerte.Desde el vamos está clarísima la intención de volver a los orígenes de la saga; una selva como escenario, un grupo de hombres armados y una amenaza invisible representada ya no por uno si no por varios cazadores alienígenas. El problema que yo le veo a este contexto es que a diferencia del film original, el factor sorpresa es nulo. Después de cuatro películas la amenaza a estas alturas ya es más que conocida y el argumento ofrece muy pocas innovaciones como para que el público potencial de la película -el que ha visto las anteriores- resulte medianamente recompensado por la espera. Y eso empieza a notarse cuando aparecen algunos elementos, como la lucha de castas entre depredadores o los mastines de caza -detalles extraídos directamente de algunos números de la novela gráfica "Aliens Vs. Predator"- y algún que otro personaje sorpresa -el sobreviviente escondido en la nave abandonada, interpretado por Laurence Fishburne- que parecen metidos para darle cierto aire de "renovación" a la trama pero que convierten a la película más en un híbrido de los films anteriores con algunas ideas -y no justamente las mejores- extraídas de los numerosos comics basados en la saga que otra cosa.

Ni siquiera la música de John Debney aporta algo de originalidad al conjunto, ya que es prácticamente un calco de la magistral partitura que Alan Silvestri compuso para las dos primeras entregas.

Que no se me malentienda; no digo que "Depredadores" sea una mala película, pero funciona mejor como una remake de la original que como una continuación directa. El hecho es que prometía mucho más en lo previo -sobre todo después de ver aquel trailer en el que se mostraban cosas como el personaje de Brody iluminado por el laser de docenas de miras depredadoras, algo que jamás sucede en la película- por lo que después del desastroso resultado de las pésimas adaptaciones de "AVP", uno tenía todo el derecho a creer que esta nueva entrega iba a ser mucho más afín con las expectativas generadas.

"Depredadores" se deja ver, tiene sus buenos momentos de acción y alguna que otra secuencia que alguna vez todos los aficionados quisimos ver -como la pelea cuerpo a cuerpo entre dos depredadores- pero se disfrutará mucho más si se la visiona con nulas pretensiones de ver algo sorprendente o realmente nuevo.

Puntaje: 5/10

Ya llega Montevideo Fantástico 5

2010-10-02T15:07:00.004-03:00

Desde el martes 12 y hasta el domingo 17 de octubre inclusive tendrá lugar en las dos salas de Cine Universitario (Canelones 1280) la quinta edición de Montevideo Fantástico, el festival internacional cinematográfico de terror, fantasía y ciencia ficción en Uruguay.

Para este año el evento contará una vez más con numerosos trabajos de casi 20 países, donde se podrán ver materiales en competencia, novedades, muestras informativas, y homenajes a destacados maestros y cineastas del género, como Lon Chaney, el uruguayo Román Viñoly Barreto, Wolf Rilla, Freddie Francis y Dan Curtis.
Dentro de los largometrajes que compiten se exhibirán films provenientes de Argentina, Australia, Brasil, Chile, Costa Rica, Cuba, España, Estados Unidos, Hungría, Inglaterra, Italia, México y Serbia. Uruguay esta vez estará presente con su sección de cortometrajes en competencia, además de otros trabajos que irán dentro de la sección informativa de cortos.

Cabe señalar, como es habitual y al igual que el Jurado, que el público asistente también podrá votar por los premios a Mejor Largometraje del Festival, Mejor Película Latinoamericana, Mejor Cortometraje, Mejor Corto Latinoamericano y Mejor Cortometraje Uruguayo.

También se realizarán sorteos de entradas dobles para próximos estrenos de circuito comercial y la tradicional entrega de premios, el domingo 17 de octubre, donde se exhibirán los elegidos del Jurado como Mejor Película y Mejor Cortometraje del Festival, con entrada libre y gratuita.

La programación se puede ver en la web del festival www.montevideofantastico.com.uy y el catálogo estará disponible a partir de la semana próxima en Cine Universitario.

Montevideo Fantástico es organizado por Arte7.com.uy

Auspician: Instituto de Cine y Audiovisual del Uruguay (ICAU), a través del Ministerio de Educación y Cultura (MEC); Locaciones Montevideanas, a través de la Intendencia Municipal de Montevideo (IMM); Cine Universitario del Uruguay; Videoson; La Máquina de Pensar, a través de Radio Uruguay (1050 AM); Cinemag; Cinefania.com; QuintaDimension.com

Colaboran: Festival Buenos Aires Rojo Sangre (Argentina); Festival FIXIÓN-SARS (Santiago de Chile); Festival Fantaspoa (Porto Alegre, Brasil).

Apoyan: Tevé Ciudad; Terrorifilo.com; Cartelera.com.uy; revista mensual uruguaya Dimensión Desconocida; El Rincón del Coleccionista.

Contacto: prensa@montevideofantastico.com.uy

"La caja mortal" (The Box, 2010) de Richard Kelly

2010-09-20T13:55:00.026-03:00

1976. Arthur y Norma Lewis son un matrimonio común y corriente que recibe la visita de un misterioso hombre de rostro desfigurado que les hace un particular regalo junto con una no menos sigular propuesta; una caja de madera con un botón sobre ella el cual, si es pulsado por la pareja, los hará acreedores a un millón de dólares en efectivo. El problema es que una vez pulsado, alguien que no conocen morirá en algún lugar del planeta. La tentación por resolver sus vidas de una manera tan extrañamente sencilla hará que ambos empiecen a investigar en pos de resolver sus dudas. ¿Quien es ese enigmático hombre? ¿De que manera puede esa misteriosa caja matar a alguien en algún lugar solo por apretar un botón? ¿Podrán sus conciencias soportar el saber que alguien murió solo para que ellos tengan una vida mejor?

"La caja mortal" tiene su origen en el cuento corto "Button, button" que el magistral Richard Matheson, autor de "Soy leyenda", escribió en los años sesenta y que apareció publicado por primera vez en 1970 en la revista Playboy y luego en cantidad de recopilaciones de relatos cortos de ciencia ficción.

El director Richard Kelly intentó durante varios años llevar el mismo cuento al formato de largometraje, una labor bastante ardua si tenemos en cuenta que el mismo material literario había sido convertido en 1986 en un episodio televisivo para la nueva versión de "La Dimensión Desconocida" y que sus escasos veinte minutos de duración sobraban para desarrollar la historia, los personajes y la moraleja final del relato.

La primera media hora de "La caja mortal" se desarrolla de forma bastante similar a aquel capítulo televisivo; el planteamiento de las dudas y los miedos de la pareja protagónica ante la disyuntiva de aceptar o no pulsar el botón de esa caja con el premio de una sustanciosa recompensa económica por hacerlo, pero al precio de quitarle la vida a alguien en algún lugar del mundo.
Al igual que en el cuento, todas las valoraciones morales surgidas de esta situación resultan ser lo más interesante de la historia, pero Kelly se arriesga a ir mucho más allá proponiendo indagar en los orígenes de la misteriosa caja y del no menos misterioso hombre que la ofrece.El problema es que la revelación del misterio no resulta tan interesante como el misterio en sí y pasada esa primera etapa introductoria, el guión -adaptado por el mismo Kelly- se aventura a plantear cantidad de premisas y explicaciones, algunas de ellas realmente traídas de los pelos, que van desde la existencia de vida en Marte, pasando por puertas interdimensionales y conspiraciones gubernamentales, a planes de seres "superiores" interesados en poner a prueba a la especie humana por motivos nunca demasiado claros.

El resultado es un pastiche de ideas no muy buenas, que entrelazadas en una historia que se dispara en cantidad de direcciones empieza por aturdir al espectador y luego por aburrirlo.
Al igual que sucedía con aquel viejo episodio televisivo, el final del film es completamente distinto al del cuento original, pero mientras que en aquel el final resultaba, si bien no del todo redondo sí aceptable y satisfactorio, en "La caja mortal" resulta absolutamente todo lo contrario.

Da toda la impresión que Kelly no supo demasiado bien que hacer con el material original y ante la carencia de ideas optó por introducir muchos elementos de su propio interés, algunos de corte absolutamente transcendentalista muy semejantes a los que le vimos en su elogiada ópera prima "Donnie Darko" (2001) relacionados a la existencia de un destino y a nuestra capacidad de cambiarlo en base a nuestras acciones.

Si bien es cierto que el material de base no daba para un film de casi dos horas, es una pena que toda una historia que hasta los primeros 45 minutos se hacía medianamente interesante, se desbarranque hacia algo con tan poca fuerza y tan mal pergeniado dejando como lo más valioso del conjunto la buena ambientación en los años 70 y un par de actuaciones regularmente decentes, en especial la de un siempre prolijo Frank Langella, que transmite con su sola presencia una sensación perturbadora que debió ser mejor aprovechada por el relato. En cuanto a Cameron Díaz, bueno... es encomiable su actitud de querer cambiar los registros de su carrera tan marcados por la comedia y el romance hacia terrenos más dramáticos, pero debería empezar a cuidar en que papeles se mete. No es que esté mal, pero deja la sensación de no ser la mejor elección para el personaje que le tocó interpretar y que su nombre en el protagónico no parece tener otra función que la de vender mejor la película.

En suma, el resultado final de "La caja mortal" es el de un producto tremendamente pretensioso, que promete mucho más en su media hora inicial de lo que termina dando y que exige de los espectadores un nivel de compenetración y aceptación de sus planteos, muchos de ellos tan forzados como poco creíbles, que difícilmente la mayoría esté dispuesto a aceptar.

Puntaje: 4/10

"Enterrado vivo" (Buried alive, 2010) de Robert Kurtzman

2010-09-15T03:26:00.023-03:00

Un grupo de estudiantes viaja a una casa en medio del desierto con la intención de encontrar un antiguo tesoro escondido allí hace décadas. Pero una vez en el lugar, comienzan a experimentar una serie de hechos extraños relacionados con una vieja leyenda local; el espíritu de una mujer enterrada viva por su marido en el sótano de esa misma casa que por razones sobrenaturales vuelve a la vida cada tanto en busca de venganza.

El director Robert Kurtzman tuvo su relativo momento de gloria en 1996 gracias a "Wishmaster: El amo de los deseos" un film de terror fantástico bastante entretenido y producido por el especialista en el género Wes Craven, que resultó un producto relativamente exitoso en su época a tal punto que tuvo tres secuelas, todas ellas de menor calidad que la original. Desde entonces, Kurtzman no ha vuelto a dirigir nada de una calidad medianamente aceptable hundiéndose en una serie de producciones de terror barato, la mayoría bastante mediocres y de edición directa al dvd. Dudo que "Enterrado vivo" lo ayude a salir de esa situación.

Es un producto que refrita media docena de ideas ya refritadas; adolescentes calenturientos metidos en una trama sobrenatural en medio de la nada, alejados de cualquier ayuda posible, que deben enfrentar una amenaza venida del más allá la cual a duras penas logran comprender.
Está bien... podrán decirme -y con razón- que hay docenas de películas de género con argumentos similares de buena calidad e inclusive muchas que hoy son consideradas clásicas, pero les aseguro que éste no es el caso.

El problema con el film de Kurtzman es que no solo falla en encarar el trillado tema de su película de una forma que sea medianamente interesante como para mantener un suspenso parejo y creciente, sino que además y para colmo, se demora demasiado en plantear la amenaza que deben enfrentar sus protagonistas. Tal es así, que recién veinte minutos antes del final la fantasmal aparición que busca venganza por haber sido enterrada viva, comienza a hacer lo suyo llevando a cabo una serie de asesinatos bastante sangrientos pero muy tardíos como para compensar casi una hora y pico de vacío argumental y de sustos facilones.
El desarrollo de la historia es excesivamente lento, algo imperdonable en cualquier producción de género que no llegue a la hora y media de duración. Para peor, la forma en la que Kurtzman plantea la leyenda sobrenatural carece de consistencia y hay momentos en que no tiene mayor sentido lo que se explica sobre ella con lo que está sucediendo. Así, se mezclan historias de fantasmas tradicionales con mitología india relacionada con talismanes para espantar espíritus, pero de una forma tan ramplona que todo termina sonando demasiado traído de los pelos.

Por lo menos el guión no se olvida de que se trata de una película de terror con adolescentes, por lo que no faltan las acostumbradas secuencias de desnudos femeninos para exclusivo beneplácito de la platea masculina, cosa que al menos amenizan en algo la monotonía de una hora de película en la que no sucede prácticamente nada.
También aparece por ahí un Tobin Bell bastante perdido, intentando lucrar con el terror lo más que puede aprovechando la popularidad que se ganó con su siniestro asesino Jigsaw en la saga "El juego del miedo".

"Enterrado vivo" podrá ser un producto de terror barato y pasatista, pero eso no lo excusa de ser muy pobre en todos los sentidos. Para pasar completamente por alto u olvidable al poco rato de verlo.

Puntaje: 3/10

"Resident Evil 4: Resurrección" (Resident Evil: Afterlife 3D, 2010) de Paul W. S. Anderson

2010-09-12T03:23:00.023-03:00

Alice (Milla Jovovich) tras tomar venganza de la corporación Umbrella destruyendo su cuartel general en Tokyo, vuela a Alaska en busca de Arcadia, la misteriosa población libre de la infección que ha convertido en muertos vivientes a la mayoría de la población del planeta. Pero una vez allí, descubre que ese lugar ha desaparecido, por lo que decide viajar a una destruida ciudad de Los Angeles en busca de sobrevivientes.

La saga cinematográfica "Resident Evil" comenzó allá por el año 2002 y se puede decir que en reglas generales y a pesar de tener muchísimos detractores, resultó una adaptación bastante decente del videojuego japonés en el que se basa. Su éxito sirvió para que desde entonces y aproximadamente cada dos años se estrene una nueva secuela.
En este año 2010 nos llega la cuarta entrega dirigida por Paul W. S. Anderson, director de la primera parte y guionista de las secuelas que le siguieron.

Ello no significa que "Resident Evil 4: Resurrección" sea mejor que las anteriores, de hecho es probablemente la mas floja de todas hasta ahora. Anderson nunca se ha caracterizado por la originalidad de sus películas, pero una cosa es no preocuparse y otra muy diferente es irse directamente al plagio de ideas, encuadres y estéticas a tal punto que por momentos parece que estamos viendo una nueva secuela de "Matrix". Y no es casual que mencione al film de los Wachowski, porque realmente hay secuencias enteras que parecen haber sido pensadas y creadas por ellos mismos.

Basta ver para comprobarlo el uso repetitivo del que hace Anderson del ralenti de cámara en las secuencias en las que la protagonista propina las ya acostumbradas palizas a zombis y soldados de la malvada corporación Umbrella o los efectos time-bullets tras cada disparo de sus armas, sin olvidar al villano principal, una mezcla mal disimulada entre Neo y Darth Vader.

Las variantes argumentales tampoco son nada del otro jueves y algunas brillan por su nula originalidad o por su falta de consistencia. Basten como ejemplos; la droga que el villano inyecta a Alice y que supuestamente anula todos sus poderes físicos y mentales, pero que aún así no le impide a la protagonista seguir dando y recibiendo golpes a los que ni un elefante podría sobrevivir o realizar proezas sobrehumanas, o la secuencia de los sobrevivientes atrapados en una prisión rodeada de muertos vivientes que los acechan para devorarlos, con algo más que reminescencias a "El amanecer de los muertos" de George Romero, o la "nueva" mutación de zombis de boca tenticular idénticos a los vampiros mutantes de "Blade 2" y que el argumento omite olímpicamente explicar de donde salieron. Tampoco ayuda mucho que tanto Alice como sus compañeros de combate parezcan por momentos héroes sobrehumanos, mucho más que en las otras entregas, invencibles ante cualquier enemigo que se les presente. Esa aparente invulnerabilidad le resta interés a los ojos de un espectador que termina acostumbrandose al hecho de que nada les pasará.

Parecería ser que Anderson ha asumido que toda la saga es un producto de consumo exclusivo para fanáticos y apoyándose en eso termina creando una secuela cuya única virtud es la de ser consecuente con los planteamientos más básicos de sus antecesoras. Tal vez sea por eso que esta cuarta entrega venga acompañada del reclamo de la tridimensionalidad, un recurso cada vez más utilizado por productos que a sabiendas de su falta de ideas y poca originalidad, se agarran de cualquier elemento ajeno a lo artístico para venderse mejor.

No voy a decir que la película es aburrida porque estaría mintiendo, pero ciertamente, es un producto que parece hecho exclusivamente para incondicionales que no tengan la más mínima intención de cuestionarse la cantidad de defectos que el mismo tiene. Hay acción a raudales y posiblemente sea la menos dialogada de toda la serie, pero aún así es la peor de una saga que parecía ya haber mostrado lo peor en la tercera entrega.
Y si nos guiamos por su final, que vuelve a ser totalmente abierto, presentando además lo que parece ser una nueva villana -hay que esperar que pasen los títulos de crédito para verla- y por el hecho de que ha recaudado casi 30 millones de dólares solo en su primer fin de semana en Estados Unidos, todo parece indicar que éste podría ser el comienzo de una nueva trilogía... y una nueva oportunidad para mejorar algo que, a estas alturas, parece imposible que pueda empeorar.

Puntaje: 5/10

"Nunca digas nunca jamás" (1983) - El regreso de Sean Connery a la saga Bond.

2010-09-01T02:43:00.038-03:00

No fueron pocos los que en 1983 se sorprendieron al ver a Sean Connery nuevamente como el mítico agente James Bond, papel que había interpretado por última vez en 1971 en "Los diamantes son eternos" y al que a pesar de numerosos ofrecimientos siempre se había negado a volver.

La realidad era que para comienzos de los años 80 la carrera de Connery estaba en una relativa caída libre, por lo que el ofrecimiento del productor Kevin McClory para volver a interpretarlo en "Nunca digas nunca jamás" significó para el actor escocés un salvavidas. McClory no solo era el productor ejecutivo del film sino también el autor del guión, que es el mismo que escribió junto a Ian Fleming para "Operación trueno" la cuarta entrega de la saga Bond filmada en 1965 y que por una cantidad de problemas legales relacionados con su autoría, terminó en posesión de McClory lo que le permitió hacer usufructo del mismo recién 17 años después de forma independiente a la productora Eon de Albert R. Broccoli.

Ese es el motivo por el cual "Nunca digas nunca jamás" sea considerada junto a la primera versión de "Casino Royale" (1967), una producción no oficial dentro de la filmografía Bond y es por ello también que suele ser vista como una remake modernizada de "Operación trueno".

El tema central de ambas películas es obviamente el mismo.
La organización terrorista SPECTRE se apodera de dos armas nucleares robadas tras ser disparadas por un bombardero en pleno vuelo. Con ellas en su poder, la temible organización chantajea a las naciones del mundo a cumplir con sus multimillonarias demandas bajo amenaza de detonarlas y así empezar un conflicto nuclear. Bond, internado en un centro de recuperación tras fracasar en una misión, es encomendado por el gobierno británico a localizar las armas y detener a la organización criminal a la que tantas veces ha derrotado años antes.

Aunque hacer una remake de un film considerado clásico -para los 80 todos los films Bond de la era Connery ya tenían ese estatus- resulta casi siempre problemático, lo cierto es que "Operación trueno" era un film bastante irregular y mejorable en muchísimos aspectos. Su enorme cantidad de tiempos muertos y lo espaciado de sus escenas de acción la convirtieron en una de las mas flojas de la saga. Por ello, adaptarla con un enfoque más moderno y movido tenía su sentido y ese fue el objetivo de McClory que junto con el director Irvin Kershner le dieron un encare mas bien ochentero, aunque sin caer en las exageraciones paródicas del Bond interpretado por Roger Moore en esa misma época y sin que ello significara olvidar los orígenes del personaje los cuales hasta homenajea. Es por ello que no faltan aquí la típica persecución automovilística de cada capítulo de la saga, en este caso con un 007 demostrando sus habilidades montado en una motocicleta repleta de gadgets o las secuencias de acción en escenarios exóticos, como el enfrentamiento submarino cerca del final, fantásticamente fotografiado y uno de los puntos fuertes del guión. Tampoco faltan las alusiones referidas a la edad de un Bond algo más que maduro -en ese entonces Connery andaba en los 53 pirulos- y todo lo concerniente a su regreso y a las dudas sobre si mantendría intacta su efectividad a pesar de sus años.

El elenco elegido también fue uno de sus grandes aciertos. El villano, al igual que en "Operación trueno", es Maximillian Largo, líder de SPECTRA, interpretado por el austríaco Klaus María Brandauer que le dió al personaje un tono acertadamente menos refinado y más sicótico del que carecía el villano interpretado por Adolfo Celi en el original. En el apartado de las acostumbradas chicas Bond, la escultural Barbara Carrera, en un papel de asesina obsesionada con matar al agente doble cero, un poco recargado y demasiado caricatural pero aceptable y una hermosísima Kim Basinger en el papel que la descubrió definitivamente tanto para el público como para Hollywood.

En su contra, "Nunca digas nunca jamás" cuenta con una de las partituras musicales más pobres y menos acordes jamás escuchadas en una película de 007. John Barry, autor de la clásica tonada del agente 007, no pudo ni prestarla ni componer una partitura nueva debido a las resctricciones legales impuestas por la Eon para ello. En su lugar, todo el acompañamiento musical quedó a cargo de Michael Legrand que realizó un trabajo demasiado ajeno al espíritu de la saga.

Su otro gran punto en contra es la recurrencia al humor no muy inteligente para llenar tiempos muertos con secuencias demasiado descolocadas que poca y ninguna gracia producen, como la breve aparición de Rowan Atkinson -el futuro Mr. Bean- en una participación de comedia demasiado ridícula o toda la patética pelea de Bond contra otro tipo en el centro médico. Está clara la intención de que este episodio no oficial de la saga mantuviera distancia de ella aunque intentase contínuamente homenajerla, por lo que es posible que tanto McClory como Kershner hayan querido aprovechar la oportunidad para darle su toque de distinción usando tonos de comedia más acentuados que en cualquier otro film de la serie. Para mi gusto fue un error que le quita puntos a la efectividad del producto, una falta que por fortuna queda compensada por los aciertos del resto del metraje.

En definitiva, como actualización del film de 1965 no hay dudas que "Nunca digas nunca jamás" resulta bastante superior en muchos aspectos. No es una película perfecta ni tampoco memorable, pero cumple como entretenimiento en forma correcta.

Puntaje: 6/10

Sean Connery abandona la actuación.

2010-09-01T01:38:00.008-03:00

Pues si. No es la primera vez que lo dice en los últimos 20 años, pero esta vez parece que va en serio.

El veterano actor escocés Sean Connery ha anunciado oficialmente que deja la escena tras más de 50 años de carrera actoral y 70 películas en su haber. Asociado para siempre con el personaje que mas fama le dió, el agente británico James Bond, al cual encarnó entre 1962 y 1971 sin mencionar la película no oficial de la saga "Nunca digas nunca jamás" (1983), Connery logró salvar el difícil escollo del encasillamiento al que se debió enfrentar tras abandonar la serie del espía mas famoso del mundo.

En efecto. Los años 70 no fueron particularmente buenos para el actor que a excepción de "El hombre que pudo reinar" (1975) de John Huston se embarcó en una larga tanda de películas que, más allá de valoraciones artísticas, resultaron sendos fracasos en taquilla y golpearon seriamente su imagen de intérprete.

No fue si no hasta bien iniciados los años 80 que pudo volver a brillar como la gran estrella que es en películas como "Highlander" (1985), "El nombre de la rosa" (1986) y especialmente en "Los intocables" (1987) por cuya interpretación recibió un merecidísimo premio de la Academia como actor secundario. La década de los 90 hizo brillar aún mas su estrella gracias a papeles como el del capitán ruso Marko Ramius en "La caza del Octubre Rojo" (1990) o su impresionante performance en la apasionante "La roca" (1996) de Michael Bay.

Connery ha negado estar preparando una autobiografía donde recopile sus memorias como actor, aunque ha reconocido que hace unos años lo intentó pero abandonó el proyecto por que, según sus propias palabras, le "producía pesadillas recordar todo eso".

Connery es y será uno de los mejores y mas completos actores de la historia del cine, y si un día decide volver mas de uno se lo agradeceremos.

Salud Sean!

"Días de ira" (Law Abiding Citizen, 2009) de F. Gary Gray

2010-08-27T01:35:00.030-03:00

Clyde Shelton (Gerard Butler) un padre de familia, presencia la violación y asesinato de su esposa e hija por parte de dos desconocidos que asaltan su hogar. Los asesinos son atrapados, pero para evitar que ambos evadan la prisión utilizando argucias legales el abogado Nick Rice (Jamie Foxx) hace un trato con uno de ellos para que declare en contra del otro condenándolo a la pena capital. Diez años después, el asesino ya liberado aparece descuartizado y todo indica que fue obra de Shelton que ha decidido tomar la ley en sus manos y, al mismo tiempo, iniciar una brutal venganza contra ese sistema legal al que considera fallido e injusto.

El director F. Gary Gray logró cierta notoriedad en 1998 con el estreno de "El negociador", un film de acción que nos presentaba a un policía interpretado por Samuel L. Jackson buscando justicia tras ser acusado de un asesinato que no cometió. Los métodos del personaje de Jackson en aquella película para demostrar su inocencia resultaban extremos al punto de lo increíble, resolviéndose toda la trama en una resolución demasiado apresurada y poco esmerada. De todas formas, "El negociador" resultaba un film medianamente entretenido y llevadero siempre y cuando no se tomaran demasiado en serio muchas de sus variantes argumentales. Se puede decir que en ese aspecto, "Días de furia", el último film de F. Gary Gray, tiene bastante en común con "El negociador". La primera mitad del relato puede considerarse un planteo crítico bastante aceptable sobre las debilidades del sistema judicial estadounidense -que podría hacerse extensivo al de casi cualquier país de occidente-.

Los problemas empiezan en su segunda mitad, cuando ese padre de familia, harto de la ineptitud de ese sistema, comienza una venganza de ribetes poco menos que colosales, asesinando desde la cárcel a miembros destacados de la Justicia de Filadelfia y desatando el terror en la ciudad. Esta segunda parte decae bastante en relación a la primera, entre otras cosas porque resulta disparatada en su planteo de buscar a toda costa generar la duda sobre las misteriosas "capacidades" de ese padre interpretado por Butler que inexplicablemente encerrado en prisión sigue siendo capaz de asesinar a mansalva en el exterior para saciar su sed de venganza. Una venganza que tendrá al abogado interpretado por Foxx tanto de protagonista como de víctima, ya que al ver como sus compañeros de leyes son asesinados uno tras otro inicia un duelo personal con el asesino, tratando de descubrir los mecanismos mediante los cuales está concretando su particular vendetta.

Es en este punto donde uno debe tener claro que todas las discusiones sobre moralidad o los conceptos de justicia e injusticia planteados en la primera mitad -y hasta los límites de nuestra propia credulidad- deben ser dejados de lado, porque una vez iniciadas las explosiones y los juegos pirotécnicos ya no hay lugar para demasiados razonamientos más que los planteados por el guión que Gary Gray nos propone y que si se aceptan sin demasiado reproche, seguramente logrará hacerte pasar un rato divertido. Esto hace de "Días de furia" un entretenimiento resultón pero pasajero, cuya efectividad dependerá de la capacidad del espectador para asimilar muchas de las exageraciones planteadas sobre todo en su parte complementaria que opaca bastante el dramatismo de unos primeros minutos que, a priori, prometían otra cosa. Puntaje: 5/10

"El libro de los secretos" (The Book of Eli, 2010) de Albert y Allen Hughes

2010-08-22T04:00:00.027-03:00

Han pasado más de 30 años desde el final la guerra nuclear que acabó con toda la civilización.

Eli (Denzel Washington) un hombre misterioso y solitario, recorre las rutas vacías y desoladas de lo que alguna vez fueron los Estados Unidos con la misión de llevar un misterioso libro a un destino no demasiado claro. En su periplo llega a uno de los pocos reductos de civilización, un poblado gobernado por un tal Carnegie (Gary Oldman) un hombre despótico y controlador que al descubrir la existencia del libro intentará apoderarse del mismo a la fuerza. Pero Eli está dispuesto a pelear, a matar y hasta morir por protegerlo.

"The book of Eli" representa el retorno a la dirección de los hermanos Hughes tras 9 años del estreno de su último film, la adaptación de la novela gráfica de Alan Moore "Desde el infierno" película que si bien recibió el beneplácito de buena parte de la crítica, fue tratada de manera bastante indiferente por el público.

"El libro de los secretos" (título con el que la estrenó en la mayoría de los países de América Latina) es otro film de ribetes postapocalípticos que conjuga en su derrotero cantidad de ideas extraídas directamente de películas similares; desde los paisajes ruinosos y desolados de "El mensajero" (1997) a la violencia y persecusiones automovilísticas de la trilogía "Mad Max" (1979-1981-1989). Lo único que diferencia al producto de los hermanos Hughes del resto es un componente místico-religioso representado por el libro del que hace mención el título; una Biblia celosamente resguardada por el protagonista interpretado por Denzel Washington, la cual es el motivo desencadenante de la aventura del mismo y por cuya posesión se enfrentará a un Gary Oldman metido en la piel de un villano arquetípico por enésima vez.

Los motivos por los cuales el villano quiere apoderarse de tan valioso libro son, desde mi perspectiva, el punto mas flojo de toda la trama. Su plan de utilizar las enseñanzas del mítico libro para adoctrinar a una población humana diezmada con la intención de ganarse su favor y así controlarla como un rebaño, suena tan ingénua como poco creíble. Siendo éste el débil motor de casi toda la trama, buena parte de su efectividad se pierde promediando la misma, reduciendo todo el asunto a un muestrario de secuencias de acción que incluyen a un Denzel Washington desatado, atravesando rivales por doquier con una espada como si de un samurai futurista se tratase, disparando armas de fuego con una efectividad que hasta Robocop envidiaría o demostrando habilidades físicas propias de un super-hombre. Para colmo, la justificación de todo ese compendio de habilidades está ligada a cierta revelación de carácter "mesiánico" sobre el personaje que pretende ser la gran sorpresa final de la historia, pero que termina resultando tan poco creíble como la idea motora de todo el argumento.

Es cierto que en temas postapocalípticos no quedan ideas demasiado originales. El cine ha mostrado casi todo lo que se puede mostrar, por lo que es comprensible y en cierta medida hasta encomiable la intención de los Hughes de crear algo medianamente diferente a todo lo visto. Su error estuvo en la pretensión de mezclar lo de siempre con un componente religioso que juega demasiado tanto con la paciencia como con la credulidad del espectador.

Con todo y más allá de sus debilidades argumentales, "El libro de los secretos" no es una mala película. Está bien filmada y ambientada, su banda sonora a cargo del no muy conocido Atticus Ross es realmente buena y las actuaciones de Washington y Oldman, si bien no son nada que no les hayamos visto antes, son efectivas.

De todas maneras no deja ser un producto absolutamente pasatista que con una historia más craneada pudo haber sido bastante mejor.

Puntaje: 5/10

"Contactos del cuarto tipo" (The fourth kind, 2010) de Olatunde Osunsanmi

2010-08-16T09:17:00.022-03:00

No resulta raro que después de ver "Contactos del cuarto tipo" la primera tentación sea compararla con la que probablemente sea el ícono referencial de este tipo de cine al que podríamos denominar "documental-ficción"; "El Proyecto Blair Witch" (1998). En realidad, la misma comparación se podría hacer con cantidad de productos de similares características que desde su estreno a fines de lo años 90 han venido apareciendo en nuestras carteleras intentando imitar su éxito, la enorme mayoría de ellos sin lograrlo.

"Contactos del cuarto tipo" tampoco lo logra, aunque probablemente es de los que más se esforzó para conquistarlo. La idea base no es mala; en una alejada ciudad de Alaska llamada Nome, Abigail Tyler, una psiquiatra interpretada por Milla Jovovich, comienza a recibir consultas de pacientes que aseguran ser secuestrados durante las noches por extrañas criaturas provenientes de otro mundo. En la tipología creada a comienzos de los años 70 por el astrofísico e investigador del fenómeno OVNI Joseph Allen Hynek, este tipo de contacto con seres alienígenas es catalogado como de "cuarto tipo".

Jugosísimo tema el elegido por el director africano Olatunde Osunsanmi para su segunda película tras la flojísima "La caverna del terror" (The cavern, 2005), pero por motivos diversos no demasiado bien explotado.
Osunsanmi opta por mezclar material supuestamente "verídico" filmado por sus reales protagonistas, con una dramatización central actuada que funciona como hilo conductor del relato. El resultado es un híbrido que por momentos delata demasiado la inverosimilitud de lo planteado -la forzosa y poco creible explicación seudocientífica del investigador de lenguas antiguas asociando las abducciones con visitas extraterrestres al antiguo Egipto (una idea sacada de la galera y además nada novedosa, plagiada de la obra de Erich von Däniken ), las sesiones de hipnosis que terminan teniendo más en común con un exorcismo que con un secuestro alienígena, la ridícula incredulidad de las autoridades locales frente a la obviedad antinatural de lo que está sucediendo- pero que alcanza de a ratos algunos pocos picos de tensión que son lo más rescatable del conjunto.

A diferencia de películas mucho mas modestas pero mejor estructuradas como "El proyecto Blair Witch", Osunsanmi cuenta con más y mejores medios técnicos, pero aún así no es capaz de crear una mitología propia y creíble que sustente con rigor lo que plantea y logre mantener el interés en forma pareja en la trama durante su hora y media de duración.

Lo que queda entonces es un producto que funciona solo por momentos y que tiene como principal baza artística la originalidad de hilar dos ficciones paralelas y presentarlas como si fueran auténticas -conviene advertir que las filmaciones "reales" no son tales sino tambien escenificaciones realizadas por actores y que la doctora Abigail Tyler es un personaje totalmente ficticio- pero en el balance general el film apenas logra rozar el mínimo aceptable más por su forma de plantear la historia que por la efectividad global de su contenido.

Puntaje: 5/10

Rincón de videoclub: "Fuerza Siniestra" (Lifeforce, 1985) de Tobe Hooper

2010-08-16T01:01:00.011-03:00

El transbordador espacial Wiston Churchill viaja hacia el cometa Halley con la intención de estudiar de cerca al más famoso cometa de la historia. Pero al acercarse detectan en su cola un enorme objeto que resulta ser una astronave. Al abordarla, los astronautas descubren un grupo de alienígenas aparentemente humanos en estado de hibernación los cuales son traídos a la Tierra con pavorosas consecuencias.

"Fuerza siniestra" (título con el que se conoció en Uruguay y buena parte del mundo de habla hispana) fue una película planeada para aprovechar el supuesto tirón publicitario que significaba el pasaje del cometa Halley por las cercanías de nuestro planeta en 1986. Tobe Hooper, director de la sobrevalorada "La masacre de Texas" (1974), tomó las riendas de la dirección de este film pastiche, mezcla de varios elementos del cine fantástico como lo son los zombies, los vampiros y las invasiones alienígenas. Sin embargo, el fracaso en taquilla evidenció lo equivocado de la idea. El guión está basado en una paupérrima novela de Collin Wilson, en la que unas criaturas alienígenas llegan a la Tierra y sobreviven alimentándose de la energía vital, alma o como quieran llamarlo, de los seres humanos.

En la película de Hooper estas criaturas están emparentadas con las viejas leyendas de vampiros -aunque nunca se explica bien de que forma- solo que las víctimas de estos quedan convertidas en seres muy similares en apariencia y conducta a los clásicos zombies de George Romero pero que en vez de cerebros buscan absorber la energía de personas vivas. Estos aliens vampíricos llegan a la Tierra tras ser sacados en estado de hibernación de su enorme astronave oculta en el cometa Halley por la tripulación de una nave espacial británica (!), sin saber el enorme peligro que encierran.
Precisamente toda esta secuencia inicial resulta ser lo más interesante de todo el film, pues la atmósfera generada durante esos minutos promete mucho más de lo que se termina viendo. Una vez en nuestro mundo (mas exactamente en Inglaterra) las criaturas resucitan y lideradas por una bella alienígena (una desconocida Mathilda May en sus quince minutos de gloria) comienzan a hacer lo suyo transformando a gran parte de la población de Londres en una horda de zombies sedientos de energía vital. El único sobreviviente de la expedición que encontró a estos seres (Steve Railsback) esconde la clave para detener lo que puede ser el fin de la especie humana.

El principal problema de "Lifeforce" es la cantidad de elementos que intenta combinar en tan corto tiempo – el film dura poco más de 90 minutos – dejando en el debe explicaciones para situaciones poco claras que generan continuamente cabos sueltos que nunca son atados. Deja la sensación de que se intentó cubrir las enormes carencias argumentales mediante el uso de un contínuo impacto visual. De hecho, el maestro en efectos especiales John Dykstra (creador de los efectos de "Star Wars" y "Galactica") fue la persona elegida para su diseño, resultando realmente impresionantes las secuencias en el espacio exterior, dentro de la enorme nave de los vampiros oculta en el Halley así como la destrucción de Londres con millares de zombies deambulando por sus calles.
A pesar de todo, el balance final resulta negativo. Como espectáculo visual "Fuerza siniestra" puede tener su atractivo, pero su historia es tan débil y está narrada de una forma tan poco convincente que nunca llega a atrapar, relegándola a ser un producto de consumo casi exclusivo para los aficionados a las mezclas mas descerebradas de terror y ciencia ficción que no tengan mayores exigencias.

Tras su estreno en pantalla grande, su edición en formato VHS se demoró bastante y al producirse no tuvo mayor repercusión, siendo durante años un film difícil de encontrar aún en videoclubes especializados.

Como dato anecdótico; la breve aparición del actor Patrick Stewart un par de años antes de ser conocido por su papel del capitán Picard en la serie "Star Trek: La nueva generación".

Puntaje: 5/10

"El Origen" (Inception, 2010) de Chris Nolan

2010-08-02T02:37:00.028-03:00

Hacía tiempo que un film no generaba tanta expectativa previo a su estreno, algo que "El Origen" logró, en parte, gracias a la enorme y acostumbrada campaña publicitaria de la que vienen haciendo gala los grandes blockbusters hollywoodenses desde hace ya varios años, pero también por ser el último trabajo de uno de los mejores directores surgidos en esta última década, Chris Nolan, que luego de la fantástica "El caballero de la noche" dejó el listón demasiado alto como para que sea fácilmente superado.

"El Origen" narra una historia ocurrida en un futuro que parece muy cercano, donde la tecnología permite introducirse en los sueños ajenos y desde ellos robar o cambiar determinadas ideas del individuo cuyo sueño está siendo manipulado. A este procedimiento se le llama "originación" y Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) es un especialista en ese dificil arte, por lo que es contratado junto a su equipo por Saito (Ken Watanabe), un empresario japonés que pretende hacer que Cobb entre en los sueños del lider de una empresa competidora para que este cambie de idea sobre el manejo de su enorme imperio corporativo.

Pues bien, luego de vista lo primero que me pasó por la mente fueron dos ideas:

1) Que salvando distancias temáticas y de contenido, no es mejor que ninguna de las dos "Batman" realizadas por Nolan, películas por las que tengo un particular respeto por haber revivido un personaje que cinematográficamente parecía muerto desde hacía muchos años y que me parecen mucho más trabajadas a la hora de funcionar como divertimento.

2) Que es muy difícil, por mas que se quiera evitar, no establecer comparaciones directas con la película que, al menos temáticamente, más puntos en común tiene: "Matrix" (1999). Esto no es necesariamente un punto en contra para el film de Nolan, pero me parece que mucho de su base temática sigue estando demasiado arraigada en el recuerdo del público actual como para que la mayoría pueda o quiera evadir el hecho de que la misma no es para nada original y que en muchos aspectos, el film de 1999 resultaba un tanto mejor en el desarrollo de la misma.

En efecto. Tanto el film de Nolan como el de los hermanos Wachoski plantean el manejo de los sueños como realidades alternativas manipulables, verdaderos universos paralelos donde las leyes físicas y las nociones de tiempo y espacio pueden ser modificadas en pos lograr determinados objetivos.
Nolan maneja estos conceptos con relativa efectivida aunque dedicandole demasiado tiempo -algo más de una hora entera de película- pura y exclusivamente a la explicación de las leyes que rigen ese universo onírico en el cual los protagonistas deberán cumplir su misión. Eso no es implícitamente malo, pero por motivos diversos, que incluyen la enorme cantidad de información que el espectador debe procesar en ese tiempo, no terminan de cuajar del todo bien lo que hace que llegada la segunda hora de metraje, en la que se desarrolla la acción más vertiginosa del relato, el espectador pueda sentirse bastante perdido y termine asistiendo solo a un conjunto de secuencias en gravedad cero y de tiroteos muy bien filmadas pero que no tienen demasiado sentido con todo lo explicado.

El otro problema es que aún habiendo comprendido bien todo ese conglomerado de leyes inventadas -situación que fue mi caso- uno sienta que la acción llega ya demasiado tarde para compensar todo el tiempo perdido en explicaciones. Sumar a eso una subtrama centrada en el drama sicológico que vive el personaje de DiCaprio producido por la memoria de su esposa fallecida cuyo recuerdo resulta un verdadero peligro para su misión, un elemento que debería funcionar como factor de tensión agregado a la trama, pero que a Nolan se le escapa muchas veces de las manos y que termina lastrando en demasía el desarrollo de la historia central.

En suma, "El Origen" es un producto que promete mucho en lo previo, quizás demasiado, con un planteamiento que se divide de forma desigual entre lo metafísico de manera muy light y el cine de acción más convencional, apoyada en una muy buena factura técnica y un vertiginoso manejo de cámara que intentan disfrazar las debilidades de una trama demasiado enrevesada que de a ratos puede marear hasta al espectador mas despierto. Y como expliqué al comienzo, tampoco resulta demasiado original porque el planteamiento de su ideario básico remite directamente a otros productos de temática muy similar, siendo "Matrix" su mas obvio mojón de referencia, aunque a nivel de divertimento el film de Nolan se quede, comparativamente hablando, bastantes escalones por debajo.

Puntaje: 6/10

"Blood: El último vampiro" (Blood: The last vampire, 2009) de Chris Nahon

2010-07-25T02:48:00.015-03:00

En el año 2000, el mundillo del cine de animación se veía revolucionado por la aparición de un cortometraje de terror que formaba parte de una historia de características multimediales dividida y narrada en tres formatos; un videojuego, una novela gráfica japonesa o manga y la película animada en cuestión. "Blood: The last vampire" presentaba a Saya, una chica mitad humana, mitad vampiro que trabaja para una organización del gobierno encargada de buscar y destruir a los miembros de una monstruosa raza de vampiros capaces de disfrazarse de humanos para así alimentarse de ellos. Infiltrada en una base norteamericana en Japón, Saya debe destruir a varias criaturas que alli se han escondido. El film resultó una autentica revelación desde el punto de vista técnico, tanto por mezclar impecablemente la animación tradicional con la computarizada, como por un uso estilizado de la violencia al servicio de una historia bastante climática aunque tambien inconclusa y abrupta por ser lo que originalmente es; un capítulo breve que formaba parte de una historia mayor.

Es así que en el 2009 el director francés Chris Nahon, basándose en el animé del 2000, realizó una remake con actores reales narrando la misma historia pero ampliada. Su versión de "Blood: El último vampiro" intenta ser más explicativa en cuanto a los orígenes de Saya -interpretada por la bellísima actriz coreana Gianna Yun-, de la organización para la que trabaja -que aqui ya no es gubernamental sino privada- y al mismo tiempo introduce a un nuevo villano llamado Onigen, supuesto lider de toda la raza de vampiros.

Si bien es cierto que el anime como material de base no daba para mucho desde su historia -no olvidar que formaba parte de una historia mas grande- lo cierto es que esta adaptación deja sabor a poco en casi todos sus aspectos; desde sus secuencias de acción y peleas, que aunque bien coreografiadas son bastante inferiores en calidad y emoción a las de productos similares como "Blade: Cazador de vampiros" (1998) o "Kill Bill" (2004), a sus descuidados y chillones efectos infográficos -especial atención a los borbotones de sangre digital que saltan con cada corte de espada y que lucen espectacularmente falsos o las transformaciones de los vampiros y su diseño que parecen sacados de una mala película de terror de hace 15 o mas años atrás-.

Tampoco ayudan demasiado las nuevas lineas argumentales que intentan explicar cosas que el animé original dejó en el tintero, como el origen de Saya o su relación con el villano Onigen, una vuelta de tuerca que se va haciendo demasiado obvia durante la narración y por ende poco efectiva.

"Blood: El último vampiro" resulta ser una remake floja, que promete mucho en sus primeros minutos pero que se va desinflando de a poco hasta el punto de la chatura total obligando a uno a preguntarse a donde fueron a parar los supuestos 35 millones de dólares que costó su producción.

Solo destaca por la sanguinolencia de sus batallas y alguna que otra secuencia de acción como aquella del camión sobre el precipicio -la mejor de todo el film- y el flashback onírico del anciano combatiendo a una suerte de vampiros-ninjas, que demuestran que Nahon como director pudo y debió haber hecho algo mucho mejor que lo que terminó ofreciendo.

Así como quedó no pasa de ser un entretenimiento que funciona solo de a ratos y bastante menos que pasatista.

Puntaje: 4/10

"Caso 39" (Case 39, 2010) de Christian Alvart

2010-07-24T03:06:00.015-03:00

Parece que los niños malévolos vuelven a estar de moda.

Hace unos meses fue "La huérfana", un film de relativa calidad que volvía a presentarnos la maldad encarnada en un cuerpo infantil y como ésta era capaz de carcomer la esctructura de una familia feliz hasta el borde de su total destrucción.

"Caso 39" pretende seguir un camino similar en muchos aspectos aunque con un encare distinto relacionado al origen de esa maldad.

Cuando la trabajadora social Emily Jenkins (Zellweger) salva a la pequeña Lilith de ser asesinada por sus propios padres y se la lleva a vivir con ella, comienzan a darse una serie de misteriosas e inexplicables muertes a su alrededor, muertes en las que directa o indirectamente la inocente Lilith parece estar siempre involucrada.

Lo que comienza como un interesante relato de suspenso psicológico adquiere a la mitad del mismo un tono más cercano al del terror tradicional, elementos sobrenaturales incluídos, siendo mérito del alemán Christian Alvart que la mezcla no resulte en un pastiche pesado e incoherente. El interés de la historia no decae prácticamente en ningún momento pese a la previsibilidad de lo contado, y aunque las referencias a clásicos como "La profecía" (1976) y a otros films más recientes como "La llamada" (2005) son casi inevitables, el film de Alvart sale airoso en su función de mantener la tensión hasta el final.

Alegra también ver a una Zellweger incursionando en un género totalmente nuevo para ella y aunque de a ratos se puedan apreciar muchos de los ticks y expresiones típicos de sus habituales papeles de comedia, la verdad es que no desentona con el drama que vive su personaje, una solitaria y compenetrada trabajadora social preocupada por el destino de esa niña que terminará convirtiendo su vida personal en un infierno. Mención aparte merece la prometedora Jodelle Ferland como la diabólica Lilith, cuya carga de sospechosa inocencia y desconsolada maldad hace que brille por momentos más que su contraparte protagónica.

"Caso 39" no es una película original en ningún aspecto y es posible que hasta mas de un fundamentalista del terror encuentre algo pesado su tufillo aleccionador sobre ciertas realidades sociales referidas a la niñez maltratada y a la conquista de los miedos personales como forma de vencer al mal. Aún con todo es un film que se consume y digiere sin problemas y que contentará a la mayoría de los amantes al cine de terror psicológico más allá de que dudo que permanezca demasiado tiempo en su recuerdo.

Puntaje: 6/10

"Precious" (2009) de Lee Daniels

2010-07-19T14:00:00.011-03:00

Claireece "Precious" Jones es una adolescente negra, obesa y analfabeta, enferma de SIDA y embarazada por segunda vez tras ser abusada sexualmente por su propio padre ante la total indiferencia de su madre que la aborrece y la trata poco menos que como esclava. Al ser expulsada de su escuela ingresa en una institución para alumnos considerados especiales, lugar que le brindará una esperanza de cambiar su vida.

Las historias de superación personal suelen ser bastante atractivas para el público en general, tanto más si con la excusa de denunciar determinadas realidades su contenido ofrece el suficiente morbo para hacer mas atractiva su historia. Es por ello que tras terminar de ver "Precious" no me costó mucho entender los motivos por los cuales a tanta gente le gustó esta película de caracter independiente y el por qué del aluvión de premios que ha recibido -inlcuidos dos Oscars- dándole una envergadura como denuncia social que a mi modesto entender, no tiene.
"Precious" es de esos productos fílmicos que periódicamente aparecen para generar la polémica y el lagrimón fácil recurriendo para ambas cosas al golpe bajo la mayoría de las veces. No encuentro otra manera de comprender la sucesión enormemente exagerada de desgracias que debe padecer la protagonista durante las casi dos horas que dura la película. Y conste que no soy de los ingenuos que prefieren negar que a muchas personas en el mundo les deban suceder cosas iguales o parecidas, pero el problema es que el guión -adaptado de la novela de Ramona "Sapphire" Lofton, "Push"- luce en su plasmación a imagenes tan forzado que termina resultando inverosímil, a veces al punto de lo avergonzante y otras de lo hilarante.

La búsqueda de una luz al final de ese túnel oscuro que es la vida de la desgraciada protagonista es artificiosamente estirada en pos de engrosar la mayor cantidad de calamidades posibles que piquen la sensibilidad del espectador más desprevenido. Y digo de los más desprevenidos porque aquellos que sean habituales a los dramones fílmicos televisivos de la HBO y similares, probablemente verán todo lo malo que le puede suceder a un ser humano en 6 o 7 telefilmes baratos compendiado aquí en solo dos horas de metraje.

Lee Daniels peca de excesiva pretensiosidad al tratar de resumir ese larguísimo catálogo de crudezas mezclandolo al mismo tiempo con secuencias de puro escapismo que por momentos bordean lo ridículo -los sueños de éxito de Precious, cantando y bailando junto a su príncipe blanco, siendo adorada por miles de personas que piden su autógrafo- junto a otras que presentan con trazo demasiado grueso a diversos estereotipos de sociedad marginada -las compañeras de clase de Precious, un grupo tan variopinto como casi caricatural- para terminar con otros personajes que son la representación física de que siempre hay salida más allá de los condicionamientos sociales -la profesora lesbiana y el enfermero negro interpretado por Lenny Kravitz-.

Da la sensación que Daniels pierde la brújula de lo que está dirigiendo varias veces durante el relato no terminando de decidir si es más importante la cruel historia de su protagonista o la denuncia de las carencias de un sistema social incompetente y de una sociedad marginizadora. Como quiera que sea, el resultado final de "Precious" no es mejor que el podrían tener los ya mencionados filmes dramáticos televisivos que se emiten por cable diariamente a casi todas horas, y que de no ser por el apadrinamiento económico y publicitario de Ophra Winfrey, ícono mediático del afronorteamericanismo actual, la película hubiese pasado sin pena ni gloria.

En el apartado de las actuaciones, me sorprendieron algunas como la de Mariah Carey, casi irreconocible bajo ese pelucón negro que le tocó en suerte, interpretando a una no muy convicente asistente social o la interpretación de Mo´Nique como la desquiciada madre de Precious, una actuación poderosa pero dudosamente merecedora del premio de la Academia que se llevó.
La actuación protagónica de Gaborey Sidibe digamos que es funcional. Su personalidad apática y sus gestos poco expresivos supongo que cierran con el estado de infelicidad perpetua en el que vive, pero para mi gusto fueron factores limitantes como para que me sintiera mínimamente sensibilizado con ella y su situación.

Resumiendo; "Precious" es un film hiperdimensionado en todo sentido, que abusa de la explotación del morbo para ganarse un público que lo defenderá bajo el pretexto de ver una realidad que nos podría haber tocado a todos. Eso si, sin la más mínima intención de imaginarse en tal situación sino de simplemente presenciarla como espectador para satisfacer su propio morbo tal como si de una comida de consumo rápido se tratase. Buena parte de la crítica también tiene su cuota de responsabilidad en ese sobredimensionamiento que lo ha hecho ver como un gran producto independiente cuando en realidad utiliza los peores recursos del cine mainstream para venderse.

Puntaje: 4/10

"THE END" (2010) de Eduardo Chapero-Jackson

2010-07-15T03:34:00.014-03:00

En un futuro cercano, distópico y desolador, el agua tiene mas valor que el oro o el petróleo. Es un elemento en vías de desaparecer y los hombres serán capaces de matar para obtenerlo o protegerlo. En ese ambiente devastador, un hombre y su familia deben sobrevivir tras ser atacados en medio de la carretera y abandonados bajo un sol abrazador.

Interesantísimo cortometraje de ciencia ficción escrito y dirigido por el especialista en cortos Eduardo Chapero-Jackson, que con solo 26 minutos de duración es capaz de sumergirnos en la vorágine de un planeta derrumbándose y en el drama de una familia de clase media víctima del mismo. No se puede decir que sea un producto cien por ciento innovador, entre otras cosas porque los elementos de los que se vale su historia son bastante remanidos por el género. Sin embargo el western futurista y pre-apocalíptico de Chapero logra ser más efectivo en menos de media hora que muchos films de género en el triple de tiempo.

Si bien se pueden sacar varias reflexiones sobre el sombrío porvenir que nos presenta y sobre su desesperanzador final, no pretende ser un producto aleccionador. Esa falta de pretensiones no impiden que alcance de forma muy eficiente el objetivo de atrapar al espectador durante los minutos que dura, todo un logro para su director a tal grado que se convirtió en el producto que le permitió dirigir su primer largometraje, "Verbo", un film de ciencia ficción en etapa de post-producción en estos momentos.

Absolutamente recomendable su visionado.
Les dejo el link para verlo completo en YouTube, en inglés por ahora, sin subtítulos. Pero no hacen tanta falta, se los aseguro.

http://www.youtube.com/watch?v=DfXLOhcoPP4&feature=player_embedded

Puntaje: 7/10

"Toy Story 3" (2010) de Lee Unkrich

2010-06-30T03:16:00.021-03:00

Andy ha crecido y está por partir a la universidad. Sus juguetes están preocupados por saber cual será su destino ahora que su dueño ya no jugará más con ellos. Por un mal entendido, la madre de Andy termina donándolos a un jardín de niños, lugar que a primera vista parece el mejor sitio para volver a empezar. Sin embargo, los juguetes residentes no les harán las cosas nada fáciles.

No hay dudas que estos 10 años que han pasado desde el estreno de la segunda película de la ahora trilogía "Toy Story" no han sido en balde.
Son muchos los productos similares y competidores directos que han aparecido en ese tiempo, pero el encanto de personajes como el valiente vaquero Woody o el astronauta Buzz Lightyear es difícil de superar y esto es algo que sus creadores tenían muy claro. Es por eso que se tomaron una década para idear una historia a la medida del éxito de las dos entregas anteriores y que al mismo tiempo les hiciera honor a esos personajes a los que todos recordamos con tanto cariño.

Pues bien; debo decir que los señores de Pixar lo lograron de nuevo, porque "Toy Story 3" es una maravilla a la que cuesta comparar con sus antecesoras, no porque su nivel cualitativo sea menor, sino porque es uno de esos raros casos donde es muy dificil saber en que lugar de preferencia colocarla.

Técnicamente sigue siendo tan intachable como sus antecesoras aprovechando los avances que se han producido en su campo en los últimos años. Se ha perfeccionado el diseño de los protagonistas así como su animación y se ha puesto mucho más énfasis en la terminación de los ambientes sobre todo en lo referente al colorido de los mismos, brillos y efectos de iluminación.
La versión en 3D -que fue la que yo vi- destaca en algunas ocasiones realzando determinadas secuencias, sobre todo cerca del final, pero realmente no se pierden de mucho si la ven en su versión 2D.

Lo realmente importante es que toda esta parafernalia tecnológica está al servicio de una historia que es la verdadera estrella de la película. Una historia que homenajea no solo a otros géneros y películas -"El gran escape" como la referencia mas obvia- si no también a las dos películas anteriores, tomándose el tiempo hasta para explicar por qué algunos personajes vistos anteriormente ya no están pero al mismo tiempo introduciendo otros nuevos. Y en este último apartado cabe destacar al vanidoso Ken -imposible no reirse con las recurrentes bromas sobre su dudosa masculinidad y su condición de accesorio Barbie- y el oso Lotso, un enorme oso de peluche de tierna sonrisa pero tras la cual esconde unas malévolas intenciones. Hay otra docena de personajes nuevos cuya lista de nombres sería imposible de incluir en este comentario y que hacen de esta tercera película algo aún más especial de lo que ya es.

"Toy Story 3" conserva todo el humor y encanto de sus antecesoras, y en algunos momentos hasta los supera, cosa tremendamente difícil de hacer en los tiempos que corren. La prueba mas notoria de ello es el triste periplo del personaje estrella de la Dreamworks, "Shrek", que luego de habernos maravillado a todos con la primera entrega hace ya 9 años degeneró en una larga serie de películas -la cuarta se estrena justamente en estos días- repleta de ideas mal recicladas que solo lograron que el personaje y su universo se desgastaran por una abusiva sobreexplotación.

En cambio, el espíritu original de aventura, de humanidad y calidez que desprenden los juguetes vivientes de Pixar sigue intacto década y media después.
Esta tercera película da toda la impresión de ser el punto final de la saga. Si realmente lo es, resulta brillante, pero si no solo cabría pedirle a sus creadores que se tomen otra década más si hace falta para igualarla o superarla.
Frente a maravillas así nuestro niño interior siempre estará dispuesto a esperar.

Puntaje: 8/10

"Sobrevivir" (Stay Alive, 2007) de William Bell

2010-06-27T02:33:00.020-03:00

"Sobrevivir" es lo último en videojuegos de supervivencia ofreciendo a quien lo juegue una experiencia única y sorprendentemente realista.
Solo tiene un pequeño problema; quienes lo juegan terminan muriendo asesinados de la misma manera que lo fueron en el juego. Hutch (Jon Foster) descubre junto con un grupo de amigos que el haber jugado el mortal videojuego está matándolos uno por uno. La única forma de evitar su propia muerte y la del resto de sus compañeros es descubrir quien y por qué ha programado tan siniestro entretenimiento.

Enésimo intento de hacer surgir una nueva saga de terror slasher esta vez combinando elementos sobrenaturales con otros de tecnología actual, más precisamente con el mundo de los videojuegos. Para ello, el guión toma al personaje de Erzebeth Bathory, una condesa húngara del siglo XVII conocida por haber asesinado a docenas de mujeres para beber su sangre -una leyenda europea real que el guionista traslada de forma muy artificiosa al Nuevo Orleans actual- y la convierte en el monstruo de un sangriento juego de computadoras que por razones sobrenaturales es capaz de entrar en el mundo real para asesinar a quienes intentan matarla en el mundo digital.

Lamentablemente, la combinación de todos esos conceptos queda lastrada por un guión demasiado soso, al que si bien hay que reconocerle que no se demora demasiado en ir al meoyo del asunto, está plagado de ideas repetidas, quizás muy buenas en el papel pero que en su traslación a la pantalla simplemente no funcionan. El potencial de la idea de trasladar los terrores de un videojuego embrujado al mundo real se hunde bajo el peso de unos diálogos horrendos y unas actuaciones mediocres por parte de un elenco de treintaiñeros que interpretan personajes que supuestamente andan en sus veinte. Los efectos especiales son pocos y muy pobres. Las secuencias de sangre y las muertes lucen muy poco imaginativas, repetitivas y para nada impactantes. Para colmo de males y como no podía ser de otra manera en un producto tan rutinario, el final es totalmente abierto sugiriendo una continuación que, con suerte, jamás saldrá a luz.

Al menos hay que reconocerle al director y guionista William Bell su esfuerzo por demostrar que ha investigado el universo friki de los aficionados a los juegos de computadoras, pero suponer que ese solo conocimiento mezclado con unas secuencias de terror gastadas pueden funcionar peca de ser algo tan ingenuo como pretensioso.

Ver "Sobrevivir" en una noche tormentosa no produce ni la mitad del miedo que puede producir jugar una partida de "Silent Hill" en tu Play Station a las 10 de la mañana, pero si una desagradable sensación de pérdida de tiempo.

Puntaje: 4/10

"La furia" (The fury, 1978) de Brian De Palma

2010-06-18T22:50:00.020-03:00

Peter Sandza (Kirk Douglas) ex agente de una secreta organización del gobierno, es traicionado por su jefe y amigo Ben Childress (John Cassavettes) quien secuestra a su hijo poseedor de asombrosas habilidades telequinéticas las cuales pretende emplear como arma. Childress da por muerto a Sandza, pero este logra escapar tras lo cual inicia una carrera por rescatar a su hijo que está siendo entrenado para asesinar utilizando sus poderes mentales.

Solo un par de años después del abrumador éxito de "Carrie", el director Brian De Palma se embarcó en la realización de un nuevo film de corte fantástico. "La furia" parecía ser el proyecto idóneo para seguir la estela de éxito generada por su película anterior ya que temáticamente guardaban similitudes; adolescentes con poderes sobrenaturales incapaces de controlarlos y al mismo tiempo perseguidos -pero no rechazados- mezclados con un meoyo de elementos mas propios del thriller que del terror.

Lamentablemente la película no tuvo ni el apoyo del público ni la repercusión mediática de la que gozó "Carrie" probablemente porque parte de su publicidad previa la hicieron parecer casi una continuación del film anterior de De Palma cuando en realidad son productos bastante distintos. Eso queda claro ya en sus primeros diez minutos, con una persecusión que da origen a toda la trama y que sirve como muestra representativa de buena parte de lo que se verá después.

El componente sobrenatural, si bien es capital en la historia, tiene menos presencia en pantalla que todo lo referente al personaje de Douglas y a su intento por recuperar a su hijo de las garras de la organización que él mismo integró.

Recién en los últimos tramos de metraje la cuestión de los poderes mentales toma completamente las riendas del argumento hasta eclosionar en un explosivo final, que realmente sorprende por lo inesperado.

El talento de De Palma tras la cámara es innegable, reafirmándose en sus habituales tomas en cámara lenta de varios minutos de duración -especialmente impresionante la secuencia de escape que promedia la película- respaldadas por la excepcional banda sonora del maestro John Williams que aquí realizó uno de los mejores trabajos de su carrera.

La elección de un otoñal Kirk Douglas para el protagónico puede que parezca, a priori, una elección no muy acertada. Sin embargo esa primera impresión se diluye a lo largo del relato, revirtiéndose inclusive gracias a la fuerza que su propia experienca actoral de casi medio siglo le da a su papel, algo que muy pocos actores de su edad podrían lograr. También es destacable la labor del veterano actor y director John Cassavettes como el villano detrás de todo el drama que sufren los protagonistas y la labor de una jóven Amy Irving, quien también tuvo un papel secundario en "Carrie" y que por esa época era todo una promesa con una carrera que, como tantas otras, nunca llegó a despegar.

"La furia" no es realmente un film de terror en toda la regla y seguramente ese fue uno de los motivos por los cuales decepcionó a mucha gente. Sin embargo, resulta ser un film tan efectivo como entretenido y fue el anticipo de una seguidilla de productos que de forma directa o tangencial, tocaban la misma temática paranormal. Ejemplos de ello fueron "Scanners" (1980) de David Cronenberg, sospechosamente similar en muchos aspectos a la trama del film de De Palma, y más aún a "Ojos de fuego" (1983) basada en la novela homónima de Stephen King con una pequeña Drew Barrymore como protagonista.

"La furia" es considerado un film menor en la carrera de De Palma y suele ser bastante olvidado aún por los fans del cine fantástico, algo injusto quizás si se tiene en cuenta que su único pecado fue el ser vendida usualmente como algo que no es.

Puntaje: 7/10

Rincón de videoclub: "Wing Commander: Escuadrón espacial" (1999) de Chris Roberts

2010-06-13T22:00:00.020-03:00

Siglo XXVII. La raza humana se ha expandido por toda la galaxia y se encuentra en guerra con los Kilrathi, una raza alienigena de aspecto felino de avanzadísima tecnología que tras un ataque furtivo a una base terrestre, ha logrado apoderarse de un dispositivo capaz de permitirle a su flota armada atacar en forma directa y sorpresiva a la Tierra. La única esperanza de los terrestres para detener ese ataque reside en la reluctante tripulación de una vieja nave carguera, que hará lo posible para tratar de evitar lo que parece inevitable.

"Wing Commander" fue durante los años 90 el título de una famosa serie de videojuegos para ordenadores personales que generó millones de fanáticos alrededor del mundo. Esa fama fue la que motivó a Chris Roberts, creador y productor de la saga, a dirigir en 1999 la versión fílmica de su propia creación.

El resultado fue uno de los mas grandes fracasos cinematográficos de aquel año y probablemente una de las peores películas de ciencia ficción de la pasada década.

"Wing Commander" o "Escuadrón espacial" como se le conoció en algunos países de Sudamérica, tiene la misma profundidad argumental del videojuego en el que se basa, pero poco o nada de la diversión que la interactividad con aquel ofrecía.

Vacía de ideas toda la gracia del relato se resume en ver a un grupo de personajes estereotipados -el chico bueno con un pasado misterioso, la chica linda endurecida por la guerra, el camarada gracioso pero de una enorme valentía, etc., etc.- intentando ser creíbles metidos en un ambiente de ciencia ficción infinidad de veces visto, emitiendo comentarios y diálogos cochambrosamente gastados y rodeados de batallas espaciales que intentan emular en espectacularidad y emoción a las del videojuego pero sin lograrlo.

Los efectos especiales, que a priori deberían ser uno de los puntos fuertes en un producto de este tipo, a duras penas alcanzan a ser aceptables, evidenciando en muchas ocasiones la calidad infografica de sus diseños, sobretodo en las estructuras como naves o vehículos espaciales que lucen en su mayoría bastante mas pobres que los que se pueden ver en las últimas versiones del videojuego.

La dirección de Chris Roberts, que como guionista y director de los videojuegos uno supondría que era la persona idónea para llevar el proyecto por buen camino, no cambia en nada el hecho de que "Wing Commander" no sea capaz de evadir los parámetros más trillados del género si no que mas bien los explota hasta el cansancio, lo que hace que se quede en el debe hasta cuando es comparada con películas similares mucho mas antiguas.

Quizás sea un producto más apto para los amantes de la ciencia ficción menos exigentes o para los fanáticos mas acérrimos a la saga de juegos en los que se basa, pero aún así tengo mis dudas.

Puntaje: 4/10

Cine de terror uruguayo de primer nivel: Pronto llega "La casa muda"

2010-06-04T03:35:00.007-03:00

"La casa muda", considerada desde ya como la apuesta fuerte del cine uruguayo en un género no muy trabajado en estas latitudes, ha recibido estupendas críticas tras su presentación en Cannes y en la Quincena de Realizadores de Milán.

Dirigida por Gustavo Hernandez e inspirada en un escalofriante hecho real sucedido en la campiña uruguaya a mediados de la década del 40, "La casa muda" fue filmada en un largo plano secuencia de casi 79 minutos en el que los protagonistas, cámara en mano, van recorriendo una misteriosa casa en medio del campo en el que años atrás se produjeron una serie de misteriosos asesinatos sin resolver.

La conocida publicación "The Hollywood Reporter", la ha calificado como una "agradable sorpresa" entre otros elogios, algo que no es para nada despreciable viniendo de un medio especializado de ese calibre.

Sin fecha de estreno prevista en Uruguay -cosa a estas alturas ya rutinaria- cabe esperar que se pasee por varios festivales, acumulando los suficientes premios y reconocimientos en el exterior como para que, por arte de magia, alguien tenga la bondad de presentarla en salas de cines nacionales. Habrá que esperar pues.

De todas formas sigue siendo una verdadero alegrón ver que el cine de nuestro país comienza a arriesgarse a hacer cosas distintas alejadas de las temáticas habituales de nuestra filmografía, teniendo en cuenta que puede ser el puntapié inicial para toda una camada de producciones de ese tipo.

Felicitaciones!

"Daybreakers" (2010) de The Spierig Brothers

2010-05-25T05:34:00.011-03:00

En el año 2019, el mundo entero es gobernado por vampiros. Los gobiernos cazan indiscriminadamente a los humanos que se negaron a transformarse en criaturas de la noche, almacenándolos y utilizándolos como fuente de alimento. Sin embargo, con la raza humana al borde de la extinción, la escases de sangre comienza a producir estragos en la nueva especie dominante, convirtiendo a muchos en montruosos mutantes. El doctor Ed Dalton (Ethan Hawk) es un científico vampiro encargado de buscar un sustituto de la sangre como alimento. Su contacto accidental con un grupo de humanos fugitivos, lo llevará a una increíble revelación que podría acabar para siempre con el dominio de los vampiros del planeta.

Interesante puesta al día del tema vampírico en forma de film de acción con efectivas dosis de terror, que lo convierten en una de las mejores películas sobre el tema de los últimos años.

El original punto de partida de la premisa -el mundo entero despertando y viviendo en las noches, gobernado por políticos vampíricos que aprueban la captura de seres humanos- se mezcla con otros no tan originales que beben a raudales de varios productos de temática similar de la última década (de la trilogía "Blade: Cazador de vampiros" a "Yo soy leyenda", por nombrar solo algunos).

Existen también algunas carencias del guión, que por momentos abusa demasiado de dar por supuesto muchos de los hechos que llevaron a esa situación -¿como se convirtieron todos en vampiros? ¿fue un virus? y si se les dió a todos los humanos la oportunidad de ser vampiros ¿de que se supone que iban a vivir los vampiros ya convertidos al no haber mas humanos?-.

Sin embargo, todas las incoxistencias del guión se ven bastante compensadas por una puesta en escena futurista prolija y aceptablemente creíble, además de un desarrollo dinámico que no se descansa en diálogos inútiles si no en la concreción de numerosas secuencias de acción y terror impecablemente filmadas.

Las actuaciones en general son como mínimo aceptables, destacándose Ethan Hawk en el protagónico, Sam Neill como el villano de turno -papel que suele salirle bastante bien- y un Willem Dafoe en piloto automático, pero digerible dentro de todo.

Es una pena que en su último segmento el film decaiga bastante con respecto a su primera parte, acelerando de forma algo artificiosa los hechos para darle un final de shock a todo el asunto donde el gore más extremo toma las riendas del guión y donde las explicaciones -como la de la "milagrosa" cura del vampirismo- son totalmente dejadas de lado. No digo que el final sea malo, pero para mi gusto le faltó algo más de pulido y un poco menos de convencionalismos.

A pesar de todo, ello no desmerece el resultado global del film de los hermanos Spierig, en su segunda incursión en el género del terror tras su ópera prima del año 2003, "The Undead" (no estrenada ni editada en Uruguay) donde revisitaban el sub-género de los muertos vivientes.

"Daybreakers" es, con sus fallos y sus aciertos, una bocanada de aire fresco a un tema a estas alturas terriblemente trillado.

Sin ser una maravilla, resulta una película tremendamente entretenida que seguramente no decepcionará a la mayoría de los amantes del género.

Puntaje: 6/10

"Robin Hood" (2010) de Ridley Scott

2010-05-17T03:39:00.035-03:00

La leyenda de Robin Hood ha sido llevada al cine al menos una treitena de veces a lo largo de la historia, sin sumar las numerosas versiones televisivas y seriados basados en su figura. La versión dirigida por Kevin Reynolds en 1991 y protagonizada por un Kevin Costner en el apogeo de su carrera, fue la última encarnación fílmica del personaje y probablemente la versión más recordada por el público actual, al menos hasta hoy.
Conocida es la aficción de Hollywood por retomar temáticas y personajes cada tanto tiempo, por lo que no resulta nada raro que casi dos décadas después de la versión de Reynolds, el británico Ridley Scott vuelva al ruedo con su propia y personal visión sobre el héroe medieval y a su vez con su actor fetiche, Russell Crowe, con quien tocó la fama y la gloria absolutas hace 10 años atrás con la oscarizada "Gladiador".

Es por ello que tampoco resulta raro que desde hace bastante tiempo esta nueva versión de Robin Hood se venga promocionando como la nueva colaboración del dueto Scott-Crowe en un film épico de características similares, algo que como publicidad no está mal, pero es ciertamente engañoso. "Robin Hood" está muy lejos del nivel de "Gladiador" en casi todos los aspectos en que se les compare. No es una mala película, pero tampoco es el hito que uno podría suponer de antemano viendo los trailers publicitarios.

Es comprensible que intentando apartarse de la versión de 1991 -y de casi todas las versiones anteriores- Scott haya preferido mostrar el lado menos conocido de Hood, sus orígenes como soldado a las órdenes del rey Ricardo Corazón de León batallando durante la Tercera Cruzada, el regreso a su Inglaterra natal como caballero impostor y su encuentro con Lady Marion, cuyo romance es tan mítico como su leyenda, todo esto empotrado en un entramado de intrigas políticas palaciegas que a la postre serán el detonante que convertirán al ex-soldado cruzado en el héroe que todos conocemos. Todo esto ocupa casi el 90 por ciento de las 2 horas veinte que dura el metraje, por lo que su faceta de ladrón benefactor de los pobres, salvo brevísimos apuntes, es prácticamente pasada por alto.

La insistencia del guión escrito por Brian Helgeland en dispararle al espectador la mayor cantidad de datos históricos posibles -no demasiado rigurosos además- intentando darle a la leyenda una base real que no resulta del todo necesaria, termina atentando contra el sentido de aventura que el film debería transmitir. Y es aquí cuando uno empieza a recordar que se divirtió más con algunas versiones anteriores, en especial con la del dueto Reynolds-Costner de 1991, en la que se prefería ametrallar al espectador con secuencias de acción a aburrirlo con una data histórica que no viene al caso en un producto de este tipo.

Por otra parte, las secuencias de acción, un punto habitualmente fuerte en los films de corte épico de Scott, no están mal, pero aparecen demasiado separadas a lo largo del relato además de ser breves y poco espectaculares, algo de lo que no debería pecar ninguna batalla y mucho menos la final, que en este caso no solo es breve si no también apresurada y de a ratos confusa.

En el apartado de las actuaciones, se puede decir que todas cumplen con lo que habitualmente prometen; Crowe se reafirma como un actor al que este tipo de papeles de corte heroico le ajustan como un guante. Cate Blanchett, actriz de impecable e inmaculada imagen, le aporta a su Lady Marion toda la fuerza y convicción que uno supone un personaje como ese debe tener. También aparecen por ahí un incombustible Max Von Sidow, como padre de Lady Marion, y un William Hurt que desde hace rato parece estar cómodo funcionando como un secundario de lujo.

Scott, en su búsqueda de mantener distancia de otras versiones en base a un supuesto rigor histórico, realizó un producto técnicamente intachable pero también bastante menos ágil y, por momentos, bastante más aburrido. Algo similar le ocurrió hace unos años con "Cruzada" (Kingdom of Heaven, 2005), un film de similares rasgos épicos e impecable hechura técnica pero cuya excesiva duración -casi 3 horas!- y su compleja pero poco rigurosa reconstrucción histórica terminaban por hartar al espectador, factor que determinó que el film no tuviera la repercusión en taquillas esperada.

Como les mencioné antes, "Robin Hood" no es una mala película, pero tampoco es todo lo que promete en lo previo. Gana quizás en cuanto originalidad al apartarse un poco de lo que siempre ha mostrado Hollywood sobre el personaje, pero irónicamente, esa diferencia termina jugándole en contra.

Puntaje: 5/10

"Un desastre de película" (Disaster Movie, 2008) de Jason Friedberg y Aaron Seltzer

2010-05-08T05:43:00.020-03:00

Si debo ser sincero con ustedes estimados cinéfilos, lo pensé dos veces antes gastar bytes de mi blog y minutos de mi tiempo de vida escribiendo sobre esta... película, una denominación que le queda exageradamente grande. En realidad, me sucede lo mismo cada vez que me topo con un producto de calidad tan paupérrima.

Sucede que "Un desastre de película" es casi sin lugar a dudas, la peor parodia de la década del 2000 -y probablemente de la anterior también- y ubica a sus realizadores, Jason Friedberg y Aaron Seltzer, en el podio de los peores directores-guionistas de la historia, muy cerquita del patético Uwe Boll, lo cual hace que todo en conjunto sea casi un verdadero hito.

Hace no muchos años, Friedberg y Seltzer se atrevieron a parodiar a la magnífica "300" de Zack Snyder con su patética "Casi 300", un bodrio que ya dejaba a las claras que su talento para hacer reir en base a la explotación contínua de lo escatológico daba más asco que gracia y que se encontraban muy lejos del talento real de en quienes cláramente se han inspirado casi todos los directores que se han atrevido a hacer parodias de otros géneros fílmicos; Jim Abrahamas y los hermanos Zucker, creadores de las inimitables "Y donde está el piloto?" (Airplane, 1980) y "La pistola desnuda" (The naked gun, 1989).

Pero "Disaster Movie" supera por mucho el nivel de patetismo de "Casi 300". No es solo que su humor fallido sea exageradamente localista y plagado de toques escatológicos que no tienen la más mínima gracia, si no que en su sumatoria de gags sin sentido, el género al que menos parodia es al cual alude su título. Por que si no ¿que tienen que hacer al menos una cincuentena de sketchs sobre "Juno", "Kung Fu Panda", "Hanna Montana", "High School Musical", "Indiana Jones", "Batman", "Ironman" o "Hulk" en una película que, se supone, debe ser una broma sobre el cine de catástrofes? La respuesta es NADA.
Ya ni hablemos del guión, absolutamente inexistente, ni de las actuaciones, a cual de todas peor. Y un apartado especial para una decadente Carmen Electra, que consciente hace tiempo de sus nulas dotes actorales inversamente proporcionales a su belleza física, elige meterse en cualquier subproducto de cuarta como este por un puñado de billetes.

En fin, nada más que decir, salvo un consejo; evádanla todo lo que puedan.

Puntaje: 1/10

"The Expendables", lo último de Stallone... y esta vez no viene solo.

2010-05-01T19:29:00.015-03:00

Lo que parecía imposible hace tan solo unos años, se ha concretado.

Sly Stallone y Arnoldo Schwarzenegger juntos en una misma película!

Así es estimados cinéfilos; el producto en cuestión se llamará "The Expendables" y será, como creo que resulta obvio, un film de acción trepidante que contará a su vez con una constelación de estrellas del cine de acción de las últimas tres décadas. Podremos ver a héroes de acción de la categoría de Jet Li, Dolph Lundgren, Mickey Rourke, Jason Statham junto al mismísimo Stallone formando parte de un equipo de mercenarios contratados para una difícil misión de rescate. También se confirmaron varias apariciones especiales, entre ellas la de Bruce Willis.

Es una pena que ni Jean Claude Van Damme ni Steven Seagal, dos exponentes del cine de acción noventero, hayan aceptado la propuesta de Sly de participar en este proyecto. Una pena si, pero también muy poca visión de su parte, teniendo en cuenta que las carreras fílmicas de ambos hace bastante rato que están sumergidas en el más profundo de los olvidos y que solo productos multimillonarios y superpromocionados como este podrían hacerlas resurgir. En fin, allá ellos.

Se rumorea que también se le ofreció a Sandra Bullock un papel estelar, pero por razones no muy claras decidió rechazarlo.

Estreno probable; entre mediados y fines de este año.

Aquí les dejo algunas fotitos para ir haciendo boca.

Y para el final la mejor. ¿Díganme si no es un verdadero momento Kodak?

Poster teaser de "Scream 4"

2010-04-30T00:29:00.009-03:00

Tras el estreno de "Scream 3" en el año 2000, que cerró la trilogía iniciada en 1996, no fueron pocos los rumores de que mas tarde o más temprano habría una nueva secuela. Lo cierto es que ya para la tercera entrega, la idea se había agotado bastante ya que ambas secuelas, sin llegar a ser un desastre total y seguír conservando algo del primigenio humor referencial al género, eran cualitativamente muy inferiores a la original.

Resulta lógico que Wes Craven haya dejado descansar su invento una década entera, algo que le sirvió para poder anunciar esta cuarta entrega a estrenarse el año próximo. Poco se sabe de la forma en la que Craven planea resucitar su creación -o más bien alargarla- salvo que el guión será escrito por el especialista Kevin Williamson, ícono del cine de terror de los años 90 y autor del script de las tres primeras películas.
También se ha confirmado que volverán a repetir sus mismos papeles Neve Campbell, Courtney Cox y David Arquette aunque no se sabe si como protagonistas o simplemente como secundarios.

Como reza el mismo cartel oficial que les dejo abajo, en abril de 2011 tendremos todas las respuestas. A esperar pues.

"Furia de Titanes" (Clash of the Titans, 2010) de Louis Leterrier

2010-04-20T02:51:00.028-03:00

Perseo, hijo ilegítimo del dios Zeus, jura venganza contra los dioses del Olimpo tras ver como su familia adoptiva es asesinada por Hades, dios de la muerte y hermano de su padre. Por ese acto de maldad, Perseo rechaza su condición de semidios y comienza su periplo por tierras desconocidas en busca de aliados y armas que le ayuden en su misión de destruir a los dioses.

Hace unos cuantos meses comentaba aquí mismo mis impresiones sobre la primera versión de "Furia de Titanes", película de 1981 que pasó sin demasiada gloria por cines en su momento y bastante vetusta aún para su época en casi todos los aspectos, especialmente en sus rubros técnicos.

Como era esperable dada la fiebre hollywoodense de tomar productos de su propia factura de hace 20 o 30 años y adaptarlos a los tiempos actuales con la excusa de mejorarlos -cosa muy poco frecuente-, "Furia de Titanes" no fue la excepción a la regla y luego de una larguísima campaña publicitaria promocionandola como si de una nueva "300" se tratase, llega a los cines esta nueva versión en formatos 2D y 3D a gusto del consumidor.

Yo la vi en su versión 2D, y por lo que he escuchado y leído en estos días no me parece que haya demasiada diferencia con su versión tridimensional, algo de lo que se han quejado no pocos espectadores. De todas formas, poco afecta este detalle a la calidad de la historia que nos narra que es prácticamente la misma que la de la versión de 1981 -el mito algo distorsionado del semidios Perseo- con mínimas alteraciones, casi todas ellas centradas en la aparición de un personaje inexistente en la original; el dios Hades, interpretado por Ralph Fiennes, que aquí oficia de villano y principal contrincante del protagonista.

Los motivos del Perseo interpretado por Sam Worthington para emprender su aventura son también un poco diferentes a los del mismo personaje en la versión original, pero fuera de ello no hay mas diferencias. El resto es un compendio de todo lo bueno y lo malo que el film de los años 80 ofrecía. Eso sí, mejorado desde lo visual por obvias cuestiones de evolución tecnológica pero que poco ayudan a mejorar el ritmo de la aventura que se ve lastrada por demasiados diálogos, algunos personajes intrascendentes y por algunas humoradas muy breves y poco efectivas que son más bien guiños a la versión del año 81 -la más obvia, el búho mecánico encontrado por Perseo entre unos trastos viejos, personaje que en la película original tenía una función más bien cómica-.

Lo mejor del film como historia sigue siendo lo mismo que lo de la versión ochentera; algunas secuencias de acción sueltas, como la batalla con los escorpiones gigantes, el final con el monstruoso Kraken destruyendo la ciudad de Argos, pero especialmente la secuencia en la guarida de Medusa, de un suspenso notablemente sostenido y solo perjudicado por el diseño de la monstruosa criatura que canta a la legua ser un producto de la animación digital, poco convincente si se le ve de demasiado cerca, cosa que, irónicamente, la hace mucho menos efectiva que el muñeco de stop-motion que Ray Harryhausen creó para la primera versión que resultaba mucho mas siniestro y amenazador.

En el apartado de las actuaciones, son en general parejas y ninguna opaca a ninguna. SamWorthington, un actor de meteórica y ascendente carrera tras sus protagónicos en "Terminator: Salvación" y "Avatar", está bien como héroe y aunque seguramente había mejores actores para el papel, igual convence aunque con el mínimo aceptable. Liam Neeson le da toda su enorme postura actoral y física a un Zeus que encajado en una armadura plateada se parece más a un Caballero del Zodíaco que a un dios griego. Ralph Fiennes, que tras encarnar al Lord Voldemort de la saga Harry Potter se ve que se está acostumbrando bastante a esto de hacer de villano. La precisosa Gemma Arterton, otra actriz de carrera ascendente, aporta su belleza y sensualidad aunque por momentos uno sienta que sale sobrando en determinadas situaciones. La dirección de Louis Leterrier es infinitamente mejor que la de Desmond Davis en el film original, a pesar de que no se esmeró demasiado en intentar pulir un poco más el guión que le ofrecieron dirigir.

Esta nueva versión de "Furia de Titanes" no pasa de ser una mejora de un producto que era fácilmente mejorable, pero que deja la sensación al terminar de que podría haber sido mucho mejor si se hubieran resumido -o directamente eliminado- párrafos enteros del guión que hacen que la historia se vuelva demasiado aburrida de a ratos.

No se puede decir que sea un mal entretenimiento, pero todo lo que prometía de notable su trailer promocional se queda solo en la promesa dejando a la película en un producto a duras penas meritorio pero totalmente olvidable y pasatista.

Puntaje: 5/10

"El juego del miedo 6" (Saw 6) de Kevin Greutert

2010-04-02T14:58:00.019-03:00

Sin lugar a dudas, "El juego del miedo" ya ha roto varios records dentro del género terrorífico. No solo es la saga más larga del cine de terror de lo últimos 20 años, si no que seguramente también sea la más sangrienta y , salvando algunas pifias y redundancias, la de mejor calidad a niveles globales.

Ello no quita que desde la tercera entrega la saga haya decaído bastante repitiendo una y otra vez el molde generado por las dos primeras entregas, con unas pocas variaciones que no sirvieron para insuflarle demasiado aire nuevo al asunto. Una de ellas fue la muerte del asesino conocido como "Jigsaw" (Tobin Bell en el papel de su vida seguramente) y el pasaje de la posta del sangriento juego a las manos de un nuevo personaje; el agente del FBI Mark Hoffman (Costas Mandylor). Sin embargo, Hoffman no poseía ni el carisma ni el gancho que el asesino original tenía, por lo que el cambio resultó muy criticado por los fans del producto y además repercutió negativamente en el contexto de la historia.

Es por ello que esta sexta entrega resulta algo mejor que las tres últimas, ya que intenta hacer que el Jigsaw original retome en cierta medida el protagonismo perdido. Para ello, el director Kevin Greutert se vale una vez más del remanido recurso de los flashbacks -recurso que, todo hay que decirlo, resulta ya sobreexplotado a un punto tal que exige del espectador algo más que memoria para recordar de cuales secuelas fueron extraídos- pero también de las alucinaciones y recuerdos de algunos personajes que sirven para revelar algunos aspectos nunca aclarados sobre el doctor John Kramer y su alterego asesino, Jigsaw.
Hay también otros vericuetos argumentales que sin ser innovadores ayudan a darle más interés y suspenso a la trama, como la encrucijada en la que se ve inmerso el agente Hoffman cuando sus colegas se acercan a la verdad, lo que desencadena una serie de hechos que probablemente serán el punto fuerte desde el cual re-enganche la séptima entrega ya en preparación.

Por lo demás solo decir que los niveles de truculencia siguen siendo altísimos -especial atención a la secuencia de apertura, seguramente la más sangrienta de toda la serie- por lo que dudo que los aficionados al gore mas extremo queden decepcionados.

A pesar de todo lo positivo que tiene esta nueva secuela llegó demasiado tarde a una saga que perfectamente podría -y debería- haberse quedado en el formato de la trilogía.

Puntaje: 5/10

"Vivir al límite" (The hurt locker) de Kathryn Bigelow

2010-03-20T01:13:00.035-03:00

El sargento William James llega a Irak para formar parte de un grupo de comandos especializados en la desativación de trampas explosivas. Las numerosas misiones que deberá cumplir le irán descubriendo la realidad de un conflicto del que parece no haber salida.

"Vivir al límite" es una de esas películas que habitualmente encantan a los críticos de cine de todas partes pero que a pesar de ser multipremiada en cada festival que se presenta, igualmente resulta bastante ignorada por la mayoría del público. Prueba de ello es el pésimo resultado en taquilla que tuvo en Estados Unidos donde apenas logró recuperar el costo total de su realización.

Es quizás, y probablemente, algo injusto para un film que más allá de los premios recibidos -que pueden ser merecidos o no, eso es discutible- no promete más de lo que termina dando. Muchos de los detractores de la multipremiada película de Kathryn Bigelow le achacan el hecho de no ser un producto políticamente jugado en ningún aspecto, cosa que es cierta. Al film de Bigelow no le interesa condenar ni criticar la ocupación del ejército estadounidense de Irak sino que se limita a mostrar en acción a un grupo de soldados operando lejos de su país, con sus miedos y sus dudas, sin juicios de valor sobre sus actividades y lejos de las estridencias habituales del cine de acción hollywoodense.

"Vivir al límite" se compromete exclusivamente con lo que narra y con sus protagonistas, con nada más. El resultado es una película de guerra que funciona correctamente como tal, en buena medida por el estilo pausado y casi documental por el que Bigelow optó para narrarla que le funciona bastante bien y que salvando algunos bajones de ritmo esporádicos, mantiene la tensión durante casi todo su desarrollo. No hay una historia lineal pero si un personaje central; el soldado William James (Jeremy Renner, en una buena actuación aunque dudosamente merecedora de la nominación al Oscar que obtuvo por la misma) personaje a través del cual vemos diferentes facetas del conflicto en el que está envuelto así como las motivaciones personales que lo impulsan -como a sus compañeros- a continuar peleando una guerra que poco le interesa pero que íntima e irónicamente siente como un motor para su vida. Tampoco hay un comienzo y un final como los que habitualmente el espectador medio concibe como tales -de hecho, el final de la película es prácticamente el comienzo- ya que todo el relato funciona como un conjunto de viñetas, de pequeñas misiones que los protagonistas deben realizar con breves intervalos entre ellas que sirven para presentar algunas facetas personales de los personajes centrales que ayudan a darle cierta de dimensión a los mismos.

El trabajo de Bigelow es tan correcto como efectivo, pero a mi juicio dista mucho de ser merecedor de un premio de la Academia. Lo mismo se puede decir de su película, que está lejos de ser un nuevo "Pelotón" (1986) o "Nacidos para matar" (1987) películas referenciales del cine bélico posterior a su realización y que a diferencia del film de Bigelow prefirieron exponer una severa crítica sobre un conflicto bélico en particular y sobre la vida militar en general. Por el contrario, la directora se mantuvo muy lejos de esa intención y se concentró exclusivamente en resolver las diversas secuencias de acción de la manera más pulcra posible al punto que estética y emocionalmente resultan casi perfectas.

Más allá del merecimiento o no de los premios que recibió, "Vivir al límite" funciona correctamente como film de acción. No busca crear polémicas, ni discusión, ni tampoco ofrece salidas o reflexiones sesudas sobre los por qué de un conflicto que a estas alturas parece eterno, pero tampoco tiene la obligación de hacerlo. Seguramente no pasará a la historia de lo mejor del cine bélico, pero es indudable que es un producto bien filmado y bastante entretenido. Yo diría que con eso ya es suficiente.

Puntaje: 6/10

"Solo para parejas" de Peter Billingsley

2010-03-15T01:09:00.022-03:00

No hay caso. El género de comedia norteamericano sufre del mismo agotamiento general que casi todos los demás géneros y parece hundirse cada vez más en un pozo del que aparentemente le es difícil salir. Es por ello que cuando nos llegan honorables excepciones como la muy valorable "¿Qué pasó ayer?" (2009) y alguna otra de calidad similar, uno sienta que deba aprovechar al máximo la experiencia de visionarla.

Pero con "Solo para parejas" se da el caso inverso. Un producto que de forma inexplicable se está proyectando en cines de todas partes pero que perfectamente podría -y debería- haber sido editado directamente en dvd dejándole la oportunidad a otras películas de más valor ser estrenadas. Por que "Solo para parejas" es una pobrísima propuesta reidera -si se le puede llamar asi- que nos vuelve a traer al Vince Vaughn de siempre, un actor que incompresiblemente se ha perfilado desde hace pocos años como uno de los nuevos talentos cómicos hollywoodenses, pero con el plus de haber participado en el guión junto con el también protagonista y aún menos gracioso Jon Favreau y la guionista Dana Fox. Ninguno de estos nombres son una promesa de talento a la hora de hacer reír, así que no es de extrañar que los resultados de esta comedia exageradamente localista y muy mal rumbeada, hayan resultado tan anémicos en todos los sentidos.

La historia de cuatro parejas que por pedido y recomendación de una de ellas deciden viajar de vacaciones a una paradisíaca isla en la que se ofrece un programa de "mejora" de la vida matrimonial -de ahí lo de solo para parejas- promete poco de entrada y, para peor, lo poco que promete se va diluyendo rápidamente a lo largo de las larguísimas dos horas que dura el asunto. Prácticamente no hay en todo ese tiempo ninguna ocurrencia que se pueda llamar realmente graciosa -salvo quizás la secuencia de la clase de yoga y alguna más perdida por ahí- lo que hace que la película mantenga olímpicamente su chatura durante sus 120 minutos . El elenco tampoco ayuda mucho y el solo hecho de ver al veterano Jean Reno haciendo de francés pirado, en un papel secundario bochornoso que termina de hundir definitivamente su carrera en Hollywood, remata toda expectativa que uno pueda tener de que la cosa mejore.

Como consuelo quizás para el público masculino, por ahí están las preciosas Malin Akerman y Kristen Bell en unos protagónicos de puro adorno que al menos entretienen la vista.

Para colmo de males, el remate final típico y de fórmula en este tipo de comedias berretas, trata de exaltar la vida matrimonial más allá de cualquier escollo de una forma tan ingenua y apresurada que bordea el ridículo. La dirección de Peter Billingsley, actor secundario devenido en director con una notoria inexperiencia tras las cámaras, no ayuda para nada tampoco haciendo que el ya de por sí pobrísimo timing cómico del guión denote aún mas su carencia de ideas.

Seguir hablando de "Solo para parejas" sería repetir una y otra vez lo aburrida que resulta a todos los niveles. Lo mejor que tiene -que es poquísimo- puede verse compendiado en su trailer promocional.

Sin dudas, de lo peor de este año estrenado en salas.

Puntaje: 3/10

"Al filo de la oscuridad" de Martin Campbell

2010-03-07T03:53:00.020-02:00

Inspirada en una famosa serie de televisión británica ochentera -prácticamente desconocida fuera de su país de origen- "Al filo de la oscuridad" comienza cuando el detective de homicidios Thomas Craven (Gibson) presencia el asesinato de su propia hija. En su desesperación y dolor, Craven inicia una investigación personal en la que descubre que lo que parecía un atentado fallido contra su vida, es en realidad parte de una conspiración que involucra a su hija con el tráfico ilegal de armas y con encumbrados miembros del gobierno que harán lo imposible para cubrir sus oscuras negociaciones.

"Al filo de la oscuridad" marca el regreso a la actuación de Mel Gibson tras ocho años de ausencia frente a las cámaras. No fueron años sabáticos exactamente, ya que en ese tiempo preparó y dirigió la muy controvertida "La pasión de Cristo" y la entretenida "Apocalypto", ambos sendos ejemplos de su talento para la dirección.

Si bien es cierto que Gibson como actor no tiene que probarle nada a nadie -casi 30 años en el negocio no son moco de pavo- creo que el haber elegido "Al filo de la oscuridad" como llamador para su regreso no fue de las elecciones mas acertadas de su carrera.

Que no se me mal entienda; "Al filo de la oscuridad" no es una mala película, pero no lo es en buena medida porque Gibson está en ella y lleva sobre sus hombros casi toda la carga del producto, un producto cuyo argumento, a pesar de empezar bien y con fuerza, comienza a desbarrancarse hacia su primer cuarto de hora a un punto medio entre el no saber como seguirla al relleno de minutos en base a pura cháchara. Y ahí está su principal falla; las impactantes escenas de acción, que nos presentan a un Gibson expeditivo y casi sádico como el que hace años le vimos en la mucho mas divertida "Revancha" (2000), son tan esporádicas y distanciadas entre si que pierden la efectividad que podrían haber tenido de no ser por la excesiva carga verborrágica del argumento, que en busca de complicarlo todo fabricando conspiraciones sobre mas conspiraciones, termina haciendo demasiado larga una historia bastante rutinaria y predecible que bien se podría haber contado en media hora menos.

La dirección de Martin Campbell, un especialista en cine de acción que cuenta en su curriculum con la resurrección de el Zorro en "La leyenda del Zorro" del año 2005 y del nuevo James Bond en "Casino Royale", es solo correcta pero intachable, ya que con el material con el que contaba su talento detrás de las cámaras poco podía hacer.

También es destacable la labor de Ray Winstone, veterano actor inglés que aquí interpreta a un críptico agente encubierto, encargado de "limpiar" el camino de la gente poderosa para evitar cualquier sospecha sobre sus crímenes, una tarea que ya no lo complace y que al punto del hartazgo comienza a actuar más regido por su conciencia que por las órdenes de sus superiores.

En definitiva, "Al filo de la oscuridad" es un film bastante irregular. Su demasiado alargado juego de conspiraciones políticas y venganza resulta algo demasiado visto y poco original, al punto que aburre por momentos tanto como impacta en otros pero en un desbalanceado equilibrio que termina jugándole en contra y que solo salva parcialmente la fuerte presencia en pantalla de un Mel Gibson que, aún saliendo airoso de este trance, debería empezar a elegir mejor sus papeles futuros.

Puntaje: 4/10

"Terror en la Antártida" (Whiteout) de Dominic Sena

2010-03-03T01:59:00.017-02:00

Otra de las grandes decepciones de lo que va del 2010, "Terror en la Antártida" pasó sin pena ni gloria por cines locales y rápidamente fue editada en dvd, medio en el que aparentemente está teniendo bastante más éxito.

Los intentos de su engañosa publicidad previa, que pretendían venderla como un film de terror con ribetes fantásticos aderezado por secuencias de acción de alto nivel, muy en la onda "The Thing" de John Carpenter o similares, no dieron resultados y tanto público como crítica le dieron la espalda.

"Terror en la Antártida" no es otra cosa que un thriller policial cuya principal particularidad es el desolado escenario antártico en el cual se desarrolla y cuyos peligros naturales son en buena medida parte de su atractivo. Basada en la novela gráfica "Whiteout" publicada en 1998, la historia nos presenta a Carrie Stetko (Kate Beckinsale) una agente federal asignada a representar la ley y el orden en una base polar durante dos años. A pocos días de abandonar la base antes de la llegada del cruel invierno polar, una cadena de misteriosos asesinatos relacionados con un raro hallazgo en medio de la nieve harán que la agente Stetko inicie una carrera contra reloj para averiguar quien está detrás de los crímenes. Igual de lineal que el argumento de la historieta en la que se basa, su principal virtud es serle bastante fiel en ese y en casi todos los demás aspectos. No hay grandes sorpresas en su desarrollo ya que desde el inicio cualquier espectador mas o menos curtido en este tipo de películas puede deducir de que va el asunto y los motivos potenciales por los cuales el misterioso asesino está eliminando personas. El director Dominic Sena, ferviente admirador de la obra impresa, luchó durante años para llevarla al cine y dirigirla. Es una pena que no lo haya logrado una década atrás, cuando probablemente un film con estas características hubiese funcionado un poco mejor al no tener que competir con tantos productos de suspenso similares.

La actuación de Beckinsale -cada vez mas peligrosamente encasillada con este tipo de papeles de mujer ruda- está dentro de los estándares de lo que ya le vimos en otras películas suyas, sobre todo en la saga "Underworld", por lo que se puede decir que cumple y poco más. La dirección de Sena es correcta más allá de que por momentos parece que estuviera dirigiendo un telefilm caro, pero dudo mucho que el mismo material en manos de otro hubiese arrojado resultados mucho mejores.

"Terror en la Antártida" no es un film aburrido, pero si rutinario, cosa que comparte con la novela gráfica en la que se basa y de la cual podría haber tomado otras lineas argumentales que lo hubiesen hecho algo mas jugado y atractivo, como la sugerida bisexualidad de la agente Stetko, elemento eliminado en la adaptación al cine presumiblemente en aras de mantener una corrección política que se antoja algo pacata en los tiempos que corren.

De todas formas si bien no es de lo mejor, "Terror en la Antártida" tampoco es de lo peor del cine de suspenso reciente, y si uno es capaz de obviar la pretensiosidad nunca cumplida de su propuesta, bien puede amenizar una tarde de domingo frente a la pantalla del televisor.

Puntaje: 5/10

"El hombre Lobo" de Joe Johnston

2010-02-21T13:06:00.016-02:00

Mucho prometía esta nueva versión del clásico de George Waggner de 1941, "El hombre lobo" protagonizada en aquel entonces por Lon Channey Jr. y el legendario Bela Lugosi.

Tal vez ese fue el motivo por el cual esta versión actualizada del mítico film no funcionase como se esperaba que lo hiciera, porque lejos de ser la versión "definitiva" sobre esta terrorífica leyenda, como tanto se cacareaba bastantes meses antes de su estreno, no es mas que una versión prolija pero descafeinada y lineal de la película original, que buscando homenajearla a como de lugar olvida que han pasado ya 70 años desde entonces y muchas de sus ideas básicas -desde la apariencia del monstruo protagonista, casi un calco de la del film del 41, a muchísimos de sus mecanismos para generar miedo- han quedado defasadas, haciendo que el film de Joe Johnston a penas sea una pálida imagen de lo que tanto prometía.

No es culpa de Johnston, director de segunda unidad de Steven Spielberg que dirigiera hace unos años la tercera entrega de "Parque jurásico", si no del guión que le tocó en suerte dirigir, absurdamente anticuado para los tiempos que corren hasta en el reservado de los ya acostumbrados efectos digitales, que por momentos parecen de hace 10 años atrás.

El otro problema es el protagonista, un Benicio del Toro que sencillamente no da la talla con el papel que debe representar y que parece en todo momento disperso, como preguntándose que rayos hace ahí. Supongo que el que sea uno de los productores del film algo tuvo que ver.

Hugo Weaving -el ya para siempre recordado agente Smith de "Matrix"- está bien en su papel de investigador-cazador, pero no descolla ni da todo lo que uno sabe que podría darle al papel.

Pero no todo es malo. Anthony Hopkins con su sola aparición ya da una lección de lo que es tener presencia en pantalla, amén de que su papel está demasiado cantado desde el vamos. Por su parte, la hermosa y delicada Emily Blunt cumple con lo suyo, que tampoco es mucho y que funciona mas como un ornamento sentimental que otra cosa.

La banda sonora a cargo del casi siempre impecable Danny Elfman, un músico que ha dado lo mejor de sí en películas como "Batman" (1990), es portentosa y efectiva, aunque es imposible obviar que muchos de sus acordes recuerdan demasiado a los que Wojciech Kilar compuso para la estupenda "Drácula" que dirigiera Coppola en 1992.

En definitiva, "El hombre lobo" es una remake que, a pesar de intentar actualizar algunos planteos del original -sobre todo en lo referente a la carga sangrienta, inexistente en la película de 1941- no logra atrapar casi en ningún momento y uno siente que es algo ya tan visto que casi puede adivinar lo que sucederá secuencia tras secuencia.

Un mito tantas veces usado por Hollywood en películas realmente sorprendentes como "Un hombre lobo americano en Londres" (1980) o "Aullidos" (1983), films que actualizaron la leyenda al punto que fueron el mojón de referencia para buena parte del cine de terror que vino en los años siguientes, se merecía algo mucho mejor.

Así como está deja la impresión de haberse quedado en la promesa de algo que no fue.

Puntaje: 4/10

"Camino hacia el terror 3" (Wrong turn 3) de Declan O'Brien

2010-02-15T05:23:00.025-02:00

No hay quien pueda poner en dudas a estas alturas, que las sagas de terror son un filón muy redituable para el Hollywood actual que no se amilana en absoluto en convertir un título pequeño y de poco presupuesto en el inicio de una trilogía, tetralogía o lo que más le convenga. Ahí tenemos de ejemplos a la ya muy estirada saga "El juego del miedo" (Saw) en su sexta parte o "Destino final" en su ya cuarta versión.

En el año 2003, aparecía un nuevo título que con el correr de los años tendría el mismo destino; "Camino hacia el terror" (Wrong turn), film de horror survival deudor de títulos tan emblemáticos como "El despertar del diablo" (The hills have eyes) en cualquiera de sus versiones, en el que un grupo de jóvenes estereotipos perdidos en la espesura del bosque en el cual excursionaban terminan siendo cazados por una familia de mutantes caníbales. A pesar de lo trillado de la idea la misma funcionó con bastante éxito, lo que motivó una secuela aún mas sangrienta,"Camino hacia el terror 2: Final Mortal", que a pesar de ser argumentalmente bastante mas trabajada y mucho mas entretenida que la anterior, no pasó por cines y se editó directamente en dvd.

El éxito de esa segunda entrega dió origen a una tercera, recientemente editada en Uruguay en formato dvd con el mas que evidente título de "Camino hacia el terror 3". La idea base es la misma de los films anteriores, al punto que sus primeros minutos son casi un calco. Pero pasado ese tramo la cosa cambia para mal. Y yo diría que para muy mal.

En esta ocasión, los protagonistas de la salvaje cacería mutante no son unos jóvenes sedientos de sexo y aventuras, sino un grupo de violentos presidiarios y sus custodios policiales que durante un traslado hacia una nueva prisión, son atacados en medio de la noche por un deforme caníbal que tras sacar el autobús que los transporta fuera de la carretera comenzará a eliminarlos uno por uno. Pero esa no será la única amenaza para los protagonistas, ya que a sus odios personales se sumará la misteriosa aparición de un viejo botín de millones de dólares que fomentará la codicia entre ellos.

En definitiva, lo que "Camino hacia el terror 3" propone es un intento por querer diferenciarse de sus antecesoras con una mezcla que incluye lo peor de "El fugitivo" con films de persecución policial similares, aderezado muy de a ratos por chispazos de terror truculento.
Y éste es el principal defecto del film de Declan O´Brien; la mayor parte del metraje se centra casi exclusivamente en el enfrentamiento entre los personajes centrales -policías y presidiarios- tanto por sus diferencias personales como por el dinero que sin demasiadas explicaciones aparece en medio de la nada, dejando muy en segundo plano el elemento terrorífico que queda relegado a un único(!) mutante absolutamente payasesco y nada aterrador.

La película se empieza a hacer demasiado larga antes del primer cuarto de hora y a pesar de que su carga sangrienta es bastante alta para ese entonces, no basta para tapar las notables carencias de un relato aburrido y por momentos absurdo, que abusa en exceso de los efectos digitales -muy pobremente realizados por otra parte- y decepcionante en todos los sentidos teniendo en cuenta la buena calidad de los dos films anteriores que con presupuestos igual de bajos lograron resultados mucho mejores.

Un producto de terror olvidable, que no creo que dé ni para los incondicionales del género, ni siquiera para los de la saga.

Puntaje: 3/10

Rincón de videoclub: "Batalla mas allá de las galaxias" (Battle beyond the stars, 1980) de J.T.Murakami

2010-02-08T05:04:00.011-02:00

A comienzos de los años 80 el cine de ciencia ficción estaba notablemente influenciado por el arrasador éxito de "La guerra de las galaxias" de George Lucas. Esto quedó evidenciado por la enorme cantidad de producciones del mismo género realizadas en los años siguientes, la mayoría de ellas clónicos de calidad paupérrima salvando algunas excepciones.

"Batalla mas allá de las galaxias" es probablemente, pero no por mucho, una de esas excepciones. No resulta nada raro que un productor con el olfato oportunista de Roger Corman se haya querido poner bajo la sombra del éxito del film de Lucas, produciendo un film de similares características que incluyen todos sus tópicos; batallas espaciales, criaturas alienigenas varias, robots, malos muy malos y buenos muy buenos. Claro que todo ello realizado con un presupuesto 150 veces menor al que tuvo Lucas para su mítica creación. El resultado fue un producto que en algunos momentos luce bastante cuidado en sus aspectos técnicos, sobre todo en lo referente a decorados e interiores -al menos para la época- y en otros lamentablemente no tanto, siempre manteniéndose dentro de los cánones de la serie B.
Corman contrató los servicios del veterano guionista Walter Sayles para escribir un guión que estuviera a la altura del producto a clonar. El problema es que Sayles se limitó a recibir su cheque sin quemarse demasiadas neuronas en el proceso de creación porque "Batalla mas allá de las galaxias" no es otra cosa que una translación en clave de space-opera de "Los siete magníficos", uno de los más emblemáticos westerns de los años 60 a su vez inspirado en "Los siete samurais" de Akira Kurosawa, dando como resultado una historia de ciencia ficción resultona de a ratos pero poco original.

La cosa va de un pequeño y pacífico planeta llamado Akir el cual es amenazado por el malvado Saidor de los Malmori (John Saxon), un lider guerrero que se traslada por el espacio con su ejército de mutantes a bordo de una poderosa nave equipada con un arma capaz de destruir un planeta de un solo disparo -cualquier semejanza con la Estrella de la Muerte de "Star Wars" no debe ser mera coincidencia-. Los habitantes de Akir tienen seis días para buscar ayuda antes de su llegada por lo que un joven guerrero (Richard Thomas) es enviado a buscar aliados fuera de su planeta para combatirlo.

La búsqueda del protagonista por toda la galaxia dará sus frutos, logrando reunir a un tan improbable como variopinto grupo de guerreros espaciales que van desde un cowboy terrestre -interpretado de muy mala gana por George Peppard años antes de hacerse famoso por el seriado "The A-Team" o "Los Magníficos" como se conoció en Uruguay y en otras partes-, pasando por un cazador de recompensas solitario interpretado por un Robert Vaughn en total decadencia, a una voluptuosa guerrera valkyria interpretada por la nada pudorosa Sybil Danning, una habitual en el cine fantástico de clases B y Z de la época, entre otros tantos personajes alienigenas a cual de todos mas carnavalero.

No hay demasiada seriedad ni atención en la elección de los personajes, lo que demuestra el pobre trabajo creativo de Sayles a la hora de escribirlos que parece haber pensado que lo más importante era la diversidad de los mismos, por mas ridículos que resultaran, a que fueran medianamente creíbles para el público.
Por otro lado, las actuaciones van de irregulares a directamente malas, y salvando el trabajo de Thomas como héroe y el de John Saxon como villano, el resto la verdad que es bastante olvidable.

El otro punto negativo es el tramo final, con varias batallas que se desarrollan tanto en tierra como en el espacio, momento en el que las carencias presupuestarias se hacen más evidentes a cada minuto. Deja toda la impresión que el dinero ya se venía acabando para ese entonces, por lo que el director J.T. Murakami -un especialista en cine animado devenido en director- decide recurrir a viejos trucos de abartamiento, como repetir durante las batallas las mismas secuencias de naves disparando y explotando una y otra vez. Para colmo, hay una alarmante baja en la calidad de los efectos especiales a nivel general con respecto a los de la primera mitad de la película y una cantidad innecesaria de planos de los diversos personajes emitiendo comentarios gastados e intrascendentes o con reacciones insólitas en momentos totalmente inadecuados -la secuencia del cowboy de Peppard tocando la armónica a bordo de su nave mientras cae en combate trata de parecer heroica, pero luce casi surrealista-.
Al menos, la música del joven compositor James Horner, que años después alcanzaría la gloria tanto artística como profesional gracias al blockbuster "Titanic" de James Cameron, eleva en algo la dignidad de esas secuencias así como la del conjunto.

Es una pena que ni Sayles ni Corman hayan afinado un poco más tanto la calidad del guión como el uso del presupuesto con el que contaban, porque el resultado final quizás hubiese sido algo mucho mas digno que lo que terminó siendo.
De todas formas, no puedo decir que sea un producto aburrido y menos aún para quienes gustan de la ciencia ficción de clase B. Pero al quererse tomar tan en serio a sí mismo pretendiendo emparentarse con lo que no puede "Batalla mas allá de las galaxias" termina quedando como el primo pobre de "Star Wars", a muchísima distancia de la adrenalina y fuerza que el film de George Lucas siempre ha tenido y aún tiene.

Puntaje: 5/10

"Destino Final 4" (The Final Destination) de Eric Bress y David R. Ellis

2010-02-03T18:00:00.007-02:00

Nick O´Bannon y sus amigos asisten a una carrera de autos Nascar en el circuito de alta velocidad McKinley. Sin embargo, lo que prometía ser una tarde de emociones se convierte en pesadilla cuando Nick tiene una visión premonitoria en la que un terrible accidente entre todos los autos que compiten acaba matando a todos los asistentes. Nick convence a su novia y amigos de salir del circuito tras lo cual se produce el brutal accidente en el que mueren docenas de personas.
Todos creen que la visión de Nick fue un milagro y que la vida les ha dado una nueva oportunidad. Sin embargo, la muerte les tiene preparado un nuevo y terrible destino a todos.

Cuarta entrega de la saga iniciada en el año 2001 por Glen Morgan y James Wong y que innova poco y nada con respecto a las anteriores. La gracia del asunto es la misma de siempre; grupo de sobrevivientes de algún tipo de catástrofe que creyendo ser afortunados por haber escapado de una muerte segura, comienzan a ser perseguidos por la mismísima Parca que los elimina en el mismo orden en el que debieron haber muerto. La única forma de burlar su mortal destino es intentar romper la cadena de muertes original.
Manteniendo la misma mecánica de los films anteriores y muchos de sus elementos básicos -la ominosa presencia del número 180 como presagio de muerte, entre otros- la principal fuerza de "Destino final 4" como divertimento se centra en las distintas formas de morir de sus personajes centrales -que aunque cada vez más rebuscadas no por ello menos originales- y en las desesperadas acciones de sus protagonistas para evitarlas.

Filmada en principio para ser visionada en cines bajo el sistema 3D -recurso que originalmente iba a ser utilizado en la tercera entrega- no hay mayores sorpresas en su desarrollo y aunque resulta igualmente divertida, probablemente sea la más floja de las cuatro entregas.
De todas formas, sigue siendo una propuesta de terror de consumo rápido y aceptable, sobre todo si se disfrutó con las entregas anteriores.

Puntaje: 5/10

"Amor sin escalas" (Up in the air) de Jason Reitman

2010-01-25T10:35:00.016-02:00

Recién al terminar de ver "Amor sin escalas" uno puede entender el motivo del enojo de quienes aseguran que el título al castellano de "Up in the air" es tan ridículo como poco apropiado. En efecto. Lejos de ser un film romántico como engañosamente los tituladores al castellano del mismo nos quieren sugerir, "Up in the air" -como me referiré de aquí en mas al producto en cuestión- es en realidad una comedia dramática inspirada en la actual situación de crisis que vive el país inventor del dólar.

George Clooney interpreta a Ryan Bingham, un especialista en reducción de personal que recorre en avión los Estados Unidos -de ahí el "arriba en el aire" del título original en inglés- avisando a los desafortunados empleados de las empresas que contratan sus servicios que han sido despedidos. Absolutamente frio y metódico, sus constantes viajes hacen que prácticamente no tenga un domicilio permanente. Su única relación amorosa mas o menos regular y muy libre, se basa en encuentros programados mediante agenda electrónica. Su única afición -si asi se le puede llamar- es acumular millas de viajero, con la única finalidad de formar parte de un club de 6 o 7 miembros de viajantes exclusivos. Su mundo de relaciones personales es pequeño y se limita a unas pocas reuniones en su lugar de trabajo y a unas cuantas llamadas a su familia cada tanto.
Sin embargo, su medido mundo de horarios, vuelos y hoteles comienza a temblar cuando una jóven empleada recién contratada por su empresa (una estupenda Anna Kendrick) intenta imponer un nuevo sistema de despidos via internet que acabaría con esa vida de viajes contínuos a la cual ya está totalmente acomodado. Ante el rechazo de Bingham al sistema, su superior decide que su recién incorporada compañera de trabajo viaje con él para ganar experiencia y, al mismo tiempo, para comprobar la viabilidad de esa nueva forma de "terminar" empleos.A partir de ese momento, el film de Jason Reitman (hijo del conocido director de comedias Ivan Reitman) se convierte en una especie de road movie aéreo, donde ambos personajes aprenderán algunas cosas del otro y también de ellos mismos.
Reitman ya había destacado hace un par de años con el inesperado éxito de "Juno", un film independiente que sin ser nada del otro mundo llegó a competir por el Oscar. Pero "Up in the air" es un film mucho mas maduro y mejor concebido que aquel, en buena medida gracias a la prolija adaptación firmada por el propio Reitman de la novela de Walter Kirn en la que se basa.
Sin embargo, es en la actuación de George Clooney que reposa buena parte del valor de un film que, mas allá de sus valores propios, no tiene nada especialmente nuevo con respecto a otros productos de temática similar -a saber; hombre solitario que descubre la posibilidad de una nueva vida frente a una situación inesperada- salvo el contexto de crisis económica reciente del gran imperio del norte en el que se plantea. Y justamente, son los momentos en los que se desarrollan las entrevistas de despido, que enfrentan al protagonista del relato con la realidad mas cruel de la caida del sueño americano, los momentos más álgidos de la película.
Por ello, no deja de ser una pena que el film no se haya decantado un poco más por esa vertiente de realidad actual prefiriendo centrarse durante bastante rato en los aspectos mas familiares e íntimos del protagonista -incluidas secuencias como la de los preparativos de boda de su hermana- que sin llegar a ser totalmente superfluos, aletargan demasiado el meoyo de la trama restándole valor al conjunto y a la idea inicial.
Afortunadamente, en los tramos finales del relato la historia vuelve mas o menos a los carriles establecidos al comienzo, siendo todo un logro del guión escapar del típico y forzado happy end en el que tan habitualmente terminan cayendo este tipo de historias de autodescubrimiento personal.

Mención especial merece la labor de Anna Kendrick, una jóven actriz que promete y mucho -aunque vista en la mediocridad de la saga "Crepúsculo" no lo parezca- cuya actuación opaca bastanta a la de Vera Farmiga, otra notable actriz que aquí no llega a lucirse tanto, mas por méritos de sus compañeros de reparto -Clooney y la misma Kendrick sobre todo- que por su performance como intérprete.

"Up in the air" es un film que vale la pena verse. No es una gran película -pocas lo son hoy día- pero si una muy buena, que pudo haber sido mejor de haber tomado otros derroteros que prefirió no seguir. Con todo, tiene los suficientes valores artísticos así como reflejos de una cruel realidad actual como para ser una propuesta sumamente llamativa y valedera, a la que seguramente la Academia premiará con más de una estatuilla en la próxima entrega de los premios Oscar.

Puntaje: 6/10

"Sherlock Holmes" de Guy Ritchie

2010-01-18T04:24:00.010-02:00

El siniestro Lord Blackwood es detenido tras cometer una serie de crímenes rituales por Sherlock Holmes y el doctor John Watson, investigadores particulares al servicio de la policía de Scotland Yard. Blackwood es condenado a muerte y ejecutado en la horca, pero su cadaver desaparece misteriosamente y hay quienes aseguran que ha vuelto a la vida con el único objeto de vengarse de la ciudad que lo condenó. El terror se apodera de Londres y solo la perspicacia de Holmes y su fiel amigo Watson pueden resolver un enigma de características tan sobrenaturales.

Debo admitir que aunque en mi infancia leí algunas de sus aventuras nunca fui fanático del personaje de Arthur C. Doyle, ni el de la obra literaria ni el de las numerosas versiones fílmicas inspiradas en ella. Quizás sea por ello que esta nueva versión dirigida por el ex-marido de Madonna no me haya parecido, como a muchos de sus fieles seguidores, una afrenta irrespetuosa a sus orígenes.

Esto último me resulta llamativo, porque este nuevo Holmes se parece mucho más de lo que su fanáticos seguidores quieren asumir al que Conan Doyle retrató en sus libros. En efecto; lejos de la imagen refinada, pulcra y exacerbadamente intelectual y meditativa que habitualmente el cine nos ha dado del personaje, interpretado en sus encarnaciones mas célebres por actores de la talla de Basil Rathbone o Peter Cushing, o en las menos por Roger Moore o hasta el mismísimo William Shatner, los nuevos Holmes y Watson de Guy Ritchie son, como en las diversas novelas, hombres tanto de acción como de palabras, sin demasiados reparos cuando la necesidad los obliga a ir a los golpes contra adversarios aún mas fuertes o numerosos que ellos, dotados de una gran habilidad para el combate cuerpo a cuerpo -ambos son expertos en diferentes disciplinas de defensa personal, cosa que también esta tomada de las novelas-, con un sentido de justicia que habitualmente saben fundir con su gusto por la aventura.

De esa forma Ritchie evade ágilmente toda la iconografía habitual relacionada con el personaje -la gorrita cazadora, su enorme pipa y hasta su recordado "Elemental mi querido Watson", elementos estos ajenos a la obra de Doyle e inventados en adaptaciones teatrales y cinematográficas posteriores- apuntando así a actualizar al mismo. ¿El resultado? Un film digno y divertido, con dosis de humor -casi siempre procedentes de las discusiones entre sus protagonistas centrales- metidas en una trama de misterio que no queda demasiado opacada por la acción mas allá de que tampoco sea algo demasiado original que se diga.

Robert Downey Jr. da todo de si a su Holmes, impostándole ticks mas propios de su persona que del personaje en cuestión, convirtiéndolo en un egocéntrico misógeno y solitario empedernido, poco higiénico y amante de las peleas callejeras que goza alardeando de sus brillantes dotes deductivas dando explicación a lo inexplicable por mas sobrenatural que ello parezca. Por su parte, Jude Law y su doctor Watson, si bien mas centrado y con un perfil más cercano al del típico caballero inglés, es un obesesionado por el método pero amante de la acción, incapaz de rechazar una buena pelea cuando esta se presenta, lo que lo deja muy lejos de la imagen habitualmente pasiva y regordeta que tan empecinadamente las obras posteriores a la muerte de Conan Doyle así como muchas películas nos han habitualmente presentado.

El resto del reparto cumple, destacándose Mark Strong como el malvado Lord Blackwood, una némesis casi perfecta de los protagonistas solo opacada por la imagen del malvado Dr. Moriarty, villano habitual en la obra original pero que aquí aparece entre bambalinas como un prometedor rival en una futura secuela. La preciosa Rachel McAdams por su parte, funciona a duras penas como una necesidad argumental momentánea, pero que con un poco mas de esmero bien podría haber sido totalmente eliminada del libreto y sustituida por algún personaje un poco mas interesante.

La reconstrucción de época es soberbia, presentándonos una imagen de Londres de fines del siglo XIX repleta de grises, sucia y amenazadora, muy lejana a la brillante imagen victoriana que tantos otros films de época han plasmado de ella, trabajo visual producto de una combinación ideal de decorados reales y vestuario con la ya habitual infografía digital.

"Sherlock Holmes" es , por lo tanto, un film que toma las facetas menos conocidas del personaje literario o, por lo menos, las que el cine habitualmente ha preferido evadir, siendo la combinación de las mismas con las clásicas e impostadamente icónicas el principal logro del trabajo de Ritchie. No digo que el film vaya a hacer historia -probablemente en un año nadie siquiera lo recuerde- pero su suma de elementos y la forma en la que están ensamblados para darle nueva vida a algo tantas veces visto es lo suficientemente encomiable como para que merezca la pena pagar una entrada y verla.

Puntaje: 6/10

"AVATAR" de James Cameron

2009-12-28T02:36:00.008-02:00

El lejano mundo de Pandora, el único planeta similar a la Tierra descubierto por el hombre, es una enorme fuente de recursos que los humanos desean explotar a cualquier precio. El único incoveniente para ello son los Na´vi, una cultura nativa del planeta que ve en los terrestres una amenaza para su forma de vida y para la estabilidad de su mundo que está siendo destruido por la codicia de los invasores.
El soldado Jake Sully es convertido por los científicos de la Tierra en un "avatar", un Na´vi creado en laboratorio, con la intención de infiltrarlo entre los nativos y convencerlos de no resistir el avance de los humanos. Sin embargo, el contacto de Sully con los aborígenes le hará descubrir su veradera naturaleza al punto de reconsiderar para que bando terminará luchando.

Larga fue la espera y creciente la expectativa por el estreno de "Avatar", un producto que prometía muchísimas cosas, entre otras el retorno con gloria de James Cameron, uno de los mejores artesanos del cine espectáculo de las últimas tres décadas.
Según sus propias palabras, el proyecto -escrito por él mismo- estuvo en el congelador casi una docena de años a la espera de que la tecnología infográfica aplicada al cine estuviera lo suficientemente desarrollada como para llevar a cabo el film mas ambicioso de su carrera.

Y está claro, vistos los resultados, que la decisión fue la mas correcta. Un film como "Avatar" filmado con los recursos técnicos de hace década y media atrás hubiese sido un mamarracho de edición directa al video. No tanto por lo que cuenta -una historia típica de choque de culturas e intereses, relato que nos remite a docenas de films similares inspirados a su vez en hechos históricos habitualmente lamentables, como la conquista española en América o el choque de los blancos con los pieles rojas norteamericanos- como por el empeño en el detalle visual y técnico con el Cameron forjó su film. Por que sin lugar a dudas, si hay algo por lo que "Avatar" destaca y por lo que quizás sea recordado en los próximos años, es por la calidad de su imagenería visual.

El empleo de la infografía digital del que hace lucimiento la película de Cameron es, por lejos, el mérito mas sobresaliente de un relato que, fuera de sus virtudes estéticas, resulta argumentalmente tan lineal como poco innovador.
Ahora bien; ¿es toda esa imaginería digital realmente una revolución en la industria del cine como se prometía desde tantisimo tiempo antes de su estreno? Bueno, mi humilde opinión es que no. Si bien es cierto que Cameron ha roto habitualmente esquemas desde lo técnico con sus films anteriores, "Avatar" está muy lejos de representar la innovación tecnológica aplicada al cine que significó "Terminator 2" a comienzos de los años 90. En esa época, ver un personaje convertirse en metal líquido o cambiar de forma o apariencia en segundos era algo poco visto y causaba la fascinación inmediata en un público que aún no estaba demasiado habituado a las incipientes técnicas de animación digital en pantalla.
"Avatar" sin embargo, es simplemente una mejora de lo ya visto en las últimas dos décadas, el paso siguiente lógico en una evolución constante en las técnicas de animación digital. Cierto es que los Na´vis infográficos lucen estupendos y están soberbiamente animados, al punto que su interacción con personajes y ambientes reales es de una perfección casi absoluta, pero aún así no causan la fascinación que podrían haber causado hace un par de lustros atrás de haber existido las mismas técnicas.

Lo que queda, más allá de su impecable factura técnica, es el trabajo de dirección de James Cameron, que vuelve a demostrar que puede hacer de un argumento trillado un entretenimiento absolutamente llevadero, con un ritmo arrollador que hace que sus casi dos horas y media de duración no se hagan pesadas.

En el terreno de las actuaciones, solo se puede decir que son simplemente correctas, empezando por Sam Worthington en el protagónico y a una Zoë Saldana casi irreconocible impostada tras el diseño digital de la nativa Na´vi a la que da vida. Lamentablemente, la participación de Sigourney Weaver en un papel cuya rudeza, aunque suavizada, recuerda a la vieja y querida teniente Ripley de "Aliens", sabe a poco y deja la sensación que fue un talento enormemente desaprovechado. A la inversa, cabe destacar muy a favor la labor del poco conocido Stephen Lang, un actor habitualmente secundario y de perfil bajo pero impecable en su interpretación de Miles Quarich, un belicoso lider militar terrestre. Por ahí también aparecen Giovanni Ribisi como un ambicioso lacayo corportativo -que me hizo recordar bastante al corrupto ejecutivo Carter Burke de "Aliens"- y Michelle Rodriguez, actriz que a estas alturas parece no saber hacer otro papel que no sea el de mujer armada y violenta.

Para redondear; el punto mas criticable de "Avatar" sigue siendo su historia, demasiado tópica. Su desarrollo es predecible y la evolución de sus personajes está atada a las convenciones típicas del maniqueísmo propio de las historias de buenos contra malos. Y aunque insisto en que no me parece que represente -como se prometía- una innovación tecnológica demasiado grande con respecto a lo ya visto en los últimos años, es un espectáculo cinematográfico mayor digno de ver -quizás sea la primera película que siento que realmente aprovecha el sistema 3D evitando que quede como un simple aderezo-, de escuchar -su banda sonora a cargo de James Horner es soberbia- y de sentir -su historia será trillada, pero emociona-.

Por todo ello, es un film altamente recomendable para cualquier público, y aunque solo el tiempo dirá si será recordado como lo mejor de su director, no dudo que se lleve unas cuantas estatuillas en la próxima entrega de premios de la Academia.
En mi opinión, merecidas las tendrá.

Puntaje: 7/10

Falleció Brittany Murphy

2009-12-24T05:14:00.006-02:00

Aunque sucedió hace ya un par de noches, no podía dejar pasar la tristísima partida de una de las actrices jóvenes con mayor proyección de futuro en Hollywood. A la edad de 32 años falleció Brittany Murphy, a la que muchos recordarán por su trabajo en "Sin City" de Robert Rodriguez, probablemente su papel mas destacado. Su salto a la fama lo dió en 2001 junto al actor Michael Douglas en el thriller "Ni una palabra" ("Don´t say a word") donde interpretó a una chica con un grave trauma psicológico que se ve envuelta en una trama policial. Luego vendría el drama "8 miles" junto al cantante Eminem y la comedia "Recien casados" ("Just Married", 2003).

Fue encontrada muerta por su madre en el dormitorio de su casa en la ciudad de Los Angeles, víctima de un ataque cardíaco. Una tan inesperada como triste noticia, sinceramente. Que poquito que somos.

Descansa en paz Brittany.

"La venganza de la casa del lago" (The last house on the left) de Denis Iladis

2009-12-19T02:23:00.016-02:00

Cuatro violentos criminales secuestran durante sus andadas a dos jóvenes chicas a las cuales violan y asesinan. Luego de abandonar sus cuerpos en el bosque deciden pedir hospedaje en una solitaria casa para guarecerse de una tormenta. Lo que ninguno de los malvivientes sabe es que los anfitriones de esa casa son en realidad los padres de una de las chicas violentadas, que tras descubrirlos comenzarán una sangrienta y brutal venganza contra ellos.

"The last house on the left" fue un film estrenado en los años setenta escrito y dirigido por Wes Craven, nombre asociado años después con las exitosas sagas "Pesadilla; en lo profundo de la noche" y "Scream". Considerada la primera película de su director (algo no del todo cierto ya que venía dirigiendo cine pornográfico desde hacía bastante tiempo) fue para muchos un mojón de referencia dentro del cine de terror de la época. Hecha con una apabullante escases de medios, pésimos actores y huecos argumentales grandes como un cráter lunar, estaba destinada al mercado de los programas dobles de autocines y pequeñas salas de barrio norteamericanas. Su pasaje por esos tugurios lo convirtió en un film bastante popular en ciertos circuitos de público, que sorprendidos por su nivel de violencia explícita poco común en el cine de género de la época, la elevaron a la categoría de film de culto.

Supongo que eso bastaba para que casi 40 años después tanto a Craven como a Sean Cunningham, productor de la versión original y creador de la mítica "Martes 13" (1980), se les ocurriese realizar una remake de su propia obra. Es así que Craven dejó a cargo al jóven Denis Iladis la dirección de "La venganza de la casa del lago", actualización de la idea base de su film de 1972 y un producto que salvando las diferencias técnicas, no tiene mucho de nuevo, porque lo que se puede cambiar de un producto originalmente tan pobre sin alterar lo básico de su escencia es muy poco.

"La venganza de la casa del lago" es, como su antecesora, un film típico y tópico de venganza, en cierta manera una apología al indiscrimanado uso de ese sentimiento -un hecho nada menor que merecería un tratamiento que aquí no voy a dar- y al mismo tiempo un intento por querer establecer un mojón referencial moderno de violencia explícita. Pero es en este último punto donde peor falla esta recreación.

Es cierto que tanto técnica como argumentalmente el film de Iladis supera con creces al de 1972, pero nada de eso lo hace mejor. Aunque la violencia de "La venganza..." fuera cinco veces superior seguiría siendo una película del montón, con los mismos defectos de la mayoría de producciones de terror recientes, entiéndase por eso, interpretaciones planas, sustos cantados, sensación de miedo inexistente y un final tan trillado como gratuito.

Pero si hay algo en lo que "La venganza..." se empareja plenamente con el film original es en que ninguno de los dos aporta nada ni al cine ni al género terrorífico. Es un producto surgido del sentido de oportunismo de Craven y Cunningham que han querido encarrilarse en esta fiebre de remakes contínuas que asola a Hollywood desde hace ya demasiado tiempo.

Podrá sorprender o impresionar quizás a los poco o nada aficionados a este tipo de películas, pero nada más que a ellos. A los que busquen algo realmente fuerte e innovador, la mejor recomendación sería que sigan buscando.

Puntaje: 3/10

"Riddick 3" en preparación

2009-12-18T12:05:00.002-02:00

El actor Vin Diesel declaró en estos días que volverá a encarnar el papel del fugitivo espacial Riddick en lo que será la tercera entrega de la saga iniciada en el año 2000 con "Pitch Black", un film de acción y terror por partes iguales inédito hasta hace poco tiempo en Uruguay, y que continuaría en 2004 con "La batalla de Riddick", entretenido film de aventuras espaciales que no tuvo la repercusión esperada. Ambas películas fueron dirigidas por David Thowy quien está preparando el guión de esta nueva entrega.

No se sabe mucho del contexto de la historia, pero se rumorea que la intención es volver al formato de la primera película con una historia concisa y de pocos personajes, sin las pretensiones de gran aventura que el segundo largometraje tenía.

En lo personal creo que ambas películas, aunque bien distintas, fueron estupendas como vehículos de entretenimiento más allá de que no eran productos destinados al gran público sino mas bien para el aficionado a las aventuras de ciencia ficción light.

Vin Diesel en general siempre ha sabido elegir en que se mete -bueno... a excepción del mamarracho de "Babylon A.D." de la que ya diré algo en otro momento-asi que tengo confianza en que esta tercera entrega mantendrá el nivel.

George Lucas prepara "Star Wars 3D"

2009-12-18T08:30:00.001-02:00

Supongo que era inevitable que a un mercachifle del nivel de George Lucas no le sedujera convertir su principal creación -y tambien fuente de ingresos- al resucitado y nada novedoso sistema de proyección en 3D.

Según el sitio web CommingSoon.net, Lucas estaría preparando versiones tridimensionales de las seis películas de la saga "Star Wars" a estrenarse entre los años 2010 y 2011. La empresa Dreamworks sería la encargada de llevar a cabo la conversión al formato tridimensional de la sextología.

Para rematarla, un anuncio reciente de sus voceros indican que Lucas también aprovecharía la volada para crear una nueva trilogía de películas hechas exclusivamente en tecnología 3D y cuya trama podría colocarse cronológicamente entre "La venganza de los Sith" de 2005 y la clásica "Una nueva esperanza" de 1977.

En fin. Para quien esto escribe la verdadera magia de la saga "La guerra de las galaxias" se resume en las tres primeras películas filmadas entre 1976 y 1983, y todo lo que vino después -salvando alguna que otra excepción- no han sido más que productos que explotaron su éxito en detrimento de su calidad reduciendo su mística a la de una caja registradora. La reciente serie televisiva con su innecesario piloto cinematográfico es una prueba más que cabal de ello.

No espero demasiado de lo que salga en un futuro con su grifa. Ni de Lucas tampoco.

"Furia de Titanes" (Clash of the Titans, 1981) de Desmond Davis

2009-12-05T02:58:00.033-02:00

Perseo, hijo ilegítimo del dios Zeus, debe rescatar a su amada Andrómeda que ha sido entregada en sacrificio al monstruoso Kraken. Tiene 30 días para ello, recorriendo vastas regiones y enfrentando todo tipo de amenazas en busca de la cabeza de Medusa, cuyo poder es lo único que puede detener al Kraken.

Recuerdo haber visto por primera vez "Furia de Titanes" de niño en una de esas matinees en las que podías ver tres películas seguidas por poco dinero a comienzos de los 80. No voy a hacerme el nostálgico diciendo que fue una película que me marcó a fuego o que la recuerdo con cierto cariño porque sería una mentira. Muy por el contrario. La he visto al menos tres o cuatro veces en los últimos 20 años y cada vez que lo hice mi sensación final era como la de la primera vez; de poco convencimiento.

Sucede que "Furia de Titanes" ya era un film anticuado en muchos aspectos al momento de su estreno, razón entre otras que motivó su estrepitoso fracaso en taquillas. Por ese entonces millones de espectadores aún estábamos fascinados con el despliegue visual de la saga "Star Wars" de George Lucas que supuso toda una innovación desde lo técnico y el modelo a seguir por el cine fantástico futuro. Todo por debajo de su nivel técnico ya comenzaba a ser obsoleto. Y "Furia de Titanes" no fue la excepción sino mas bien la confirmación del final de un época y del comienzo de otra.

Sus efectos especiales estuvieron a cargo de Ray Harryhausen, un veterano especialista en la técnica de animación de miniaturas conocida como stop-motion, un artesano que tenía en su haber un largo historial de películas de corte similar algunas de ellas verdaderos clásicos de la aventura como "Jason y los argonautas" (1963), probablemente la mejor de su carrera, y "El viaje dorado de Simbad" (1974) entre tantas otras. Pero para fines de los años setenta los efectos especiales como el stop-motion ya comenzaban a verse algo defasados.

Sin embargo, tanto Harryhausen como el guionista Beverly Cross y el director Desmond Davis, creyeron que sus técnicas de miniaturas y maquetas podían competir con los incipientes pero cada vez más avanzados efectos digitales y las técnicas animatronics que películas como "El imperio contraataca" o "Viaje a las estrellas" estaban imponiendo como el nuevo estándar.

Sería injusto decir que Harryhausen fue el principal culpable, pero ciertamente, le faltó demasiado pulido a sus secuencias de efectos especiales. La interacción de criaturas fantásticas en miniatura con personajes y escenas reales cantan demasiado a lo largo de todo el metraje; diferencias contínuas de iluminación, de tamaños y de sombras terminan por hacer que hasta el espectador menos ducho se de cuenta que hay demasiada pobreza en el acabado de sus efectos. Posiblemente ello se deba a que buena parte del presupuesto del film se volcó en contratar a las luminarias de su reparto, empezando por un actorazo como Laurence Olivier, que aún aquejado de la enfermedad que lo terminaría matando, igualmente compuso un estupendo dios Zeus. Junto a él también aparecen un impecable Burgess Meredith y una legendaria Ursula Andress, que aún conservaba algo de la belleza de su época de chica Bond aunque su participación se reduce a decir veinte palabras en toda la película. Es una pena que ese cuidado en la elección de secundarios no haya estado en la de su protagonista, Harry Hamlin en el papel del valeroso Perseo, un actor apático y poco expresivo con el que es casi imposible identificarse debido a su lejanía con el personaje.

Por otro lado, el guión escrito por Beverly Cross tampoco ayudó mucho. Cross era un apasionado de la mitología griega que había intentando durante años llevar el mito griego de Perseo a la pantalla. "Furia de Titanes" fue su oportunidad de hacerlo, pero la verdad es que fue una oportunidad desperdiciada. Su historia está repleta de tiempos muertos y de secuencias que parecen fabricadas solo para meter algún efecto especial cuando se puede. Así, hay momentos realmente chatos -las largas chácharas de los dioses encabezados por Zeus y casi toda la hora inicial de película- con otros de estupenda tensión que debieron ser el patrón a seguir -la entrada en la guarida de Medusa, de lo mejor de toda la película- y algunas secuencias de acción de puro relleno -la pelea contra los escorpiones gigantes, pésimamente fotografiada y demasiado larga-.

Para peor, la dirección del televisivo Desmond Davis es tan impersonal como irregular, al punto que hay momentos en que parece estar dirigiendo un episodio de alguna serie televisiva o algo por el estilo. Sencillamente no era el indicado para un film de características épicas como este.

"Furia de Titanes" queda entonces relegado a ser un producto mas apto para los fanáticos de Harryhausen y para los nostálgicos mas acérrimos a su trabajo que para cualquier otro. De haberse filmado diez años antes quizás hubiese tenido una mejor acojida en su momento y un mejor recuerdo hoy. Lamentablemente, ya era demasiado antigua al momento de su concepción.

Puntaje: 4/10

"Transformers: La venganza de los caídos" (Transformers: Revenge of the Fallen) de Michael Bay

2009-11-29T23:33:00.045-02:00

Tras la derrota del malvado Megatron a manos de Optimus Prime en el film anterior, los Decepticons vuelven a la Tierra para resucitar a su malvado lider y abrirle el camino al aún mas diabólico Fallen, un viejo lider Decepticon que añora destruir a la raza humana y a todos los Autobots.

Está más que claro a estas alturas que Michael Bay no es un director al que le importe demasiado ni la imaginación ni la originalidad, ni siquiera la coherencia de los guiones que le toca dirigir. No parecía así en sus comienzos en la dirección de grandes superproducciones allá por 1996, cuando filmó "La Roca", a mi criterio su mejor película hasta hoy, donde empezó a dar indicios de su filias particulares a la hora de filmar las cuales repite película tras película. Es tan así que en cualquiera de sus films podemos ver, casi con total seguridad, una o varias persecuciones automovilísticas -algo que evidentemente le apasiona-, despliegues militares que exaltan el valor de cualquier institución castrense, abundantes tiroteos y una pirotecnia de todos los colores y tamaños imaginables. Y "La venganza de los caídos" no es la excepción en ninguno de esos apartados.

Es evidente que a Bay le fue muy bien con su primer film sobre los ochenteros Transformers, a tal punto que se apresuró todo lo que pudo en realizar su secuela. Así, año y medio después de su estreno y nuevamente apadrinado económicamente por el Midas hollywoodense, Steven Spielberg, nos llega esta continuación tan parecida a su antecesora que hasta repite como fotocopia todos sus defectos; una duración desmedida, unos diálogos bochornosos, un guión que ni el peor episodio de la serie en la que se inspira se hubiese atrevido a presentar y unos personajes mas planos que una hoja de afeitar.

Pero vayamos por partes. Las secuencias de acción y sus efectos especiales -los motivos mas valederos para querer ver esta película, además de las curvas de Megan Fox- son igual de espectaculares a los de la primera, o sea, una perfección absoluta a la hora de hacer interactuar personajes reales con los generados por computador. Pero como casi siempre que un producto con estas características aparece, lo mas criticable es que nada de esa tecnología aplicada al cine termina por tapar las deficiencias de un argumento chato e incongruente.

Pero Bay y sus guionistas deben creer lo contrario, y es por ello que se las apañan para meter a velocidad de trueno todo tipo de inconsistencias que desafían la credulidad del mas crédulo; desde armas alienígenas gigantescas escondidas en las pirámides de Egipto a numerosas resucitaciones tan convenientes como milagrosas de varios personajes. También hay chispazos de plagio servido, con alguna que otra secuencia que remite directamente a la saga "Terminator " y una nueva demostración del enorme poder militar estadounidense plasmado en un regodeo de secuencias de aviones, tanques y barcos disparando sus arsenales asi como de soldados corriendo valientemente a la batalla y a su propia muerte, a pesar de que no vemos un solo cadáver en toda la película.

Sumar a todo esto el mismo problema que había en la primera entrega; las peleas entre los robóticos protagonistas del título siguen siendo totalmente confusas, al punto que en la mayoría de ellas es casi imposible identificar los buenos de los malos. En el dibujo animado de los 80, cada personaje se identificaba, además de por su forma, también por su color. Pero a Bay parece tampoco importarle mucho ese detalle por lo que tanto el villano Megatron, pasando por cualquiera de sus Decepticons hasta el heroíco Optimus Prime lucen prácticamente IGUALES, por lo que cada pelea entre ellos parecen orgías de metal retorcido.
Las secuencias humorísticas, además de metidas con calzador, son en su mayoría patéticas, empezando por las que incluyen a la exageradamente liberal madre del protagonista, cuya estupidez es superada solo por su sobreactuación. Para colmo, es penoso volver a ver a John Turturro, un actorazo en horas bajas, repitiendo el bochornoso personaje del primer film, pero ahora reducido a un papel aún más payasesco -la humorada sobre su ropa interior da verguenza ajena- totalmente infumable por más que su participación tenga más relevancia sobre el desenlace que en el film anterior.

En cuanto a la unión de Shia LaBeouf, un actor que ya se viene perfilando desde hace tiempo como un nuevo prototipo de héroe de acción, con la despampanante Megan Fox, que vuelve a lucirse como el bonito florero que es durante toda la película, me sigue pareciendo totalmente forzada y artificiosa, convirtiendose en la pareja mas despareja del cine de los últimos años.

En fin. Seguir hablando de este nuevo mamotreto multimillonario de Bay sería repetirme una y otra vez, casi como lo hace él mismo película tras película sin nada nuevo que mostrar ni decir. Es de suponer que poco le importa también ya que tiene clarísimo que los millones de espectadores que disfrutaron de la primera entrega convirtiendola en uno de los films mas taquilleros del 2007, también disfrutarán con esta continuación, siendo ellos los consumidores ideales para su producto. Yo, por ahora, estoy fuera de su clientela.

Puntaje: 3/10