"Moonwalker" (1988) de Jerry Kramer y Jim Blashfield

Es innegable que el mundo del videoclip tuvo un antes y un después de Michael Jackson.

Mientras que a comienzos de los años 80 la mayoría de los cantantes y grupos de habla inglesa promocionaban sus temas con videos de calidad casi hogareña, de dudosa imaginativa o hechos en base a imágenes tomadas de conciertos en vivo, Jackson se propuso revolucionar la industria del videoclip contando breves y bien guionadas historias que respaldaran sus canciones. Eso hizo que cada estreno de sus videos se convirtiera casi en un evento de masas, que agolpaba a millones frente a las pantallas de televisión el día y hora que se anunciaban.

Probablemente el más recordado de esos acontecimientos haya sido el arrollador éxito del tema "Thriller" en 1983, que llevó a la realización de uno de los videoclips más cinematográficos de la historia. Dirigido por John Landis -realizador popular en aquel entonces gracias al éxito de su estupenda "El hombre lobo americano en Londres" (1981)- y narrado ni más ni menos que por el inmortal Vincent Price, el video musical de "Thriller" sigue siendo un hito pionero que marcó a fuego el mundo del videoclip cambiándolo por completo.
Luego vendrían cosas como"Captain EO", corto producido por George Lucas y Francis Coppola para una atracción de Disneyland, y el no menos exitoso "Bad", que aunque inferiores en calidad y nivel de impacto a "Thriller" mantenían claramente el sello distintivo del cantante.

Fue ese éxito en el mundillo de la realización de videos musicales lo que impulsó a Michael por esa misma época, a realizar una de las extravagancias cinematográficas más llamativas de los 80. El título de esa extravagancia fue "Moonwalker".

El mítico "Paso antigravedad"

Dirigida por Jerry Kramer y Jim Blashfield, habituales colaboradores del cantante en muchos de sus proyectos y producida por el mismo Jackson, "Moonwalker" es una restrospectiva dividida en varios segmentos independientes, algunos hechos en base a imágenes de giras y videos musicales del cantante, con mucho de homenaje a su propio pasado en los Jackson Five y a sus comienzos como solista a fines de los años 70, mezclado todo con otros pasajes de pura e imaginativa ficción. 

No falta en esa mezcla su descarga crítica hacia el poco pudor con el que los medios trataron su vida personal a lo largo de los años, presentándolo muchas veces como una especie de atracción circense en pos de vender noticias, algo que las imágenes que acompañan al segmento de la canción "Leave me alone" deja bastante en claro. 

La media hora final de la película es el momento más emparentado con el cine tradicional y nos narra una miniaventura en la que el cantante debe salvar a un grupo de niños de una siniestra organización de narcotraficantes liderada por un tal Mr. Big -Joe Pesci luciéndose como villano- que planea convertir en adictos a todos los niños del planeta. Para detenerlo y salvar a sus amigos, la estrella de la música se transformará mágicamente en diversos artilugios -un auto supermoderno, un enorme robot, una nave espacial-.  Es en este segmento donde toda la imaginería visual típica de las producciones videocliperas de Michael Jackson hace alarde, combinando efectos de animación asombrosos para su época -la conversión del cantante en una especie de robot "transformer" sigue siendo impresionante hoy día- con secuencias de acción real por montones, que terminan brindando un clímax que, a fuerza de espectacularidad, pretende quedar grabado en las retinas del espectador. La secuencia destinada a su tema "Smooth Criminal", incluida en este segmento y muy popular por su famoso paso antigravedad, es probablemente la más recordada por el público en general ya que se utilizaría luego de forma independiente para promocionar la canción.

No, no es un avión; es MICHAEL!

"Moonwalker" es algo atípico y curioso, por momentos casi bizarro, que no puede calificarse propiamente como cine. Es un vehículo de lucimiento exlcusivo para su creador, cuya presencia en él es lo único que justifica su existencia. Un producto que solo podía haberse realizado en una década tan abocada a excesos fílmicos como aquella en la que se realizó y de una factura general que no la hace apta para cualquier paladar. 

Aunque debo admitir que disfruté verla en su momento, así como recientemente en su impecable edición en dvd, también debo admitir que no me atrevería a recomendarla a cualquiera. Como todo producto de culto, es algo relegado casi exclusivamente para los acérrimos fanáticos del malogrado ídolo de la canción. Serán ellos los que con mayor beneplácito asimilen y agradezcan el aluvión de imágenes y sonidos que durante casi hora y media el "Rey del Pop" proponía en él.

Puntuación: 7/10

"Noche de Miedo" (Fright Night, 2011) de Craig Guillespie

La versión original de "Fright Night" dirigida por Tom Holland en 1985, se convirtió inesperadamente en un éxito de taquilla en su época y un verdadero film de culto más tarde. Su mezcla de terror vampírico con dosis de comedia juvenil funcionó muy bien y terminó generando escuela dentro del género.

Como no podía ser de otra manera y como viene siendo la costumbre desde hace años con todo film ochentero que haya tenido un mínimo de éxito, el pasado año 2011 nos llegó su remake; "Noche de miedo" dirigida en esta ocasión por el recién llegado al género Craig Gillespie.

Aunque el film original siempre me ha gustado, jamás lo consideré algo tan excelso como para ponerlo a la altura de un clásico referente en su tipo. Quizás ese es el motivo por el cual esta nueva versión me ha gustado tanto, a tal punto que en varios aspectos me parece que supera a su antecesora. Aunque la premisa base es la misma (chico de barrio descubre que su vecino es un vampiro que está asesinando a sus otros vecinos e intenta detenerlo por sus propios medios) su desarrollo toma carriles bastante diferentes.  Esto quizás desencante a quienes esperen una versión más fiel al original, pues si bien las dosis de terror y sangre son muy superiores, el factor comedia no lo es tanto, quedando reducido a ocasiones muy puntuales, la mayoría de ellas relegadas a las apariciones de David Tennant como el cazador de vampiros Peter Vincent, papel que en 1985 interpretara Roddy McDowell y cuya timorata presencia en pantalla por sí sola ya era graciosa. En el caso del Vincent interpretado por Tennant, el personaje resulta mucho mas oscuro y su humor se basa más que nada en el extravagante modo de vida que lleva como famoso ilusionista de Las Vegas y en sus casi constantes arrebatos de egolatría. De todas formas, eso le basta para tener en determinados momentos más protagonismo que el resto del elenco.

El otro personaje mutado de una versión a otra es el del vampiro. No queda nada del elegante, seductor y clásico chupasangre que genialmente interpretara en 1985 Chris Sarandon (que a propósito, tiene un cameo en este film). El vampiro compuesto por Colin Farrell es más bien un reflejo de estos tiempos; gusta de la televisión chatarra, utiliza una camioneta negra pick-up mal cuidada y pondera la comodidad al vestir por encima de la elegancia. Sus víctimas ya no son exclusivamente prostitutas o chicas jóvenes, prefiriendo familias enteras de su barrio como presas para sus cenas.

El resto del reparto, incluido el protagónico de Anton Yelchin -recién salido de "Star Trek: El futuro comienza"- sencillamente cumple con las expectativas, con destaque quizás en la madre del protagonista, una muy prolija Toni Collette, cuya participación luce tal vez un poco desaprovechada.

Otros cambios del guión incluyen persecuciones varias -destacable la de la carretera en medio de la noche-, algunos giros argumentales interesantes inexistentes en la primera versión y un clímax final que, sin ser nada que no se haya visto antes, es bastante más espectacular y sangriento que el del film original.

Los efectos especiales están bastante bien, aunque como ya es costumbre en producciones de este tipo casi todos son enteramente generados por computadora, lo que hace que uno eche un poco de menos aquellos entrañables efectos de maquillaje que tan bien lucían en los años 80. 

"Noche de miedo"  2011 es un aceptable film de terror pasatista.

No tiene demasiado humor ni comedia, o al menos no tanto como la versión de 1985, haciendo más hincapié en la truculencia bien filmada y las secuencias de acción por sobre cualquier otra cosa. 
Su tibia recepción en salas norteamericanas en el momento de su estreno le bastó para recaudar lo suficiente y superar sus costos de producción. 
No sería nada raro que en poco tiempo más se estuviera produciendo una continuación la cual, esperemos, sea mejor que la espantosa secuela que tuvo el film original en 1988.

Puntaje: 6/10

"G.I. Joe: Resolute" (2009) de Joaquim Dos Santos

La serie televisiva animada "G.I. Joe" apareció en 1982 en pantallas norteamericanas como resultado del éxito obtenido por la línea de juguetes del mismo nombre que la empresa juguetera Hasbro había relanzado a comienzos de esa misma década. G.I Joe es un comando militar ficticio al mando del gobierno estadounidense, cuyos miembros son especialistas en todas las artes del combate y que está destinado a enfrentar y detener a la organización terrorista Cobra, la cual pretende el dominio total del mundo.
Tras la cancelación de la serie televisiva original en 1994, hubieron variados intentos por resucitarla en los años siguientes -"Sigma 6", "G.I. Joe: Extreme" entre otros- pero todos los proyectos duraron muy poco o directamente fracasaron antes de comenzar.

Paralelamente a la producción de "G.I. Joe: The Rise of Cobra", dirigida por Stephen Sommers en el 2009, Hasbro, en asociación con la editorial IDW, intentaron preparar el terreno para su estreno con una nueva serie animada basada en sus personajes. El resultado fue "G.I. Joe: Resolute", una serie de 10 espisodios de 5 minutos de duración cada uno, más uno final de 10, pensada para ser emitida semanalmente vía internet, aunque posteriormente fue televisada en horario nocturno por Cartoon Network y editada en formato dvd compendiando todos los episodios en una película de una hora."Resolute" se apega más los lineamientos del film de Sommers en lo que a acción y violencia se refiere.
Es una serie mucho más adulta que cualquiera de las emitidas desde 1982 hasta la fecha. A diferencia de la serie ochentera, donde a pesar de los centenares de disparos y explosiones no se veía cadáver alguno ni tampoco una gota de sangre -una limitación derivada del hecho que el producto estaba mayoritariamente destinado a los niños- en "Resolute" los muertos se suman por montones y hasta por millares.El momento en que los villanos demuestran a los gobiernos del mundo su poder, usando un arma espacial para arrasar en forma despiadada y completa una ciudad de millones de habitantes, deja claro desde el vamos que lo que estamos viendo tiene poco que ver con las infantiladas de los años 80.

El plan de Cobra para doblegar al mundo, si bien tiene su cuota de fantasía, resulta mucho más lógico que los vistos en la vieja serie en donde los guionistas, a falta total de ideas, terminaban mezclando desde extraterrestres, pasando por rayos lava-cerebros y gadgets similares, hasta contactos con seres del más allá, todo lo que pudiera servir como nuevas amenazas que combatir por los héroes.

En "Resolute" todo es más lineal, quizás hasta menos imaginativo -lo de los satélites equipados con rayos de la muerte ya era viejo en las películas de James Bond con Sean Connery- pero en contraposición es bastante más creíble. Hay en todo momento una verdadera sensación de que cualquiera en ambos bandos puede morir, cosa que en algunos casos realmente sucede. Mención especial en este apartado merece el enfrentamiento entre los miembros ninjas de cada bando, Snake Eyes y Storm Shadow, una pelea que llega hasta sus últimas consecuencias y que reafirma aún más el caracter adulto del producto.

El guión del especialista Warren Ellis, guionista destacado de la editorial Marvel, impone en todo momento una cuota de realismo al asunto que evita que, como sucedió con la serie original, todo termine convirtiendose en una mera ridiculización.

"G.I. Joe: Resolute" es un film más que recomendable para cualquiera que guste del cine de acción animado. Evidentemente, no es un producto para niños y quizás tampoco para muchos de aquellos que aún conserven un recuerdo nostálgico por la serie de los años 80.
Le juega en contra un final algo apresurado producto de sus escasos 58 minutos de duración, pero que igual se las apaña para dejar unos puntos suspensivos que prometen una continuación que, desde ya, esperamos ansiosos.

Puntaje: 7/10

Ver para creer: TERMINATOR 5 y 6... con Arnoldo Schwarzenegger?

La adquisición de los derechos de la saga "Terminator" por parte de Pacificor, un grupo inversor de riesgo, ha generado muchos rumores sobre cual podría ser el destino de la exitosa grifa de ciencia ficción. Lo cierto es que en 2018, los derechos de la misma volverán a manos de su creador, James Cameron, por lo que cualquier intento por tratar de sacar algún centavo de ella deberá ser rápido y sin demoras.

Quizás sea por ello que Pacificor ha anunciado su interés en hacer no una, sino dos películas nuevas de la saga que serían continuaciones directas de la última entrega, "Terminator 4: Salvation". Lo irónico del caso es que al no tener idea de como hacerlo -Pacificor no es una empresa dedicada a hacer cine, solo a prestar dinero y recuperarlo- han recurrido a Sony Pictures y a Lionsgate, los dos estudios involucrados en la creación de los títulos anteriores de la saga pero también competidores directos en la carrera por obtener los derechos de la misma.

La cuestión es que a más tardar en el 2013 debería iniciarse la filmación de la quinta entrega para su estreno entre los años 2014 o 2015. Pero si todo esto no fuera ya bastante sorpresivo, persiste el rumor -que comienza por estos días a dejar de serlo- que el mismísimo ex-governator de California, Arnoldo Schwarzenegger, ya habría aceptado tener participación directa en ambas secuelas con un papel que se catolaga actualmente como "de sorpresa". También se incluirían los personajes de el cabo Reese y la mismísima Sarah Connor, aunque no se sabe cual sería el nivel de protagonismo que tendrían.

En fin, como que está claro que Schwarzenegger quiere sí o sí revivir sus viejas glorias, aunque sus 70 pirulos de edad se le noten bastante, por más que el milagro del maquillaje y los efectos especiales puedan ayudarlo a parecer más joven. Veremos como queda.
También resulta claro que desde que Cameron terminó su participación en la saga lo que hemos visto, aunque no sea nada tan malo, no está a la altura de las primeras entregas.
No sé. Quizás lo mejor sería que pasara el tiempo y que Cameron recuperase el poder sobre su obra para ver si, merced a su genio creativo, tenemos la suerte de revivir la magia de las películas originales.

Por ahora solo queda esperar. Como Arnoldo en esta amenazante imagen:

"Los amigos de Peter" (Peter´s friends, 1992) de Kenneth Branagh

Peter (Stepehen Fry) invita a pasar la Noche Vieja en su enorme mansión inglesa a sus antiguos amigos de escuela a los que no ve desde hace más de una década. Con ellos compartió de todo; desde organizar pequeñas obras de teatro musicales bizarras a borracheras inolvidables. El reencuentro de todos, con sus particulares personalidades, conflictos y cambios generados a lo largo de los años, los hará reflexionar sobre sus vidas y sobre el valor imperecedero de la amistad.

Kenneth Branagh se arriesgó a volver a la dirección tras su exitosa "Enrique V" (1990) -considerada la mejor traslación de la obra de Shakespeare al cine- y el olvidable thriller "Dead Again" (1991), con un film bastante menor en pretensiones y presupuesto. "Los amigos de Peter" es una comedia dramática que pasó casi sin pena ni gloria en el momento de su estreno, y que en Uruguay y en la mayoría de paises de la región, fue editado directamente al video hogareño.

Sin embargo, detrás de ese injusto destino se esconde una de las mejores comedias británicas de los años 90 y una demostración de que Branagh, cuando evade su ego protagónico, es capaz de llevar adelante una historia sin golpes bajos ni sorpresas, apoyado exclusivamente en la calidad del estupendo reparto con el que comparte cartel. Cabe destacar en el mismo a una estupenda Emma Thompson, por ese entonces sentimentalmente unida a Branagh en la vida real, a un correctísimo Stephen Fry como el Peter del título, y a un sorprendente Hugh Laurie siglos antes de llegar a la cúspide del éxito con la serie "Dr. House".La historia arranca como una comedia pura, con una batería de chistes y situaciones graciosas pensadas para enganchar y hacer cómplice al espectador de sus protagonistas y se va haciendo gradualmente más seria a lo largo de su casi hora y media de duración. Pero el humor no se pierde del todo jamás, ya que en el fondo lo que el contenido de su historia viene a decirnos es que los tragos amargos de la vida son más pasajeros si hay amigos en ella que nos alienten a seguir.
El sentimiento de nostalgia por el reencuetro lo invade todo, especialmente cuando empiezan a sonar canciones como "You´re my best friend" de Queen o "Every wants to rule the world" de Tears for Fears, junto a una colección de temas clásicos de los 80 y comienzos de los 90 que forman parte del soundtrack del film y que es otro de sus grandes aciertos.

El cine de comedia británico alcanzaría sus cotas más altas de popularidad y éxito gracias a las también estupendas "Cuatro bodas y un funeral" (1994) y "Full Monty: A todo o nada" (1996), pero fueron películas como la de Branagh las que cimentaron el camino para que las posteriores tuvieran éxito."Los amigos de Peter" debió haber tenido un destino comercial mejor que el corrió en su época. Sin embargo, nunca es tarde para redescubrirla si se tiene la posibilidad de hacerlo, ya sea si la ven perdida en alguna góndola de videoclub o en algún canal de televisión.
Créanme, que si no esperan ver la típica peliculita de humor absurdo hollywoodense, pasaran un rato de lo más ameno.
Puntaje: 7/10

La música pierde a una de sus mejores voces: Whitney Huston nos ha dejado.

Dueña de una belleza y sonrisa angelicales y de una voz dotada como pocas, la turbulenta vida de la cantante encontró un inesperado final el pasado día 12 de febrero a los 48 años, en una habitación del hotel Beverly Hilton de Los Ángeles donde esperaba una reunión previa con los nominados a los Premios Grammy de este año.

Aunque su paso por la industria cinematográfica fue más bien breve, su participación en el film " El guardaespaldas" de 1992 junto a Kevin Costner, la convirtió definitivamente en una de las cantantes más populares de su momento. Ayudó muchísmo en ello la inclusión en su banda sonora de "I will always love you", maravilloso tema originalmente compuesto e interpretado por Dolly Parton en 1974, pero que solo en la voz de Whitney Huston alcanzó un nivel de popularidad masivo convirtiéndose en uno de los singles más vendidos de la historia de la música pop al igual que el soundtrack de la película.

En 1995 comparte cartel junto a Angela Bassett y Wesley Snipes en "Esperando un respiro" de Forest Withaker, comedia romántica que marcó el regreso de Whitney al cine siendo éste uno de sus principales atractivos, pero que pasó sin pena ni gloria por cines en su país y que en la mayoría fue lanzado directamente al mercado del video hogareño.

En 1996 volvió al cine en el film "La mujer del predicador" de Penny Marshall, remake de un film de mismo título de 1947, drama romántico con ribetes sobrenaturales con una Huston discreta en un protagónico que a ratos le queda algo grande, pero que resalta por su banda sonora compuesta en buena medida por temas musicales interpretados por ella misma, entre ellos "Joy" y el estupendo "My heart is calling".

Una serie de interpretaciones en televisión y papeles secundarios en varias producciones menores, así como su participación como productora en algunas de ellas, complementan su carrera en pantallas.

A fines de los años 90, admite públicamente su abuso en el consumo de drogas y alcohol, adicciones contra las que siguió luchando hasta los últimos días de su vida con numerosas reacaídas que la obligaban a internaciones en clínicas especializadas en forma periódica.
Hasta el momento en que escribo estas líneas no están muy claras las causas de su fallecimiento y aunque se especula que no tuvo que ver directamente con su adicción, sigue siendo motivo de fuerte controversia.

A pesar de que sus participaciones cinematográficas no han sido demasiado numerosas, creo que se merecía una mención en este sitio.
Aunque sin dudas su talento para la música y la belleza de su voz serán las cualidades por las que será recordada por siempre, ganándose un merecido lugar en el Olimpo de los artistas.

Hasta siempre Whitney.

Secuela de "Blade Runner" ¿sin Harrison Ford?

Todos hemos oído desde hace años el rumor sobre una posible secuela del que sin dudas es uno de los más grandes films de ciencia ficción de la historia del cine de todos los tiempos, "Blade Runner". El rumor surgió a fines de los años 80 pero cobró especial fuerza en 1993 tras el estreno del director´s cut con la versión que su director, Ridley Scott, había deseado estrenar diez años antes.

Ahora, en plena década del 2010, nuevos rumores aseguran que Scott tiene en marcha un guión que funcionaría como secuela. Según el site web especializado Deadline New York, en estos primeros meses de 2012 se está trabajando en una historia en la que -y aquí es donde me surgen las dudas- Harrison Ford no aparecería ni tampoco su personaje, Rick Deckard.
Aunque no se desmiente del todo que han habido conversaciones entre los productores y el actor, tampoco se ha descartado una reinvención total de la obra original, por lo que estaríamos hablando de algo muy parecido a una remake pero con un staff de actores y personajes completamente nuevos.

En fin. Que son demasiados rumores y que estoy seguro que tanto yo como la mayoría preferiríamos una secuela a una "reinvención" como le llaman ahora, aunque no aparezcan todos los protagonistas originales. Claro que si aparece el viejo y querido Harrison, mucho mejor. ¿O no?

Fuente: Deadline New York

"COWBOYS & ALIENS" (2011) de Jon Favreau

La idea original de "Cowboys & Aliens" surgió del comic del mismo título publicado en el año 2006 por la editora independiente Platinum Studios. Según su autor, Scott Rosenberg, comenzó a desarrollar la idea de combinar extraterrestres con elementos del viejo oeste a mediados de los años 90, pero no tuvo una historia hasta varios años después cuando, a petición de los estudios Universal, el guionista Steve Oedekerk la escribió para el cine con el objetivo posterior de dirigirla.
Por motivos varios el film no se realizó en aquel entonces y tras una reescritura de su guión a cargo de Roberto Orci y Alex Kurtzman, la idea tomó forma cinematográfica en el año 2011 cuando Jon Favreau -director de las dos "Ironman"- fue elegido por la Universal para dirigirla.

Hace más o menos año y medio, al enterarme que se ponía en marcha la filmación de la película, logré hacerme con un ejemplar en inglés del comic impreso. No es que me desesperara por saber de que iba el asunto -el título lo dice casi todo- pero me causó curiosidad saber qué cosa podría ser tan interesante en él como para que el mismísimo Steven Spielberg auspiciara de productor. Y la verdad es que, aunque no me aburrió a pesar de su centenar y pico de páginas, la historia tampoco me resultó demasiado extraordinaria.

Admito que es muy colorida, que tiene bastante acción, alienigenas y naves espaciales ya en su primera página, y hasta una reflexión con tintes históricos sobre las actitudes de sometimiento colonialistas de los pueblos más fuertes sobre los más débiles. Pero aún así es un material que no tiene nada de memorable ni original, y que se digiere y olvida casi tan rápidamente como se lee.

En realidad, Rosenberg nunca negó sus intenciones de que su obra terminara tarde o temprano siendo llevada a la pantalla, siendo el comic casi una excusa para lograrlo.
Al menos hay que reconocer que el resultado en general es bastante aceptable, en buena medida porque el guión del film prefiere seguir sus propios caminos ajenos a los del relato impreso.
Mientras que en la historieta los aliens tienen un rol bastante protagónico y llegan a la Tierra por mero accidente, en el film aparecen recién a la mitad del relato y vienen decididos a buscar algo que necesitan.
El protagonista, encarnado por Daniel Craig, un pistolero amnésico portador de un arma de rayos en su muñeca izquierda la cual no tiene idea como llegó ahí, es bastante más interesante que el protagonista del comic, y el misterio de su amnesia y su andar matonero es lo que mantiene vivo el interés en la película durante su primer cuarto de hora. O al menos hasta que aparece Harrison Ford, interpretando a un viejo y duro ex-militar -personaje inexistente en la historieta- dueño del pueblo en el que termina cayendo el pistolero de Craig, y que será uno de los artífices de la ofensiva tras ser su hijo secuestrado por los alienigenas junto a la mayoría de los pobladores.
Olivia "Dr. House" Wilde es la cara bonita de la historia, en un personaje totalmente apático que si bien tiene su símil en la obra impresa, su existencia en la película solo se justifica en la media hora final, cuando revela su verdadera naturaleza y objetivos.Dejando de lado diferencias y similitudes puntuales, desde el comienzo queda claro que no hay intenciones de que haya mucha fidelidad con el tebeo en el que se basa, cosa que en muchos aspectos no es un perjuicio demasiado grande y hasta resulta lógico; colocar todas las tramas y subtramas del comic que envuelven tanto a los múltiples personajes extraterrestres y sus planes de conquista con las de los humanos y sus alianzas para enfrentarlos, hubiese necesitado una película de tres horas de duración o más, algo demasiado épico y lejano a los intereses de sus realizadores.

De todas formas, la combinación de western con invasión del espacio no sabe a un pastiche forzado de ideas y tampoco llega a ser aburrida pese a que los más fanáticos de la ciencia ficción seguramente critiquen negativamente la demora en la aparición de los elementos propios de ese género.
Y aunque algunos cabos queden sueltos -¿cual es la utilidad real que le van a dar los aliens a "eso" que vienen a buscar? ¿combustible?; ¿Por qué motivo el personaje de Wilde demora tanto en revelarse y por qué razón conoce tan bien a los invasores?- en general tanto el contenido como el final son lo bastante coherentes y resultones como para satisfacer las expectativas del público más palomitero.

De todas formas y teniendo en cuenta que Spielberg está detrás de todo, no hubiese estado de más darle una pulida al guión, mejorar algunas ideas y acortar algunos diálogos. Pero bueno, el "Rey Midas" de Hollywood percibió el aroma a rentabilidad típica de producto veraniego que llena salas y con eso quedó conforme.

En resumen, "Cowboys & Aliens" cumple bien con su función de entretener un rato, pero pudo haber sido mucho mejor de no ser porque el conformismo de sus creadores lo convirtieron en un producto limitado tanto en ideas como en desarrollo.

Puntaje: 6/10

"Muerte en el Nilo" (Death in the Nile, 1978) de John Guillermin

A bordo de un lujoso barco fluvial, el Karnak, se dan cita diez personas que se ven implicadas en el misterioso asesinato de una rica heredera norteamericana. Mientras remontan las tranquilas aguas del Nilo van apareciendo pistas que indican que todos los pasajeros tenían un buen motivo para matar, aunque todos tienen una buena coartada. Haciendo gala de su particular talento, Hércules Poirot (Ustinov) un magistral investigador belga y también pasajero del barco, se propone descubrir al asesino.

Cuatro años después de la exitosa "Asesinato en el Orient Express", para muchos la mejor adaptación de una novela de Agatha Christie al cine, los estudios Paramount pretendieron aprovechar ese éxito adaptando otra novela de la famosa maestra del suspenso. La elegida fue "Muerte en el Nilo" una nueva aventura del investigador Hércules Poirot, personaje icónico y recurrente de la literatura de Christie.

Albert Finney, que ya había interpretado a Poirot en "Asesinato en el Orient Express", no aceptó la propuesta de volver a interpretar al mismo personaje lo que hizo que los productores tuvieran que buscar a otro intérprete. El elegido fue el británico Peter Ustinov, actor cuya imagen quedaría definitivamente asociada al personaje tras representarlo en numerosas adaptaciones posteriores. Aunque su efigie no coincidiera en lo físico demasiado con la descrita por Christie en sus obras, lo cierto es que la aceptación de Ustinov por parte del público fue tan buena que se convirtió rápidamente en uno de los mayores aciertos de la película.

En lo personal nunca fui demasiado seguidor de los libros de Christie.

Leí algunas de sus novelas en mi adolescencia a raíz de haber visto muchas de las películas basadas en su obra, pero en general nunca me ha parecido una autora tan genial como la pretenden posicionar sus más acérrimos seguidores. De todas formas tengo que admitir que hay cierto nivel de ingenio en la resolución de sus misterios que hace que se justifique la lectura de sus libros por más que algunos se hagan demasiado extensos al límite de lo pesado.

No estoy seguro de que tanta sea la fidelidad de "Muerte en el Nilo" con la novela en la que se basa -nunca la leí- pero no tengo duda alguna que es una de las mejores películas que he visto basada en sus libros.
Ustinov compone a un maravilloso Poirot, muy lejos de la perfomance de Finney en el 74 a la que siempre consideré algo densa y muy sobrevalorada. Me atrevo a afirmar que la labor protagónica de Ustinov es casi el 50% del valor del film, repartiéndose el resto entre el buen trabajo de dirección de John Guillermin y un puñado de actuaciones correctas.

Y hablando de las actuaciones; el cúmulo de estrellas y/o caras conocidas era algo ya habitual en las adaptaciones de obras de Christie, y aunque no todas están a la altura de su nombre -David Niven hace de sí mismo como casi siempre, Bette Davis repite el papel de vieja insoportable en el que reincidió demasiadas veces en los años finales de su carrera- en general sirvieron para darle un toque de mayor calidad aparente y vender mejor la película en su momento.

Por su parte, Guillermin como director hace una labor de ambientación bastante buena apoyado por el marco natural en el que filmó -el verdadero Egipto y su rio Nilo- y logra una atmósfera de misterio atractiva hasta su resolución, en una trama que sigue la mecánica de casi todas las obras de Agatha Christie; detallada descripción de los personajes, enigmático asesinato, investigación del mismo y revelación del asesino y sus motivaciones frente a todos los sobrevivientes del reparto.

"Muerte en el Nilo" es un film de misterio súmamente interesante y muy bien llevado. Para muchos -y me incluyo- es uno de los últimos grandes filmes de investigación detectivesca, que aunque le debe muchísimo al impecable trabajo protagónico de Ustinov, posee valores propios que lo han mantenido en el tiempo como el gran clásico del género que es y seguirá siendo.

Puntaje: 7/10

"El Fantasma" (The Phantom, 1996) de Simon Wincer

Xander Drax, un multimillonario que pretende dominar al mundo, envía una expedición a la selva de Bengala en busca de las míticas calaveras de Tugando posedoras de unos extraños poderes sobrnaturales. Sin embargo, esa jungla es el hogar de un legendario luchador de la justicia conocido como "El fantasma que camina" quien se interpondrá en los nefastos planes de Drax.

Creado por Lee Falk en 1936, "El Fantasma" ha sido uno de los héroes de historieta más populares durante varias décadas. Sus aventuras han sido publicadas una y otra vez en numerosas revistas y periódicos de todo el mundo hasta nuestros días.

Dada su popularidad era cuestión de tiempo para que alguien decidiese llevarlo a la pantalla, cosa que terminó sucediendo por primera vez en 1943 como un seriado cinematográfico y luego en 1961 como un film piloto titulado sencillamente "The Phantom" ideado para que funcionase como puntapié inicial para una serie televisiva. Lamentablemente un presupuesto exiguo y un pésimo guión ayudaron bastante a que el proyecto fracasara y no pasara de ese primer y único episodio.

No es extraño que con la corriente noventera de traslaciones de héroes del comic al cine iniciada en 1989 por el "Batman" de Tim Burton, a algún estudio se le ocurriese volver intentarlo con el personaje de Falk. Y así ocurrió.

En 1996 los estudios Paramount lo llevan a la pantalla grande en una nueva versión dirigida por Simon Wincer y apoyada en un gran presupuesto.

El actor elegido para encarnarlo fue Billy Zane, un joven actor surgido del mundo del modelaje masculino. Contra todo pronóstico, la performance de Zane como el héroe enmascarado resultó ser todo un acierto, encajando perfectamente tanto en la personalidad como en las vestiduras del mismo.

Sin embargo, los motivos por los cuales "El Fantasma" de 1996 terminó por ser una de las mas grandes decepciones cinematográficas de aquel año no vinieron por el lado del protagónico de Zane, ni por las interpretaciones en general, ni siquiera por el trabajo de Wincer tras las cámaras.Donde el film falla rotundamente es en el planteamiento de la historia que nos propone el guión del desaparecido Jeffrey Boam -autor tambien del guión de las dos primeras "Arma Mortal" y de "Indiana Jones y la última cruzada"-. La aventura y los villanos que debe enfrentar el enmascarado lucen algo descafeinados y demasiado vistos. Por ahí aparece un correcto Treat Williams personificando al malvado de turno, con un plan de dominación mundial que incluye unas calaveras mágicas capaces de generar una especie de rayo de la muerte. La búsqueda de las mismas en plena jungla llevará al villano y a sus secuaces a entrar en el territorio de el Fantasma, quien tras descubrir sus planes intentará detenerlo. Y eso es todo.

Aunque de a ratos evidencia que hubo bastante dinero apostado en ella -la fotografía es excelente, la reconstrucción de la década del 30 está bastante cuidada y los efectos digitales, aunque pocos, son en general prolijos- la película se deriva por los derroteros más trillados del género de aventuras. No hay muchas secuencias de acción y las que hay no son demasiado elaboradas y están muy espaciadas entre sí a lo largo del relato. Quizás la mejor sea una de las finales, en la que hacen su aparición los piratas de la Hermandad Sheng, eternos rivales del héroe en la historieta, pero que aquí son prácticamente relegados a ser villanos de segundo plano con muy poco peso en la historia.

Ni siquiera la aparición de una hermosa Catherine Zeta Jones en uno de sus primeros papeles, flirteando románticamente con el héroe enmascarado, ayudan a darle algo más de química al asunto. Zane es simpático y cae bien como el personaje, pero en el comic The Phantom estaba planteado como un ser misterioso y casi místico, experto conocedor de los secretos de la jungla. El problema es que en ésta versión, el misticismo y el aura de misterio que el personaje debería irradiar brillan por su ausencia y es poco lo que el porte físico de Zane puede hacer para darle algo más de sustancia al mismo. 

Por todo esto no resulta raro que "El Fantasma" fuese otra adaptación fallida de un héroe del comic al cine. Le faltaron más y mejores secuencias de acción y un desarrollo más elaborado del personaje que expandiera su aura de oscuro misterio, sin olvidar que hubiese ayudado enfrentarlo a peligros y a villanos no tan rutinarios.

A pesar de su generoso presupuesto de 42 millones de dólares, perfectamente se podría decir que su calidad promedio no pasa de ser la de un telefilm dominguero potable. No es una película tremendamente mala, pero tampoco una memorable.

Puntaje: 5/10